Ni media palabra: 7º Arte

Los futuros estrenos del 2012

2011-12-12T13:18:00.004+01:00

¡Hola gentecilla! ¿Me echabais de menos? Tantos meses de ausencia se deben a otros asuntos importantes como los estudios o, simplemente, la pereza a la hora de escribir. Y también, por qué no decirlo, a la falta de estrenos interesantes, que no merecen ser comentados aquí. La verdad es que este 2011 ha venido muy flojito. Los blockbusters no han arrasado ni la película de animación de Pixar ha sido tan genial como nos tienen acostumbrados. Tan solo "El árbol de la vida", "Nostalgia" y "The artist", películas con una clara desviación de los estándares del público convencional, parecen ser los mejores filmes del año. Pero es que parece que con eso de que se acaba el mundo, en 2012 se van a concentrar todos los mayores blockbusters que podamos ver: esperadísimas películas de superhéroes, una megaproducción sobre unos seres muy pequeñitos y un par de estrenos más, un musical y una peli de animación que, aunque no está garantizado su éxito, no dudo en que arrasarán el año que viene, tanto en taquilla como en crítica. ¿Tenéis la agenda a mano? ¿Sí? Pues empezamos.

LOS VENGADORES (4 de mayo de 2012)

Género: Acción, Superhéroes

Director: Joss Wheddon

Intérpretes: Robert Downay Jr., Chris Hemsworth, Chris Evans, Mark Ruffalo, Scarlett Johansson, Samuel L. Jackson, Tom Hiddelston, Stelan Skaarsgard et al.

El macroproyecto con el que Marvel Studios nos viene torturando desde hace años, cristalizará después del vendaval de los Oscars y en pleno puente del 2 de mayo estrenará la primera parte (porque seguramente haya una segunda o una tercera película) de "Los Vengadores", el mejor grupo de superhéroes de la historia del cómic después de El Supergrupo. En ella, Thor, Ironman, Hulk y El Capitán América, acompañados de Ojo de Halcón y Viuda Negra y comandados por Nick Furia deberán parar los pies a Loki, que está disfrutando como un niño en la Tierra haciendo de las suyas. A saber la que ha montado para que ninguno de los cuatro superhéroes pueda vencerle por separado y deban juntarse. Aunque no creo que hagan falta 6 superhombres para vencer al malo, sólo con uno, grande y verde, es suficiente. Como dice Tony Stark en uno de los footages emitidos en una famosa convención: "tú tienes un ejército, pero nosotros tenemos a Hulk".

THE AMAZING SPIDER-MAN (3 de julio de 2012)

Género: Acción, superhéroes

Director: Mark Webb

Intérpretes: Andrew Garfield, Emma Stone, Reese Ifans, Martin Sheen, Sally Field et al.

Tras ese engendro que se llamaba "Spiderman 3", los de Marvel decidieron hacer un lavado de cara (reinicio que se suele llamar) comenzando de nuevo la franquicia con esta "The Amazing Spiderman". Con algunos cambios más realistas, como unos lanzatelarañas artificiales, y otros más polémicos, como un Spiderman más escuálido y unos balanceos, digamos, menos arácnidos y más humanos, Spidey deberá enfrentarse esta vez a El Lagarto, el álter ego del Dr. Curt Connors, doctor experto en biogénica que experimenta en sí mismo sus hallazgos en esta ciencia para reestablecer su brazo amputado. Pero se le complica la tarde y se le va la cosa de las manos. No me entusiasma mucho esta película, qué queréis que os diga, pero parece interesante y bastante más fiel al espíritu de los cómics y de la fabulosa serie de los 90.

EL CABALLERO OSCURO: LA LEYENDA RENACE (26 de julio de 2012)

Género: Acción/Superhéroes

Director: Christopher Nolan

Intérpretes: Christian Bale, Tom Hardy, Michael Caine, Ann Hathaway, Marion Cotillard, Joseph Gordon-Levitt, Morgan Freeman, Gary Oldman et al.

Sin duda, el estreno más esperado del año que viene por varios motivos: a parte de su descomunal reparto, está dirigida por Nolan, uno de los cineastas más en forma actualmente, y más viendo lo que ha hecho en las dos anteriores entregas con un fantástico superhéroe que estaba en el olvido. A Chris Nolan no le da miedo nada y la incursión de Bane, lo verdaderamente importante en la película, hace que todos los conocedores de la historia de este supervillano, el único que pudo quebrar al murciélago, intuyamos el final del último capítulo de esta trilogía. ¿Veremos la muerte de un superhéroe por primera vez en la historia del cine?

PD: La de Rorschach no cuenta.

LOS MISERABLES (7 de diciembre de 2012)

Género: Drama/Musical

Director: Tom Hooper

Intérpretes: Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Helena Bonham Carter et al.

En octubre del año pasado se cumplieron 25 años desde su estreno en Broadway y en 2012 al fin veremos en el cine uno de los más espectaculares musicales de todos los tiempos. "Los miserables" está basado en la novela homónima de Victor Hugo, que narra la vida de Jean Valjean, un convicto en busca de la redención y del inspector de policía que le perseguirá durante años, mostrando al mismo tiempo los sucesos de las revueltas en Francia tras las guerras napoleónicas. La dificultad de llevar un proyecto como este (casi tres horas de las cuales la mayor parte son totalmente cantadas), que el estilo actual de los musicales, tipo "Chicago" o "Cabaret", no encajan con la obra y que hace décadas que no se realiza un musical a la antigua usanza (el último de ese estilo que recuerdo es "Oliver!", de Carol Reed), a parte de la poca aceptación que tiene el público y lo puntillosos que son los críticos con este género, así como la presión de los fans (no es un musical cualquiera), hacen que este proyecto no parta con muy buenas perspectivas. Pero el curioso reparto y el simple hecho de escuchar la partitura de Claude-Michel Schönberg merece muchísimo la pena. ¿Se colará en los Oscar el año que viene?

EL HOBBIT: UN VIAJE INESPERADO (14 de diciembre de 2012)

Género: Fantasía/Aventuras

Director: Peter Jackson

Intérpretes: Martin Freeman, Ian MacKellen, Richard Ardmitach, Christopher Lee, Cate Blanchett, Hugo Weaving, Andy Serkis, Ian Holm, Elillah Wood, Evangeline Lilly et al.

El largamente esperado estreno (nos tienen 11 años con las ganas) de la precuela de "El señor de los anillos", aunque realmente es un spin off de "El Hobbit", será una semana antes del fin del mundo, el último viernes normal de nuestras vidas. Así, como el día 21 la gente estará dedicada a otros menesteres, como despedirse de sus familiares o saquear tiendas de ultramarinos, pues se estrena el 14 y por lo menos hay un fin de semana completo para recuperar el dinero invertido. La película, rodada en 3D, en 7Kb, en 48 fps, panavisión, tecnicolor y demás cosas, nos devuelve la historia de Bilbo Bolsón, el tío de Frodo Bolsón, y de cómo 12 enanos y un mago le sacaron de su cómodo agujero-hobbit para vencer a un malvado dragón escupefuego más rico que el tío Gilito. Como se han leído el manual 3.5 del D&D saben que necesitaban un pícaro mediano para hacer la misión. Esta voy a ir a verla aunque sea lo último que haga. Un momento ¡probablemente sea lo último que haga!

PORCO ROSSO: THE LAST SORTIE (algún mes del 2012)

Género: Aniamción/Aventuras

Director: Hayao Miyazaki

Intérpretes: sin confirmar

No sé vosotros, pero una película de Miyazaki siempre es uno de los estrenos más esperados del año y uno de los pocos que aseguren calidad. La nueva película del director japonés será una secuela de la que para mí es su mejor película: "Porco Rosso". Si ya de por sí, el director y la película que la precede son motivos suficientes para verla, hay otro atractivo más, especialmente para el público español, y es que lo poco que se sabe del argumento es que la película se desarrollará durante la guerra civil española. ¿Dibujará a las españolas altas, corpulentas y con busto generoso, como suele ser habitual? No lo sé, pero esta no me la pierdo.

Homenaje a la tradición

2011-08-21T12:40:00.008+02:00

PONYO EN EL ACANTILADO

Título original: Gake no ue no Ponyo
Año: 2008
País: Japón
Duración:100 min.
Fecha de estreno en España: 24 de abril de 2009
Director: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki
Música: Joe Hisaishi
Montaje: Hayao Miyazaki y Takeshi Seyama
Fotografía: Atsushi Okui
Productor: Toshio Suzuki
Compañía: Studio Ghibli
Intérpretes: (Voces V.O.) Yuria Nara, Hiroki Doi, Jôji Tokoro, Tomoko Yamaguchi, Yuki Amami et al.

Sasuke es un niño de unos 4 años que vive en lo alto de un acantilado de un pequeño pueblo costero. Una mañana se encuentra un pequeño pez rojo dentro de un bote, al que libera se lo lleva a casa, haciéndose amigos al instante. Lo que Sasuke o sabe es que Ponyo, que así se llama el pez, realmente es una sirena con poderes mágicos y tras lamer una herida de Sasuke, adquiere la cualidad de transformarse en humana. Ahora Ponyo quiere convertirse en una niña de verdad y vivir junto a Ponyo, pero eso llevaría el mundo a la destrucción. La única solución es desprenderse de su magia y convertirse en humana, algo que a su padre, Fujimata, no le gusta nada y deberá evitarlo a toda costa.

Nos habíamos quedado en "El castillo ambulante", la última película de Miyazaki tras su mayor éxito cinematográfico. Sin embargo, la película decepciona por su falta de ritmo y la importante incursión de animación por ordenador, alejándose de su amor por la animación tradicional. Un año antes, en 2007, su hijo, Goro Miyazaki, con el que se rumoreaba tenían una pésima relación, estrenó la decepcionante "Cuentos de Terramar". Todas estas cosas hicieron que Hayao Miyazaki se dedicara de lleno en su nueva película, un filme muy personal, que supondría todo lo contrario de lo que fue "El castillo ambulante" y que dedicaría a su hijo, quizá como reconciliación. Así nació la fascinante "Ponyo en el acantilado".

Como he comentado, uno de los aspectos más negativos de "El castillo ambulante" fue el uso de animación 3D para el movimiento de los personajes y el uso de algunos paisajes. Quizá por esto, Miyazaki dio la orden expresa de que el estilo visual de la película fuera exactamente igual a sus bocetos pintados con acuarelas. Así, uno de los sellos distintivos de "Ponyo en el acantilado" es su primitiva animación, en la que algunos aspectos, como el agua salpicando o las olas, parecen simples bocetos, cuando en sus anteriores trabajos le hemos visto animarla con soltura. Asimismo, los colores azules y rosas son los predominantes durante toda la película, con algunas variaciones como el amarillo en muy pequeñas dosis. Esto dota a la película de un estilo visual sumamente extraño, cautivador, similar a los dibujos que hacen los niños o a los cuentos infantiles. Recuerda en algunos aspectos, por poner alguna referencia cinematográfica, a la película "Mis vecinos los Yamada" de su amigo Isao Takahata.

Esta fiebre tradicionalista en la animación no es la única llamada de atención a los espectadores que creían que se había perdido la esencia de Miyazaki. También el director deja muestras de su imperecedero sentido del ritmo narrativo, llenado una vez más al película de momentos de acción y de dramatismo elegantemente unidas. Pero aunque las escenas de acción, absolutamente impactantes (como la de Ponyo corriendo sobre el mar, una de mis escenas favoritas de toda su filmografía), el tono místico de la ambientación dota a las escenas dramáticas de un lirismo mágico absolutamente maravilloso. Y es que todo el argumento que se desarrolla en el mar, es decir, la vida de Fujimoto, un humano casado con una diosa del mar, lo que le ha hecho perder su condición de humano y odiar a los de su género, es maravillosa. Las imágenes que ilustran toda esta parte de la película son fabulosas, gracias en parte a la asombrosa banda sonora de Joe Hisaishi, para mí, el mejor trabajo de todos los que ha hecho con Miyazaki hasta la fecha. Vuelve a cumplirse la norma de que aquellas películas más infantiles del director tienen una banda sonora extraordinaria. En esta ocasión, temas como el de la introducción o "Mother of the sea", el impresioante tema de los títulos de crédito iniciales, así como el de las señales de luz o el de la ya mencionada escena de Ponyo corriendo sobre las olas, hacen de la banda sonora de "Ponyo en el acantilado" un gozada para el oído.

Pero hay algo de esta película que la hace muy especial para mí: el trato explícito a la geología. Miyazaki ya emplea este aspecto en muchas otras películas, dotando a sus monstruos de un claro aspecto paleontológico. De hecho, en el museo Ghibli hay una pequeña representación de un trilobites. Y es que Miyazaki ve en esta ciencia la esencia de la naturaleza pura y dura, la historia de un mundo reinado por los animales y las plantas, sin la aparición del ser humano destructor. Y posiblemente por esta catarsis del director, que le ha hecho llevar al extremo su estilo, es por el que en "Ponyo en el acantilado" hay alusiones explícitas a esta ciencia. Por ejemplo, en la guarida de Fujimoto aparece escrita la palabra Pangea, el supercontinente que reinó el planeta hará unos 300 millones de años, y posteriormente afirma: "Cuando este pozo esté lleno volveremos a la edad Cámbrica". Desgraciadamente, sólo algunos elegidos podemos entender el significado de esa frase, de esta y de la que pronuncia la madre de Ponyo, comparando la tranquilidad del océano con "el mar del Devónico". La catarsis llega al final, que no desvelaré, pero en el que dos niños de 5 años se saben nombres de animales prehistóricos que un estudiante de geología de veintitantos ni siquiera conoce, lo que deja en ridículo a más de uno.

Así que, resumiendo, se puede decir que Miyazaki vuelve a ser el mismo con "Ponyo en el acantilado", una declaración de intenciones para hacer ver a sus fans que no ha cambiado ni un ápice su forma de hacer cine. Forma una película fabulosa, muy interesante en el especto visual y mucho más compleja de lo que parece en el argumento. Un filme elegante a la par que divertido y emocionante, lleno de ritmo en las escenas de acción y una irresistible magia en las escenas más dramáticas. Una película que encantará a los más pequeños y que los adultos verán con la boca abierta. Impagable canción del final, un poco destrozada en la versión española, pero igual de pegadiza. Una auténtica gozada.

Me quedo con el Cinexin

2011-08-20T00:38:00.008+02:00

SUPER 8

Título original: Super 8

Año: 2011

País: EE.UU.

Duración: 110 min.

Fecha de estreno en España: 19 de agosto de 2011

Director: J. J. Abraham

Guión: J. J. Abraham

Música: Michael Giaccino

Montaje: Maryann Brandon y Mary Jo Markey

Fotografía: Larry Fong

Productores: J. J. Abrahams, Bryan Burk y Steven Spielberg

Compañía: Paramount Pictures/Amblin Entertainment

Intérpretes: Joel Courtney, Elle Fanning, Riley Griffiths, Rian Lee, Gabriel Basso, Zach Mills, Kile Chandler et al.

Joe es un chaval que acaba de perder a su madre y al que le encantan las miniaturas. Trabaja de maquillador, maquetista y editor de sonido en la película de su mejor amigo Charles, una producción casera de zombies que rueda en su cámara super 8. Una noche, mientras ruedan una escena en la estación, presencian un brutal accidente entre un coche y un tren del que salen ilesos. Sin embargo, a partir de esa noche, comienzan a ocurrir cosas extrañas en el pueblo donde viven: el ejército acordona la zona, desaparecen electrodomésticos y algún ente misterioso está haciendo que varios ciudadanos desaparezcan...

Definitivamente, vuelven los 80. Tengo un amigo que no paraba de repetírmelo en clase, pero ya me estaba dando cuenta de ello: vuelven grupos anteriormente disueltos, proliferan las producciones cinematográficas sobre míticos cómics de la década... Quizá sea porque muchos que por aquel entonces se criaron con Regreso al futuro, Star Wars o Indiana Jones ahora rondan los 40 o 50. Y entre estos muchachos está J. J. Abrahams, creador de la mítica serie "Perdidos" y director de la fabulosa "Star Treck: el futuro comienza", el cual, quizá movido por la nostalgia, decidió realizar una película a la antigua usanza, como las que veía cuando era un niño: un filme de acción protagonizado por niños y con una temática extraterrestre. Así nació este homenaje al cine ochentero llamado "Super 8".

Y es esto lo realmente bueno de la película, pues da la sensación de volver atrás en el tiempo y estar viendo algo parecido a "Los Goonies" pero en el cine. Hemos visto muchas películas protagonizadas por niños en los últimos años, pero todas eran de fantasía o simples películas de carácter infantil. Esas pelis de aventuras, casi de terror, en el que los protas no llegaban a los 16 años ya no se recuerdan y eso es lo que nos brinda Abrahams en su nuevo trabajo. Pero no es la nostalgia lo único que inunda la película, pues el director conoce perfectamente el lenguaje cinematográfico de la época y logra conmover y atrapar al espectador sin a penas esfuerzo, posiblemente por la cantidad de veces que haya visto esas películas clásicas que antes mencionaba. De hecho, la escena del autobús del final recuerda sospechosamente a aquella otra del tiranosaurio de "Parque Jurásico", en la que juega con los nietos de Hammond en el coche.

Sin embargo, hay algo que merece un reproche de la película, su principal fallo: está cogida con alfileres. Algunas situaciones de la película son completamente inverosímiles o simplemente muy poco probables de ocurrir en la realidad. Por ejemplo SPOILER: es muy casual que en un accidente de tal magnitud como el del tren (dejemos de lado que un simple coche provoque tal descarrilamiento), en el que los vagones de varias toneladas queden arrugados como plastilina, que una furgoneta acabe estrujada por la mitad, el coche de los protas quede absolutamente intacto pues, de lo contrario, no podrían huir y la película se acabaría antes.O tampoco lo del final, en el que una máquina electromagnética, hecha con meteriales terrestres y basado, supuestamente, en las leyes físicas de la Tierra, sea capaz de atraer magnéticamente lo que le de la gana, pues si atrae las armas de los militares ¿por qué hay algunos que siguen con ellas? Si algunos coches sufren el magnetismo de la nave ¿por qué otros no? Si el cubo metálico que tiene el prota se mueve solo, ¿por qué necesita un imán tan potente para atraer a los demás? Pues para que todo quede más bonito y más emocionante para el final, como la edulcorada escena del collar. FIN DEL SPOILER. Así que Abrahams se saca algunas cosas de la manga, cosas fundamentales para el transcurso de la película, haciendo que los sucesos sean inverosímiles o treméndamente casuales.

No es sólo en el guión en el que Abrahams no está demasiado sembrado. Otros apartados, como la música, tampoco son maravillosos. Michael Giaccino, compositor en alza en Hollywood en los últimos años y que colaboró con Abrahams haciendo la música de "Lost", logra una partitura muy eficaz y muy sonora, pero que no es de esas que se te quedan en la retina, como sí ocurría con películas como "E.T." y compañía. ILM, como siempre, está sembrado, sin embargo, mover millones y millones de piezas metálicas lo llevan haciendo durante las 3 películas de Transformers y el bicho en cuestión se asemeja bastante a uno de los monstruos del circo de Geonosis del final de "El ataque d los clones", así que, a pesar de la calidad, no es nada nuevo. Lo único que aporta algo de frescura, a parte de retomar un tipo de cine perdido, es el quinteto infantil protagonista. Los chicos están realmente bien, sus caracteres están bien delimitados, perimitiendo que nos identifiquemos con ellos al instante. Son los que sustentan la película, concretamente el protagonista, Joel Courtney, que realiza un gran papel.

Así que, como conclusión, decir que "Super 8" es una buena película, especialmente para los amantes del cine de ciencia ficción y de acción infantil de la década de los 80. Es como ver una versión renovada de "Los Goonies". Pero parece ser que el director quería sacar adelante la película a toda costa, sin importarle el modo, y se ha sacado de la manga algunas cosas poco verosímiles. Si a eso le sumamos una música decente y nos efectos visuales sobresalientes pero que no impresionan, tenemos una película bastante buena que demuestra que éxitos como "E.T.", "Regreso al futuro" y demás no son fruto únicamente del talento, sino que la genialidad de Spielberg, Zemeckis o Lucas estaba detrás de ellos. Se podrá recuperar el tipo de cine, se podrá recuperar la magia y la narración, pero sólo el genio puede crear películas inolvidables y esta "Super 8" no lo es.

PD: Atentos a los detalles frikis del cuarto del protagonista, como una maqueta del TIE Fighter de Darth Vader o una lámina de la portada del primer número de los cómics de Batman. Y atentos también al impagable cortometraje completo durante los créditos. Lo mejor de toda la película.

El Miyazaki más flojo

2011-07-25T16:21:00.008+02:00

EL CASTILLO AMBULANTE

Título original: Hauru no ugoku shiro

Año: 2004

País: Japón

Duración: 114 min.

Fecha de estreno en España: 3 de marzo de 206

Director: Hayao Miyazaki

Guión: Hayao Miyazaki, según la novela homónima de Diana Wynne Jones

Música: Joe Hisaishi

Montaje: Takeshi Seyama

Fotografía: Atushi Okui

Productor: Toshio Suzuki

Compañía: Studio Ghibli/Tokuma Shoten/Buenavista Home Entertainment

Intérpretes: (Voces V.O..) Chieko Baisho, Takuya Kimura, Akihiro Miwa, Tatsuya Gashuin, Ryunosuke Kamiki, Mitsunori Isaki, Yo Oizumi et al.

Sophie es una joven que trabaja en una sombrerería. Una mañana sale a la calle y conoce a un misterioso hombre, que resulta ser Howl, el mago que había en el famosísimo castillo ambulante. Esa misma noche, recibe la visita de la bruja del páramo, l cual echa a Sophie una maldición: hace que por el día se convierta en una anciana y no podrá decir nada de lo que le ha pasado. La muchacha deberá entonces huir, yendo a parar al castillo ambulante de Howl.

Tres años después del estreno de su gran obra maestra, Miyazaki regresaba a las pantallas convertido en un referente de la animación mundial y su expectación era máxima. Años antes se había firmado un contrato en el que Pixar, la compañía de animación que estaba despuntanto por aquel entonces (no olvidemos que "Buscando a Nemo" es un año posterior a Chihiro), tendría los derechos de explotación de las películas de Miyazaki en EE.UU., de tal forma que sus trabajos alcanzaran la difusión que merecían en el resto de mundo. Esta relación, a parte de algún que otro homenaje (en "Toy Story 3"aparece un peluche de Totoro), propició que se generaran por ordenador algunas de las animaciones de la película. Esto, desde mi punto de vista, me parece un grave error, pues una de las señas de identidad del cine de Miyazaki es su pureza y el amor absoluto por el cine de animación tradicional en 2D. Y es que, aunque ya se intuían algunos efectos (muy pocos) en "El viaje de Chihiro", en "El castillo ambulante" es un recurso recurrente y bastante llamativo. Y estoy de acuerdo en que queda bien y que se ahorrarían mucho trabajo animando el castillo por ordenador, pero no parece una película que guarde la esencia de Miyazaki.

Pero no sólo estéticamente la película parece fuera de lugar, sino que narrativamente es un filme que deja mucho que desear. Quizá sea por ser la única película del director basada en un tema ajeno a él, en este caso una novela de Diana Wynne Jones que no he tenido el gusto de leer, que la película no tiene el ritmo ni la intensidad que otros trabajos de Miyazaki. En su cine se ve claramente un equilibrio entre acción y drama, entre escenas míticas llenas de intensidad y partes más relajadas. Pero en "El castillo ambulante" ese ritmo desaparece, con lo que tenemos un film tremendamente lento, que puede llegar a aburrir en algunos aspectos y que no llega a maravillar salvo en algunos pequeños momentos del inicio, como a escena en la que Howl y Sophie andan por el aire. Aunque esa grandeza se debe más a la partitura de Hisaishi, fenomenal una vez más, que a la maestría del director.

Y sí, la película tiene los mismos temas, estilo y argumento que todas las demás películas anteriores, pero da la impresión de que "El castillo ambulante" es una película realizada por mero trámite, como una especie de encargo de Pixar, pues la desgana que se ve a lo largo de la película es alarmante. Hay filmes de Miyazaki más largos y más intensos que esta, su peor película hasta el momento. La acción es tan lenta que parece que ha llegado el final, tanto por el ritmo como por la historia (van a ver a la mala de turno), pero te das cuenta de que no ha pasado más que una hora. He llegado a desear fervientemente que acabara, algo que nunca me había pasado con un filme de Miyazaki. Afortunadamente, años después cambiaría radicalmente con uno de sus más entrañables y mejores trabajos de su filmografía: una versión muy personal sobre la Sirenita como muestra de amor a su hijo.

Cómo molas Aronofsky

2011-07-03T10:00:00.000+02:00

CISNE NEGRO

Título original: Black swan

Año: 2010

País: EE.UU.

Duración: 108 min.

Fecha de estreno en España: 18 de febrero de 2011

Director: Darren Aronofsky

Guión: John McLaughlin, Andrés Heinz y Mark Heiman

Música: Clint Mansell

Montaje: Andrew Weisblum

Fotografía: Matthew Libatique

Productores: Scott Franklin, Mike Medavoy, Arnold Messer y Brian Oliver

Compañía: Fox Seachlight Pictures/Protozoa/Phoenix Pictures

Intérpretes: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Winona Ryder, Barbara Hershey, Christopher Gartin, Sebastian Stan et al.

Nina es una joven que trabaja en una compañía de balé. Este año van a representar "El lago de los cisnes" y debido al retiro de la mejor bailarina de la compañía, necesitan a otra chica que interprete el papel protagonista. Ese papel es adjudicado para Nina, cuya dulzura y educación la hacen perfecta para el papel de cisne blanco. Pero el papel de cisne negro exige más osadía y sensualidad, algo de lo que Nina carece. Eso hace que la muchacha se obsesione con el papel hasta límites insospechados, sacrificando incluso su propio cuerpo y sin temor a crearse enemistades y destrozar su vida.

Sé de uno al que no le va a gustar esta crítica, pero si todos pensáramos lo mismo el mundo sería más aburrido. No sé si sería por las altas expectativas o por cualquier otra cosa, pero la cuestión es que "Cisne negro" me ha decepcionado. Con esto no quiero decir que sea una película mala, sino que no me ha gustado tanto como se suponía, teniendo en cuenta las maravillas que se hablan de ella. No me ha terminado de gustar del todo y creo que principalmente es porque Aronofsky, director que ni amo ni odio, ha debido pensar que somos gilipollas.

La cuestión es que el director te destripa la película desde el principio, haciendo que uno de los personajes te cuente el argumento (final incluido) de "El lago de los cisnes". No hay que ser muy listo para asimilar el argumento de ese balé con la historia de Nina, la protagonista, más que nada porque el título hace alusión a ello y porque, a los pocos minutos, vemos como la muchacha empieza a ver cosas extrañas como si se tratara de una peli de terror. El ambiente terrorífico está muy bien hecho por Aronofsky, pero sabemos que no es una película de terror adolescente, sino terror psicológico, lo que indica que la muchacha está un poquito mal de la cabeza. Si relacionamos eso con el argumento del balé, sabemos en a penas 15 minutos de metraje, qué está pasando y cómo va a acabar.

¿Entonces qué pasa con el resto de película? Pues no son más que un cúmulo de escenas llamativas, entre las que hay una arrancada de uña, un despellejamiento, una escena de sexo lésbico y varios intentos de masturbación femenina, así como drojas, alcohol y chunda chunda. Todo muy agradable y bonito. Serían imágenes interesantes si mantuvieran la incógnita o sirvieran para profundizar en el personaje, y aunque Nina evoluciona de forma radical a lo largo de la película, gracias principalmente a la inmensa labor de Natalie Portman, estas escenas son reiterativas, pues ya sabemos desde el principio lo que le pasa a la chavala.

En definitiva, un trabajo de Aronofsky hecho para sus fans que adoran sus birguerías: se despoja de la historia al principio para dedicarse el resto de la película a hacer cabriolas con la cámara, muy originales sí, pero sin sentido, y también a mostrar imágenes polémicas, como todo artista conceptual del siglo XXI, como diciendo "¡Eh, mirad lo que hago, soy un genio!". Una película que debía haber durado tan sólo media hora, lo que se tarda en contar la evolución del personaje y su desenlace, sin necesidad de marear la perdiz con tanta parafernalia. Eso sí, la Portman está fantástica y Mila Kunis es una diosa que ha bajado a la Tierra para que la veamos, eso no se puede negar.

Fantasía en estado puro

2011-06-30T10:31:00.010+02:00

EL VIAJE DE CHIHIRO

Título original: Sen to Chihiro no kamikakushi

Año: 2001

País: Japón

Duración: 124 min.

Fecha de estreno en España: 18 de octubre de 2002

Director: Hayao Miyazaki

Guión: Hayao Miyazaki

Música: Joe Hisaishi

Montaje: Takeshi Seyama

Fotografía: Atsushi Okui

Productor: Toshio Suzuki

Compañía: Studio Ghibli

Intérpretes: (Voces V.O.) Rumi Hîragi, Miyu Irino, Mari Natsuki, Takashi Naitô, Yasuko Sawaguchi, Tatsuya Gashuin, Ryunosuke Kamiki, Yumi Tamai et al.

Chihiro es una niña que acaba de mudarse con sus padres a una nueva casa. Se pierden con el coche y acaban en una misteriosa ciudad medio abandonada en mitad del bosque. Mientras sus padres se atiborran a comida, la pequeña Chihiro se dedica a investigar, conociendo a un misterioso joven llamado Haku que le dice que huya. Al regresar a buscar a sus padres, Chihiro descubre que estos se han convertido en cerdos y por lo tanto, no puede volver a casa. Atrapada en un mundo mágico habitado por monstruos, sin sus padres padres y con la única ayuda de Haku, Chihiro deberá hace todo lo posible para devolver a sus padres su figura humana y regresar a casa. Pero con el tiempo descubrirá que la estancia en ese lugar no es casual y que allí se esconde algo relacionado con la infancia de Chihiro pero que no logra recordar.

Hace meses que no volvía a escribir en este blog. Es lo que tienen los exámenes, que a uno le traen por la calle de la amargura. Afortunadamente, un pequeño respiro (sí, todavía me quedan) ha hecho posible que pueda continuar con el ciclo de Hayao Miyazaki, con una película que tenía muchísimas ganas de volver a ver. Las anteriores veces que la vi o era demasiado pequeño para entenderla (aún todavía la entiendo mucho, todo hay que decirlo), o la vi por televisión con innumerables interrupciones, el mayor crimen de la televisión contra el cine y el mayor delito que se puede cometer con esta película. Me refiero a "El viaje de Chihiro", una de las mejores películas de todos los tiempos, y lo digo así, sin despeinarme. Eso sí, aunque no es la película que más me ha gustado de Miyazaki ("Porco Rosso" me sigue encandilando), sí es la más compleja, la más impresionante y si no es la mejor, que para mí lo es, al menos es de todas la más fascinante.

"El viaje de Chihiro" no es una película sencilla de ver. No se podría considerar una película para niños, pues no creo que la entiendieran. Y dudo incluso que muchos adultos entendieran algunas de las metáforas que aparecen en ella. Eso hace que muchos no disfruten la película en todo su esplendor y al finalizar la cinta acaben fascinados por el espectáculo contemplado, pero no les acabe de llenar completamente porque quizá no entendieran lo que ha dicho el director o, por lo menos, no han captado el mensaje en su totalidad. Pero en el fondo, cuando uno se dedica a reflexionar sobre el significado de tal o cual cosa, comprenderá la grandeza de la película, no sólo de su mensaje, sino de cómo Miyazaki ha montado todo el tinglado, en un derroche asombroso de fantasía, para contar un tema que ya ha sido tratado por el director japonés, pero que en esta ocasión profundiza aún más en él.

La pelícla comienza mostrándonos a Chihiro con sus padres viajando a su nueva cada. Es una mudanza y, por tanto, el fional de un periodo de tu vida y el inicio de otra, el tema fundamental de la película. Notamos que a Chihiro no le gusta, y notamos su angustia a lo largo de la película. La casa de baños representa, en cierto modo, la infancia. Para Miyazaki, la infancia es imaginación, magia, fantasía, y toda esa fantasía que aparece en la película hace referencia a esta etapa de la vida. Por eso, cuando los padres de Chihiro se convierten en cerdos (ya exploqué el significado del cerdo en la cultura nipona en la crítica de Porco Rosso), es porque son adultos y no tienen imaginación. La casa de baños está estructurada por pisos y el último piso es el inicio del final del viaje, como si significara la última etapa de la vida infantil. Quizá por eso el personaje de la bruja sea tan malvado: es un adulto en un mundo infantil.

Pero la clave de toda la película está en el tren. La idea del viaje sin retorno está claro que se refiere al paso a la vida adulta. En la hermosa secuencia del viaje en el tren vemos a los adultos, como si fueran sombras, dbajándose en las distintas paradas. Todo tiene una melancolía y amargura inquietantes, indicando que ese viaje no es muy recomendable, pero inevitable. Sin embargo, y para rizar e lrizo, la clave de la película no está sólo en ese viaje, sino en lo que ocurre después. En todas las películas de Miyazaki se habla del paso de la infancia a la vida adulta, y trata la infancia como un mundo de fantasía. Pero en "El viaje de Chihiro", Miyazaki nos contesta nuestra pregunta: ¿cómo podemos volver a la infancia si ya somos adultos? Y la respuesta es los recuerdos, la imaginación. Cuando Chihiro regresa, lo hace gracias a que recuerda algo que había olvidado. Y tampoco olvidamos que Haku se empeña en que Chihiro recuerde su propio nombre, y no lo sustituya por el de Sen. Miyazaki nos dice que, aun siendo adultos, siempre podemos volver a la infancia gracias a nuestros recuerdos y a nuestra imaginación. Que no por ser adultos debemos de dejar de soñar ni de ser niños. Nos da esperanzas para seguir viviendo en el amargo mundo de los adultos gracias a esa herramienta infantil que son los sueños y la imaginación. La canción del final, que se puede escuchar aquí y que es el colofón a una banda sonora que, si se escucha por separado no es de las mejores de Hisaishi, pero que dentro de la película ayuda de forma sorprendente a enfatizar las escenas como nunca lo había hecho en otros filmes.

Y ese mensaje también puede significar una reivindicación propia de la película y del género de animación en general. Si los adultos podemos soñar como niños, ¿por qué no podemos respetar el cine de animación, un género considerado como propiamente infantil? Quizá por eso la película alcanzó tal éxito y se hizo con el Oso de Oro a la mejor película en el festival de cine de Berlín, algo que nunca otra película de animación ha logrado hasta la fecha.

Resumiendo, "El viaje de Chihiro" es una obra maestra, no ya de la animación, sino del cine en general. Es el ejemplo de cómo ser fiel a tu estilo, contar los mismos temas pero profundizando más, y hacerlo por el camino más difícil pero más hermoso. Es el ejemplo del genio de un cineasta que llena de sencillez una película tremendamente compleja en un ejemplo de manejo de la narración y del mundo de la fantasía como muy pocos (o casi nadie, diría yo) saben manejar. Una película que nos dice un mensaje claro: la vida es demasiado corta y triste como para amargarnos la vida. ¿Por qué no sacar el niño que llevamos dentro y verlo todo de otra forma?

Todopoderosa

2011-04-29T22:44:00.007+02:00

THOR

Título original: Thor
Año: 2011

País: EE.UU.

Duración: 120 min.

Fecha de estreno en España: 29 de abril de 2011

Director: Kenneth Branagh

Guión: Ashley Miller, Zack Stenz y Don Payne, según el personaje creado por Stan Lee, Jack Kirby y Larry Lieber

Música: Patrick Doyle

Montaje: Paul Rubell

Fotografía: Haris Zambarloukos

Compañía: Marvel Entertainment/Paramount Pictures

Productor: Kevin Feige

Intérpretes: Chris Hemsworth, Natalie Portman, Stellan Skaarsgard, Anthony Hopkins, Tom Hiddleston, Idris Elva et al.

Odín, el rey de Asgard y padre de todos los dioses, tiene dos hijos varones: el primogénito y arrogante Thor y Loki, el hermano pequeño que se siente eclipsado. En el día del nombramiento de Thor como rey de Asgard, unos gigantes del hielo, seres de otros mundos que habitan el universo, entran en el palacio de Odín e intentan robar un valioso objeto. A pesar de que Odín y el resto de dioses logran abatirlos antes de que consigan su objetivo, Thor sugiere atacar el mundo de los gigantes de hielo como respuesta, pero su padre decide tomárselo con más calma. Sin hacerle caso, Thor y sus amigos deciden actuar por su cuenta, atacando a los gigantes de hielo. Tras salir ilesos de una muerte segura, Odín recrimina a Thor su actitud arrogante y por desobedecer las órdenes de su padre decide desposeerle de sus poderes y exiliarle a Mithgard, el mundo que se conoce popularmente como la Tierra. Allí el dios del trueno deberá regresar a casa como sea, pero en su empeño conoce a Jane Foster, una científica que le causará una gran impresión.

Hace poco me aficioné a una serie llamada "Los Vengadores, los héroes más poderosos de la Tierra". Es una serie de animación muy buena sobre el grupo de superhéroes de moda. Había algunos que más o menos conocía, más que nada por las películas, como Hulk o Ironman, pero otros como Thor no los conocía a fondo y lo descubrí en esta serie. Acabó gustándome, pero deduje que representar en la gran pantalla, a un público general, la historia de un dios que visita la Tierra y no quedar ridículo podría suponer una tarea muy difícil. Y a medida que veía imágenes de la película, el traje de Thor o incluso el trailer me iba defraudando más, tanto el estilo de la película como el interés de la trama. Se podía decir que, viendo lo que había, esta podía ser la peor de todas las películas Marvel. Pero no contaba con la sabiduría de los chicos de Marvel.

La cuestión es que la película requería de dos objetivos: contar una historia mitológica basada en leyendas nórdicas y al mismo tiempo lograr que esto encajara en una película que fuera un blockbuster. Para lo primero contrataron a Kenneth Branagh, un reputado director y actor shakespeariano que parecía no casar en el tipo de película supertaquillera que debía ser "Thor". Sin embargo, el británico aporta a la película la experiencia necesaria para representar el mundo de Thor sin que chirríe. Y lo logra gracias en parte, a un reparto espectacular que parece estar encantado de conocerle. todos son fantásticos, desde Chris Hemsworth, capaz de representar furia, odio, tristeza y humor en un mismo personaje, a la siempre impresionante en todos los sentidos Natalie Portman. Sin embargo, y aquí he de quitarme el sombrero (o el yelmo más bien) ante Tom Hiddelston. Su Loki es uno de los mejores villanos de la entera historia de los superhéroes Marvel. Y es que, aunque el propio personaje puede ser algo típico (el hermano segundon que vive a la sombra del hijo predilecto de papá), la elegancia y carisma que le pone Hidddelston lo hace absolutamente irresistible. Vamos, que aunque se le vean las intenciones y sea un hijoputa, le seguiría hasta el fin de los tiempos. Si no es lo mejor de la película, es de lo mejor.

Y ya, con la parte difícil conseguida (hacer creíbles los personajes), tocaba lo imposible, representar el mundo de Asgard sin que parezca un chiste malo. Aunque, a decir verdad, para los muchachos de ILM no hay nada imposible. En serio, a estos tipos hay que ponerles un monumento. Las escenas de acción con monstruos y demás podría considerarse del montón, pero el tema de los viajes entre los mundos hace que yo, un muchacho que está en contra del 3D, os amine a que las veáis en este formato. No he visto algo más espectacular en mucho tiempo. Eso sí, los barridos y los movimientos rápidos siguen pareciendo borrosos. esperemos que Peter Jackson lo solucione en "El hobbit" con su nuevo invento.

Así, mientras Branagh se encarga de dar el ritmo adecuado y de hacer entretenida durante dos horas una historia que parecía no tener miga, los chicos del departamento artístico hacen de las suyas: las recreaciones de Asgard son impresonantes y cómo Branagh "esconde" la ciudad en el universo infinito (con múltiples recovecos y planos que parecen del revés) ayudan a dar ese toque mágico y esplendoroso del mundo de los dioses. La banda sonora, absolutamnete maravillosa, inunda la pantalla, ayudando también a incrementar la épica de la película. Se puede decir sin duda que en el apartado artístico la película es impecable. Y para más inri, a muchos de los gigantes de hielo están maquillados, no creados por ordenador, lo que para un servidor, nostálgico de los efectos artesanales del cine ochentero, es un detalle maravilloso.

Pues al final, la que parecía que iba a ser la peli menos buena de toda esta parafernalia de Los Vengadores resulta ser posiblemente, la mejor de las que ha y hasta el momento, por la dificultad de realizarla y lo bien que lo han hecho. Y no sólo eso, sino que han logrado que la película tenga de todo: humor del buelo, chistes estúpidos, acción de la buena, romance, aventuras, caméos de Stan Lee (no diré cuando aparece), apariciones de un nuevo vengador (los conocedores del grupo de superhéroes sabrán de quién se trata), la mejor escena postcréditos de todas las pelis de superhéroes Marvel, 3D espectacular y montones de formas diferentes de llamar al martillo de Thor, por lo menos en la versión doblada (lo llegan a llamar minué, para mi propio estupor), en una película de esas en las que no sólo te entretienes, sino que te diviertes y disfrutas como si fueran un maldito adolescente. Eso sí, hay un par de cosas que no me han gustado: el prólogo, aunque espectacular, tiene tantas similitudes al prólogo de "La comunidad del anillo" que han decidido evitar comparaciones insertando antes una escena que, aunque interesante y muy espectacular, rompe el ritmo de la narración y queda como un injerto aislado mal puesto para curarse en salud. El otro defecto, al menos para mí, es mucho más grave: que aún quedan dos años para ver "Los Vengadores". Ay, quien pudiera viajar al futuro...

Nausicaä revisited

2011-04-23T02:40:00.003+02:00

LA PRINCESA MONONOKE

Título original: Mononoke hime

Año: 1997

País: Japón

Duración: 133 min.

Fecha de estreno en España: 7 de abril de 2000

Director: Hayao Miyazaki

Guión: Hayao Miyazaki

Música: Joe Hisaishi

Montaje: Hayao Miyazaki y Takeshi Seyama

Fotografía: Atutsi Okui

Productor: Toshio Suzuki

Compañía: Studio Ghibli

Intérpretes: (Voces V.O.) Yôji Matsuda, Yuriko Ishida, Yûko Tanaka, Kaoru Kobayashi, Masahiko Nishimura, Tsunehiko Kamijô, Sumi Shimamoto et al.

Ashitaka es el príncipe de un legendario pueblo medieval de Japón. Un día su pueblo sufre el ataque de dios, con forma de jabalí, que por alguna extraña razón se había convertido en un demonio maligno. A pesar de que acaba derrotándole, Ashitaca es herido grabemente en su brazo derecho y la infección acabará propagándose por su cuerpo hasta morir. Es por ello por lo que el príncipe decide huir, abandonar su ciudad y aprovechar sus últimos días en descubrir por qué ese dios les atacó. Las pistas le llevan a un misterioso poblado minero, cuyo progreso ha consistido en la extracción de un metal muy resistente y la fábrica de fusiles. Su líder, Lady Ebosi, utiliza esas armas para luchar contra los dioses del bosque, pues éste una gran fuente de mineral, pero los dioses lo protegen. Así, Ashitaca se encuentra con un conflicto que puede desencadenar la guerra entre los humanos y los dioses del bosque, cuya figura primordial es Mononoke, una princesa humana adoptada por los lobos, que tiene la llave para lidiar con los dos mundos y evitar que corra la sangre.

No he muerto. Simplemente se acerca junio y este cuatrimestre es bastante intenso, con lo que a penas he tenido tiempo ni para ver ni para escribir. Aunque, a decir verdad, esta demora ha sido, en parte, porque esta crítica quería publicarla en un día señalado, aunque con un poco de retraso, eso sí. Ayer, día 22 de abril, fue el día mundial de la Tierra, ¿y qué mejor para celebrarlo que hablar de una película que trata el tema de la convivencia entre el ser humano y la naturaleza como "La princesa Mononoke?

Hace años, en otro blog ya extinto, publiqué una entrada con la crítica de "Nausicaä del valle del viento" para rememorar este día. Digo esto porque, si hay algo claro cuando uno ha visto "La princesa Mononoke", es que ambas son iguales: mismo argumento, misma estructura, todo igual. Eso sí, los años han hecho que la séptima película de Miyazaki goce de una mejor animación, una mayor complejidad y, por supuesto, una mayor calidad que la de 1984. Se puede decir, por tanto, que "La princesa Mononoke" es una versión mejorada de Nausicaä, como si el director no estuviera a gusto con la primera y pensara que había que retocarla. Y al final creó una película que, si no es una obra maestra (a mí no me terminó de convencer del todo, ya lo explicaré), es lo más parecido a una película perfecta.

Miyazaki necesitó 3 años para realizar esa maravilla titulada "Porco Rosso", pero el tiempo de preparación de esta colosal obra requirió de dos años más (5 en total), lo que indica su grado de complejidad y su magnitud. Y es que puede ser que estemos hablando de una de las películas más complejas del director, y también de las más atrevidas. Si en la anterior crítica comentaba que "Porco Rosso" era la más occidental de su películas, se podría decir que esta es de las más orientales, no sólo por la mitología fantástica, sino por la propia estética, que me hizo recordar muchísimo a las películas de samurais del genio Akira Kurosawa.

Sin embargo, aunque Miyazaki vuelve a su género favorito, no deja de sorprender, pues introduce algunas connotaciones en "la princesa Mononoke" que no sólo la hacen diferente a cualquier otra que haya hecho, sino que demuestran su madurez creativa. Una de ellas es la violencia. A lo largo de su filmografía se han visto escenas de acción, incluso peleas a puñetazos, pero el director nipón emplea en esta películauna violencia extrema, sangrienta. No haber visto ni pizca de sangre en sus películas y ver como Ashitaca le corta los brazos a uno de un flechazo, es sumamente impactante. ¿Por qué Miyazaki viene ahora con algo así? La respuesta la encuentra uno si se fija bien: esa ultraviolencia no ocurre porque sí, sino que está relacionada con el mal, con el odio y con la rabia de los seres humanos. Me explico: las escenas en las que Ashitaka rebana brazos y cabezas limpiamente con su arco se debe a que dispara las flechas con su brazo herido, el brazo afectado por el ataque del demonio maligno causado por los seres humanos. Es decir, hay un significado en esa violencia y esa carnicería. En el resto de batallas, siempre que los humanos están involucrados en la pelea, aparece la sangre de una forma u otra.

Otro de los factores de esta película es su complejidad, sobre todo en la psicología de los personajes. Ya en Nausicaa teníamos a un personaje que se debatía entre la naturaleza y la humanidad, entre un bando y otro, y no sabía con cual quedarse. Pero el dilema moral quedaba ahí. En el fondo, lo que podía hacer que Nausicaa apoyara a los seres humanos era que eran de su misma especie, pero los actos del pueblo que quiere atacar no tienen nada de positivo. Se podrían decir que eran malos muy malos. En "La princesa Mononoke" eso no ocurre. También tenemos un pueblo gobernado por una mujer que quiere destruir el bosque, pero vemos en ella cierta humanidad, y cierta bondad: ha sacado a las mujeres de los burdeles y las ha dado un trabajo, ha repartido las tareas entre hombres y mujeres de forma más o menos equilibrada y ha creado una ciudad próspera. Se podría decir que Lady Ebosi es una mujer que merece nuestro respeto. Sin embargo, quiere destruir el bosque, y al dios supremo que allí habita. Lo mismo pasa con los guardianes del bosque. Van a ser atacados y se comprende su actitud, pero hay quien discuta su forma de actuar o no. Es decir, que tenemos personajes completamente bipolares, más reales y más complejos que la antigua Nausicaa, lo que implica una reflexión más profunda sobre la forma de actuar de los humanos.

No obstante, es este punto el que, al menos para mí, hace que la película no acabe del todo bien para mi gusto, y ojo aquí que voy a soltar espoilerazos a mansalva. Para mi gusto, que una mente tan obsesiva como la de Lady Ebosi siga en su empeño de matar al dios del bosque, aunque media ciudad esté en peligro y sin importarle el precio, cambie de repente de mentalidad y todo sea maravilloso, me parece demasiado forzado. Comprendo que Miyazaki quiere dar un mensaje de esperanza, que cree en la convivencia de hombre y naturaleza y confía en la redención del ser humano, pero tal y como lo cuenta con el personaje de Lady Ebosi, me parece demasiado forzado y muy poco creíble. Ha observado sucesos sobrenaturales que le haría recapacitar incluso al más incrédulo y ella seguía empecinada en su objetivo. Y aun perdiendo medio cuerpo sigue en su empeño ¿Por qué cambia de parecer tan de sopetón? Probablemente no lo haya entendido bien o no haya visto bien el final, pero es mi opinión, y lo que lastra, a mi parecer, la conclusión de una película perfecta.

Así que se podría decir, a grandes rasgos, que "La princesa Mononoke" es una versión mejorada y de infinitamente mayor calidad que la película en la que está basada, "Nausicaä dle valle del viento", y que demuestra la madurez del director que ya inició con "Porco Rosso". Película grandiosa, preciosa, llena de acción y épica, con una música impresionante y un mensaje importantísimo, el edulcorado final hace que, en mi opinión, no termine de ser todo lo grande que podía haber sido. De todas formas, una auténtica joya de la animación, uno de los mejores trabajos de Miyazaki y una de las mejores películas de animación de todos los tiempos. Parecía imposible que fuera a ser superada, pero años después el director japonés nos iba a sorprender con el mayor espectáculo de animación que jamás ha podido vislumbrar la humanidad. Pero sobre ello se hablará en la próxima entrada.

PD: Han hecho una cosa horrorosa en la versión española del DVD: han doblado el precioso tema "Utada hikaru" y era algo insufrible. Comprendo que quieran doblar las canciones para que las entiendan los niños, pero es que esta peli no la van a ver los niños, o al menos no deberían verla.

Cuando los cerdos vuelan

2011-03-18T13:11:00.005+01:00

PORCO ROSSO

Título original: Kurenai no buta
Año: 1992
País: Japón
Duración: 87 min.
Fecha de estreno en España: 1 de septiembre de 1994
Director: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki
Música: Joe Hisaishi
Montaje: Hayao Miyazaki
Fotografía: Atsushi Okui
Productor: Toshio Suzuki y Rick Dempsey
Compañía: Studio Ghibli/ Tokuma Shoten
Intérpretes: (Voces V.O.) Shuichiro Moriyama, Tokiko Kato, Sanshi Katsura, Tsumnehiko Kamijo, Akemi Okamura et al.

Italia, periodo de entreguerras. En pleno auge del fascismo en Europa, los cielos del Mediterráneo están plagados de piratas del aire que roban y hacen de las suyas con sus aeronaves. Marco Pagot, un extraordinario piloto italiano conocido como Porco Rosso por el color de su avioneta y su cara de cerdo, se dedica a surcar los cielos, poniendo en jaque a los piratas del aire. Estos, hartos de las pérdidas que tienen debido a las acciones de Porco, deciden contratar los servicios de Donald Curtis, un famoso piloto acrobático americano y estrella del cine, para derrotar de una vez por todas a la amenaza porcina.

Miyazaki es un director de cine fantástico, fundamentalmente. Antes de esta todos sus films con Studio Ghibli estaban enmarcados en este género. Pero tres años después de su divertida "Nicky la aprendiz de bruja" el director nipón nos sorprende con una historia tremendamente realista, la más realista de toda su filmografía y, sorprendentemente, una de las películas más hermosas y elegantes que el señor Miyazaki jamás ha dirigido: "Porco Rosso".

El proyecto nació como un cortometraje de 30 minutos para instruir al ejército japonés sobre métodos de aviación. Sin embargo, al estallar la guerra de Yugoslavia, se tornó en un filme más largo y con un tono más serio, pasando a ser la película que todos conocemos hoy. Esto hace que "Porco Rosso" sea la única película en la que Miyazaki toma partido de forma directa en una ideología política. En todas sus películas ya habló de la libertad y de la paz, ideales progresistas y liberales, pero a través del filtro que produce el cine fantástico. Pero con "Porco Rosso", al situarla en un lugar y en una época reales, algo que nunca más ha hecho el director en ninguna de sus demás películas, impone un tono más realista a la cinta y se desprende de ese velo fantástico para tomar parte más directa en los acontecimientos.

Ese tono realista no se centra sólo en reducir la fantasía a su mínima expresión (lo único que se puede intuir como fantástico, aunque discutidamente, es el rostro de Porco Rosso), sino que también lo nota en el tono, el género y en la narración. Y es que "Porco Rosso" se puede considerar como la más occidental de sus películas, por no decir la más americana, pues su forma de narrar o sus distintos temas son típicos del mejor cine negro hollywoodiense: el héroe solitario y desencantado con el mundo, la chica a la que ama en secreto pero a la que se niega a declarase, el triángulo amoroso entre Porco, Gina y Donald, recuerdan a los grandes clásicos de los años 40 como "Casablanca". La melancolía inunda toda esta parte, gracias al ritmo pausado y tremendamente elegante de Miyazaki y la descomual música (para mí, el mejor trabajo de Hisaishi); así como los diálogos, en uno de los mejores trabajos de Miyazaki como guionista, son absolutamente brillantes, dotando a la película de ese aroma romántico que tanto se hecha de menos del cine clásico estadounidense.

Pero "Porco Rosso" no es sólo una película dramática. Como casi una obligación por parte del director, este inunda las escenas de imágenes aéreas absolutamente magistrales. Las batallas y persecuciones con las aeronaves están dotadas de una fuerza, agilidad y elegancia que son absolutamente pasmosas. Con esto, Miyazaki incluye un poco de acción y aventura en el drama de Porco Rosso, que no es más que un piloto italiano convertido en cerdo por el desencanto que le causó el ejército, al que perteneció durante un tiempo. Aunque en la película (en al versión española al menos) nos cuentan otra cosa, lo cierto es que en la cultura japonesa, el cerdo es símbolo de desencanto, y la gente se convierte en este animal cuando la vida no le importa casi nada (ejemplo: los padres de Chihiro). Por eso que, el único término fantástico de la cinta puede interpretarse más bien como un símbolo, como un estado de ánimo del personaje y, posiblemente, del director japonés en ese momento.

Y hay que matizar lo de en ese momento porque todas las películas de Miyazaki están llenas de esperanza, pero esa esperanza está representada en la juventud y la infancia. Es lógico que en una película tan melancólica como esta, los protagonistas sean adultos y que el único personaje juvenil (y femenino, claro está) es la nieta del mecánico de Porco. Las dos únicas escenas en las que Porco pierde su apariencia porcina están relacionadas con al muchacha (cuando se despierta y ve a Porco sentado, o al final cuando le da un beso), indicando que en un mundo decadente, la juventud es la única que hace ver a Porco la esperanza en un mundo mejor.

Esta elegancia y esta fuerza nacen de lo más interior de Miyazaki, pues esas escenas de aviación hacen salir su amor por la aeronáutica. En sus anteriores películas también trató este tema, pero es en "Porco Rosso" cuando el director japonés muestra todo su amor y todo su conocimiento en el tema. De hecho, hay una escena en la que el mecánico le muestra un motor nuevo a Porco, un motor del tipo Ghibli, nombre de su estudio.

En conclusión, decir que todo esto, aventuras, acción, drama, política, humor, triángulos amorosos, amores prohibidos, amores reprimidos (Gina ama a Porco pero sus tres maridos pilotos murieron), elegancia, desencanto ante la humanidad, esperanza en las nuevas generaciones... Todo eso tiene cabida en apenas hora y media de película, mejor dicho, de una gozada de película, de obra maestra con todas sus letras, en la que mezcla cine negro de una melancolía desesperante con un cine de acción y aventuras completamente enérgico, enlazados de forma magistral. Miyazaki demostró con "Porco Rosso" que el anime no sólo era cine para niños, sino que, a parte de Nicky, Totoro o "El castillo en el cielo", podía hacer un cine más adulto y más comprometido, universalizando el género. De hecho, fue esta la que inició una breve etapa de madurez del director, la primera de un tríptico dedicado a un público mucho más adulto, donde sacó a relucir todo su talento y toda su narrativa. "Porco Rosso" es una de las pelis más atípicas de Miyazaki, y una de mis favoritas, pero lo mejor está por llegar.

Escena favorita: La verdad no sé con cual quedarme. La de arriba del todo es la que más me gusta, pero en esta de aquí me encanta la forma que tiene Miyazaki de enlazar la escena de la discusión de los piratas con el vuelo, aterrizaje y llegada al bar de Porco, empleando el precioso tema "Les temps des cerices".

____

PD: La próxima película de Miyazaki será una secuela de esta cinta, titulada "Porco Rosso: the last sortie", y se desarrollará durante la Guerra Civil española. Hace años visité la hermosa ciudad asturiana de Cudillero y me pareció típica de las películas de este director. ¿Habrá pensado lo mismo Miyazaki para inspirarse?

Ganadores Oscars 2011

2011-03-01T21:20:00.004+01:00

El domingo pasado un servidor se quedó toda la noche en vela para ver la gala de los Oscar. Hubo gente que me acompañó en mi odisea, aunque se fueron antes de tiempo, pero fue divertido. Incluso superamos el record de comentarios en una entrada de Facebook, 245 o así. La verdad es que, salvo Kirk Duglas, la coña de "Regreso al futuro", Mila Kunis, Amy Adams, James Franco disfrazado de mujer y el "FUCK!" de Melissa Leo, todo lo demás no fue demasiado interesante, y mientras el año pasado contemplé en directo como una mujer ganaba por primera vez el Oscar como mejor director, este año no pude ver cómo lo ganaba una de sci-fi o de animación, ni siquiera como triunfaba el gran Fincher. En su lugar tuve que contemplar cómo "El discurso del rey" acababa ganándolo casi todo, cuatro Oscars, los de mejor película, director, actor y guión original, que demuestran una vez más del poder de los actores en Hollywood.

"La red social", mi favorita teniendo asumido que ni "Origen" ni "Toy story 3" iban a ganar, se llevó unos cuantos premios que son importantes, pero no tantos como la película ganadora: montaje, guión adaptado y música, merecidos todos ellos. La de Christopher Nolan se hizo con otros tres, todos técnicos: efectos visuales, montaje de sonido y sonido. No ganó el de mejor montaje porque no estuvo nominado y no lo nominaron porque, sencillamente, no se lo iban a dar, en una de las mayores injusticias desde que no premiaron a "El retorno del rey" a la mejor fotografía. Aunque eso sí, ganó unos pocos más.

Pues eso, que pocas sorpresas, poco que destacar y mucho sueño la mañana siguiente, que me caía de sueño leyendo la estratigrafía de la Zona Asturoccidental Leonesa, con lo apasionante que es. Destaca la sorprendente observación que tuve a propósito de la gala, la cual presentaban dos supervillanos (El Duende Verde y Catwoman) y presenciaban cinco superhéroes (Batman, Hulk, Lobezno, Ironman y Spiderman). Afortunadamente, todos se portaron muy bien y tuvimos que lamentar accidentes. Sin más, la lista de los premiados. Como no me apetece escribir mucho no os voy a poner todos, pero podéis ver la lista completa pinchando aquí.

OSCARS 2010

Ganadores

Mejor película

"El discurso del rey"

Mejor director

Tom Hooper ("El discurso del rey")

Mejor guión original

"El discurso del rey"

Mejor guión adaptado

"La red social"

Mejor actor

Collin Firth (El discurso del rey)

Mejor actriz

Natalie Portman (Cisne negro)

Mejor actor secundario

Christian Bale (The fighter)

Mejor actriz secundaria

Melissa Leo (The fighter)

Mejor montaje

La red social

Mejor fotografía

Origen

Mejor banda sonora

La red social

Mejor película extranjera

In a better wold (Dinamarca)

Mejor película de animación

Toy Story 3

El western, el género maldito

2011-02-19T01:31:00.009+01:00

VALOR DE LEY

Títiulo original: True grit

Año: 2010

País: EE.UU.

Duración: 100 min.

Fecha de estreno en España: 11 de febrero de 2011

Director: Ethan y Joel Coen

Guión: Joel Coen e Ethan Coen, según la novela homónima de Charles Portis

Música: Carter Burwell

Montaje: Roderick Jaynes

Fotografía: Roger Deakins

Productor: Ethan Coen, Joel Coen y Scott Rudin

Compañía: Paramount Pictures/Skydance Productions

Intérpretes: Hailee Steinfeld, Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin, Barry Pepper, Paul Rae, Domhnall Greesom et al.

Oeste americano, finales del siglo XIX. El padre de Matti, una joven de catorce años, ha sido asesinado a sangre fría por el bandido Tom Chaney. Como nadie le siguió y ninguna persona se dedica a darle caza, la chica deja atrás a su familia y viaja haica un pequeño pueblo para contratar los servicios dle sheriff Rosster Cogburn, famoso por su fácil gatillo. A pesar de que el sheriff es reticente a la hora de ayudar a la muchacha, Matti hará todo lo que esté en su mano para que se haga justicia a la muerte de su padre.

Cuando un equipo juega en casa, no sólo debe ganar, sino que debe agradar a su afición. Algo parecido ocurre con el western: no sólo debe ser una gran película, sino que debe ser la creme de la creme. Y es que, uno de los lastres a la hora de hacer hoy día una película del oeste no es sólo su dificultad, sino su comparación no con el resto de películas clásicas del género, sino con los mejores westerns de todos los tiempos. Si pensamos en western nos viene a la cabeza "Sin perdón", "Centauros del desierto" o "El hombre que mató a Liberty Valance", auténticas obras maestras del género y del cine universal, y claro, cuando vemos una nueva película del oeste esperamos que por lo menos se les acerque. Es decir, estamos comparando con obras maestras y, si no se le parecen, el western en cuestión no merece la pena. Este es un error muy grave, error en el que caen muchos al hablar de "Valor de ley".

Al leer críticas sobre la película (uno se informa sobre lo que piensa gente más experta que él) me di cuenta que, generalmente, se le acusa a la nueva de los hermanos Coen de falta de emoción. Después de verla me he dado cuenta de que los críticos se equivocan, pero no en la percepción de la película (ellos son más experimentados que yo, dónde va a parar), sino que es más un fallo de expresión, esas cosas que ocurren cuando no te termina de gustar una película y no sabes por qué. Entre el público vale eso de "le falta un algo", pero los críticos tienen que decir qué es ese algo, y a veces no se sabe con exactitud. Lo que supongo querían decir es que lo que le falta a "Valor de ley" no es emoción, sino esa épica que tienen todos los western, sobre todo al final del film, y que te hace hervir la sangre. Esa majestuosidad, esa grandilocuencia, que tienen ciertas películas del oeste, que la hacen convertirse en inolvidables. Todos nos acordamos del final de "Centauros del desierto", o de la parte final de "Sin perdón", o de la más reciente "El tren de las 3:10", pero "Valor de ley" no tiene eso. No es una película épica, pero a diferencia de lo que piensa la gente, eso no la convierte en una mala película, en absoluto.

Y son los hermanos Coen los que se encargan de que la película no sea mala. De hecho, es realmente buena. Está muy bien realizada y todos los aspectos técnicos son de alta escuela. Entre ellos, destaca sobremanera la impresionante música de Carter Burwell, con un tema principal de esos que se te quedan en la cabeza después del visionado. En el aspecto interpretativo, todos los actores están genial, pero destaca por encima de todos la joven Haylee Steinfeld, en un trabajo memorable. A parte de lucir realmente hermosa en la película, su personaje tiene una fuerza impresionante, por lo menos al inicio del film, y su interpretación es fabulosa. Lástima que en los Óscar compita con Natalie Portman, una actriz que la supera en calidad y también en belleza, que seguramente ganará, porque la pequeña Haylee es una gozada de ver.

Así que se puede decir que "Valor de ley" es un grandísimo peliculón, una de las mejores películas de este año, o del año pasado si preferís Una cinta emocionante y muy entretenida, pero que carece de esos momentos apoteósicos y épicos de las películas del oeste, y quizá sea eso, y su final, demasiado edulcorado para el género, lo que le hace flaquear. Los Coen, a pesar de no ser los mismos genios que nos brindaron maravillas como "El gran Lebowski" o "Muerte entre las flores", demuestran que, aun atraídos por un cine más convencional, son grandes directores y estéticamente sus películas son impecables. Sin embargo, ser una buena película no es suficiente para un western, o para la consideración que se tiene hoy en día del género. Queremos lo mejor de lo mejor y "Valor de ley" no lo es. Resumiendo, se podría decir que el principal problema de este western es que, simplemente, es un western.

El día de la independencia

2011-02-14T17:03:00.007+01:00

NICKY, LA APRENDIZ DE BRUJA

Título original: Majo no takkyubin

Año: 1989

País: Japón

Duración: 100 min.

Director: Hayao Miyazaki

Música: Joe Hisaishi

Guión: Hayao Miyazaki, según la novela homónima de Eiko Kadono

Montaje: Takeshi Seyama

Fotografía: Shigeo Sugimura (color)

Productor: Hayao Miyazaki

Compañía: Studio Ghibli

Intérpretes: (Voces V.O): Minami Tayakama, Rei Sakuma, Kappei Yamaguchi, Keiko Toda, Mieko Nobusawa, Koichi Miura, Haruko Kato et al.

Nicky es una niña que acaba de cumplir los 13 años. Como todas las aprendices de bruja de su edad, deberá emanciparse y vivir ella sola en una ciudad. Nicky llega a una gran ciudad bañada por el mar, de la cual se enamora inmediatamente. Sin embargo, la vida en una gran urbe no es sencilla y no estará exenta de dificultades.

Normalmente, las películas de Miyazaki suelen tener un margen de unos dos años entre ellas, aunque en la última década ese límite se ha aumentado, quizá debido a la avanzada edad del director japonés, que le impone un ritmo de trabajo más lento. Por esto llama la atención que tras el enorme éxito de "Mi vecino Totoro" en 1988, tan sólo un año después estrenara "Nicky la aprendiz de bruja". Esto puede significar, y significa, que no estemos ante una de sus grandes obras. De hecho, al menos para mí, es de sus "menos buenas" o de sus peores películas, si no es la peor. Esto no quiere decir que sea mala, todo lo contrario, sino que, como ocurre con los grandes genos del cine, como Scorsese, Eastwood o los chicos de Pixar, una película mala suya está muy por encima de la media del resto de cine que se estrena. Así que no se puede decir que "Nicky" sea un desastre.

El porqué de su estreno al año de "mi vecino Totoro" quizá esté en su temática. Mientras que la cinta del adorable y peludo ogro gigante trataba sobre la infancia, esta es una película que habla de la madured, una etapa que todos debemos seguir. Miyazaki adora la infancia, pero con esta nueva cinta alaba los beneficios de la vida adulta, de crecer, de ser independiente. Es como si "Mi vecino Totoro" y la película que nos ocupa fueran dos partes de una misma cinta, dos etapas en la vida de una persona que separó para no hacer una película de cuatro horas.

Hay otro tema que predomina en "Nicky la aprendiz de bruja". En el resto de películas de Miyazaki se ve la calma y tranquilidad de la vida en el campo, pero nunca se había visto el bullicio y el estrés de la gran ciudad como en esta peli. Llama la atención la vitalidad del personaje de Úrsula, una chica que vive en una casa de madera en mitad del bosque, como representación de la alegría y vitalidad del campo. Además, Nicky encuentra en ella un apoyo en sus días grises, al igual que Tombo, un muchacho un tanto friki al principio pero que es un apasionado de los aviones. Otra vez, la naturaleza y la aviación como símbolos de paz, tranquilidad y evasión.

Otro de los aspectos que más destacan de "Nicky la aprendiz de bruja" es su música. Miyazaki tiene dos tipos de películas: unas más adultas y otras más infantiles. Se puede decir que hay dos Miyazakis, pero sólo es uno. Lo curioso es que en sus películas más adultas, la música no tiene un papel fundamental, pues el film se sustenta tanto en el guión como en la fantasía de sus imágenes. Sin embargo, las películas de tono más infantil, gozan de una música maravillosa. Si uno se para a escuchar las bandas sonoras de las pelis del director japonés, verá que las mejores son las de las películas más pequeñas. Posiblemente, y con todos mis respetos a la música de "Ponyo en el acantilado", la de "Nicky la aprendiz de bruja" es la mejor partitura que ha escrito Hisaishi. De hecho, es esta la que hace apetecibles los momentos más calmados de la película. Y no tiene uno, ni dos, sino que casi todos sus temas son fabulosos, haciendo de esta película una gozada para los oídos.

En definitiva, se puede decir que "Nicky la aprendiz de bruja" es una película sencilla, muy sencilla, que narra la adaptación de una chica a un nuevo mundo: el de los adultos. Posiblemente sea la más insulsa y desconocida película de Miyazaki, que gracias a la música de Hisaishi, lo mejor de todo el filme, y una fotografía brutal, que dota de una belleza pasmosa a las imágenes (la de Tombo y Nicky en la playa con el dirigible de fondo es una gozada y la iluminación de la habitación de Nicky es un prodigio), hace de ella una película nada despreciable. La animación también es soberbia, con la representación de una ciudad inmensa, llena de detalles minúsculos y de una profundidad pasmosa, que da la sensación de que existe de verdad y de que el espectador vive en ella. Con todo, una buena película, que se mantiene a flote gracias a los apartados técnicos y a la sutil mano de Miyazaki en la dirección y el manejo del ritmo narrativo, navegando con soltura entre el drama y la acción como pez en el agua. Tras este film vendría la gran explosión creativa del director, la que le ha hecho realizar sus más grandes películas que le alzaron a la fama. Incluso llegó a hacernos creer, en su siguiente trabajo, que los cerdos volaban.

De vuelta a la infancia

2011-02-05T13:18:00.006+01:00

MI VECINO TOTORO

Título original: Tonari no Totoro

Año: 1988

País: Japón

Duración: 82 min.

Fecha de estreno en España: 30 de octubre de 2009

Director: Hayao Miyazaki

Guión: Hayao Miyazaki

Música: Joe Hisaishi

Montaje: Takeshi Seyama

Productor: Toru Hara

Compañía: Studio Ghibli

Intérpretes: (Voces V.O.): Noriko Hidaka, Chika Sakamoto, Shigesato Itoi, Sumi Shimamoto, Tanie Kitabayashi, Hitoshi Takagi et al.

Satsuke y Mei son dos hermanas que se mudan con su padre a una antigua casa de campo, pues su madre está enferma y el aire fresco le vendrá bien para su recuperación. Allí conocerán a Totoro, una especie de conejo gigante y con poderes mágicos de la que las niñas se harán muy amigos.

Aprovecho que ya no estoy tan saturado de exámenes para retomar este ciclo de las películas de Hayao Miyazaki. Ahora le toca el turno a "Mi vecino Totoro", una de mis películas preferidas y uno de los films más importantes del Studio Ghibli, pues su éxito le supuso su consagración en el mundo de la animación japonesa, aunque en occidente seguía sin ser demasiado conocido. Esta condición de película de culto pero desconocido se manifiesta en que los de Aurum decidieron estrenar "Mi vecino Totoro" en los cines de Madrid y Barcelona, con motivo del lanzamiento del DVD. Pero lo estrenaron 21 años después de su estreno en salas japonesas, allá por el lejano 1988.

Y fue una gran noticia, pues "Mi vecino Totoro" es una de las películas de animación más fascinantes de toda la historia de la animación. No me refiero a la calidad o a su complejidad temática. Es más, el argumento de la película es más simple que cagar en pared y su guión es sumamente sencillo. Pero aún así, es una película que fascina de igual forma a niños pequeños que a adultos de veintitantos. Vale, es cierto que las películas de Pixar también hacen lo mismo, pero Pixar se fundamentan en diálogos ingeniosos, personajes fantásticos y gags extraordinarios para que tengan una película accesible para el público adulto sin dejar de gustar a los niños.

Pero "Mi vecino Totoro" no tiene nada de eso. Tanto en su temática como en sus personajes, diálogos y demás, es una película para niños y sólo disfrutable, al parecer, por niños. ¿Por qué entonces gusta a todas las edades? Por una sencilla razón: mientras tu puedes ver "Toy Story 3" con la mentalidad de un adulto (de hecho, si no la ves desde ese punto de vista el final no tiene sentido) y disfrutarla como un enano, "Mi vecino Totoro" tienes que verla con la mentalidad de un niño. Miyazaki se deja de artimañas y de trabajos de guión para hacer con las imágenes y el sonido que el espectador se convierta en un niño automáticamente, sin poder evitarlo. Y lo hace desde el segundo 1, con ese irresistible opening lleno de fuerza y alegría, la fuerza y alegría de un infante, avisándonos de lo que va a ir la película.

Tras los créditos, Miyazaki nos presenta los personajes en un paisaje idílico, acompañados por la hermosa partitura de Hisaishi, que puede ser perfectamente la mejor banda sonora que haya compuesto este hombre para una película de Ghibli (el tema "El pueblo en mayo" es una auténtica gozada). Y eso es toda la película: un cuadro costumbrista sobre la vida en el campo, en el que se nos muestra el día a día de los campesinos y de nuestras dos protagonistas. Cómo tienden la ropa, como van a por agua al río, cómo van en bicicleta al campo. Todo es maravilloso, incluso los niños que se quedan en el colegio a limpiar son felices (eso no se lo cree ni Dios). Y eso es lo que quería contar Miyazaki: cómo fue su infancia, que tuvo que pasar en el campo por culpa de una enfermedad de su madre, al igual que las protagonistas. Así que en cierto modo "Mi vecino Totoro" es una especie de recuerdos de infancia, de testimonio sobre una etapa importantísima de su vida. Sólo así se explica la cantidad de detalles mínimos en los dibujos, como la hoja siendo arrastrada por el río, el sapo andando bajo la lluvia, etcétera.

Entonces ¿dónde está el interés de "Mi vecino Totoro"? Pues está, precisamente, en Totoro. Este personaje es, sin duda alguna, el alma de la película. A simple vista parece un simple conejo gigante al que las niñas adoran, pero si uno se fija bien tiene un significado más profundo. ¿Es un sueño de las niñas? (Casi siempre aparece cuando una de las niñas está durmiendo) ¿Es real o es imaginario? Lo único seguro es que los mejores y más intensos momentos de la película se producen cuando aparece él, alcanzando su cénit en la escena de la para de autobús, para el que esto escribe, una de las secuencias más fascinantes de la entera historia del cine. Este y todos esos momentos están sustentados únicamente por el propio personaje de Totoro. Su única presencia es la que lo mueve todo, la que nos fascina, en un ejercicio de diseño de personajes absolutamente maravilloso. Otro ejemplo de este diseño de personajes se da en el culmen de la escena de la parada de autobús. Cuando no parecía que podía haber nada más fascinante que Totoro (es la primera vez que le vemos en acción, pasándoselo pipa con un paraguas), aparece el Gatobús, un personaje más impresionante todavía por lo inesperado. Explosión de imaginación de fantasía, pero con tan sólo dos personajes y sin alardes de ningún tipo. Ríete tú de los Na´vi de James Cameron.

Así, toda la película navega entre las escenas costumbristas de la vida en el campo, que siempre son interesantes aunque a alguno le puede llegar a aburrir; y las partes en las que sale Totoro. No hay escenas de acción como en sus anteriores films, todo tiene un ritmo pausado y elegante, fundamentado en la elegancia de la animación tradicional y la belleza de la música de Hisaishi. Una película sumamente simple, que en otras manos habría sido otra película infantil más, pero que gracas a Miyazaki se convierte en un filme mucho más complejo de lo que parece, en el que el director plasma sus recuerdos y ensoñaciones infantiles, que no dejan de ser las mismas que todos hemos tenido a lo largo de nuestra vida. Una película para que los adultos saquen su lado infantil y rememoren durante dos horas lo que vivieron en su etapa más dulce de la vida. Volviendo a la comparación con "Toy Story 3", en la peli de Pixar esa añoranza se produce en unos pocos segundos en la escena del final con Woody, pero en "Mi vecino Totoro" se produce durante la hora y media que dura la cinta, algo realmente difícil. En definitiva, un film de culto que catapultó a la compañía, la cual hizo de su personaje estrella su logotipo y su "taquillero simbólico" del Museo Ghibli. Incluso a la salida del museo hay un enorme gatobús de peluche, al cual quiero estrujar con todas mis fuerzas en algún momento de mi vida.

PD: La comparación con "Toy Story 3" no es en vano: Totoro aparece en la película en forma de peluche, cuando Woody se fuga y le acogen los juguetes de una casa. No olvidemos que Pixar tiene los derechos de explotación de las pelis de Studio Ghibli en EE.UU.

Cuando la piedra cobra vida

2011-01-19T13:35:00.017+01:00

GÁRGOLAS, HÉROES MITOLÓGICOS

Título original: Gargoyles

Capítulos: 78

Temporadas: 3

Primera emisión: octubre de 1994

Última emisión: febrero de 1997

Directores: Dennis Woodyard, Frank Paur, Kazuo Terada, Saburo Kashimoto, Bob Kline et al.

Guión: Greg Weisman, Michael Reves, Lydia Marano et al.

Música: Carl Johnson

Productores: Greg Weisman y Michael Reves

Compañía: Walt Disney Pictures

Intépretes: (Voces V.O.) Keith David, Salli Richardson-Whitfield, Jeff Bennett, Edward Ashner, Frank Welker et al.

Escocia, 1994. En plena época de guerras durante el medievo, las gárgolas y los humanos vivían en armonía, protegiéndose mutuamente. Un día, un grupo de gárgolas junto a Goliath, su líder, son llamados fuera del castillo para cumplir una misión. Pero descubren que todo es una trampa, pues el señor del castillo al que protegían les ha traicionado y ha destruido a las gárgolas que allí dormían por el día, convertidos en piedra. Al intentar realizar su venganza, son engañados de nuevo y convertidos en piedra permanentemente por un hechizo, que sólo se romperá "cuando el castillo se eleve por encima de las nubes". Mil años después, el magnate y multimillonario neoyorkino David Xanatos, conocedor de la leyenda, decide comprar el castillo de las gárgolas, junto con las estatuas, y reconstruirlo piedra por piedra en la cima de su propio rascacielos. Así, el castillo logra elevarse por encima de las nubes, rompiéndose la maldición y despertando las gárgolas en un mundo nuevo, desconocido para ellos, donde deberán intentar adaptarse y encontrar su sitio y su objetivo en esa nueva vida.

En 1992, aprovechando el tirón de las dos películas de Tim Burton, la Warner Bros creó una serie de dibujos animados sobre Batman, titulada "Batman: la serie animada". Fue un rotundo éxito, convirtiéndose en una de las mejores series de animación de todos los tiempos. Lógicamente, a la Disney no le gustó que su máximo rival se llevara toda la gloria, por eso decidió plantarle cara con una serie del mismo tipo de la del Señor de la Noche, una serie oscura, destinada a un público más adulto. Así nació Gargoyles, la serie más ambiciosa y conocida de la compañía Disney y, para el que esto escribe, una de las mejores y más complejas.

La serie goza de tres temporadas, siendo la primera y la tercera las más cortas, ambas con 13 episodios, y la segunda la más larga, con casi medio centenar de capítulos. Se emitió durante cuatro años en EE.UU. y en España a finales del siglo pasado, en La 2, a la hora de comer, junto con Digimon. Lo recuerdo perfectamente porque más de una vez llegué tarde al colegio porque me quedaba viéndola. Me sé la introducción de memoria y llegué a tener un muñeco de Goliath de fuego, que se perdió junto con el resto de figuras articuladas de mi infancia, entre las que reinaban las tortugas ninja. Así que podréis comprender mi devoción ante esta gran serie, la cual he tenido la oportunidad de revisar ya entrado en años.

Primera temporada: capítulos del 1 al13

En la primera temporada se nos presentan tanto los personajes como el universo en el que se mueven y narra el despertar de los protagonistas en la Nueva York de finales del milenio y su aclimatación a ese nuevo mundo. Lo que más impresiona de todo es su oscuridad y su violencia, atípicas para una serie de Disney, pero también su elaboradísimo guión, usando referencias de la mitología inglesa y noruega, así como personajes y eventos de Shakespeare. Así, si la serie ya tenía un toque mágico con las fabulosas gárgolas en un mundo actual, al contar su origen aparecen en la serie historias mediavales, con magia y hechicería, con personajes como el Rey Arturo, Merlín, Odín, o la isla de Ávalon y demás parafernalia. Esa presentación de personajes y la complejidad y riqueza de su argumento, hace que para contar las historias hagan falta más de un capítulo, con lo que la temporada se llena de pequeños bloques compuestos de varios episodios. Concluye con la aceptación de las gárgolas de que ese es su lugar y la decisión de que su meta será la de defender a los humanos que allí habitan.

Segunda temporada: capítulos del 14 al 65

La segunda temporada de Gargoyles tiene un cambio significativo al inicio de cada capítulo. Aprovechando que las gárgolas ya han aceptado su condición de guardianes protectores, siempre, en la cabecera, aparece una voz en off de Goliath contando su historia, monólogo que todos nos sabemos de memoria y que podéis ver arriba. Esta temporada, sin embargo, es la más irregular de todas, pues aunque alcanza su mayor apogeo fantástico y la complejidad de las historias aumenta espectacularmente, siendo el mejor bloque de toda la serie, se inicia al mismo tiempo su declive. Es esta la temporada en la que se desarrolla toda la trama de Ávalon, del rey Arturo, del Ojo de Odín, del Grimorum Arcanorum y demás, en el que se entremezclan los mundos y la fantasía corre a raudales.

Pero es al final de este bloque, más o menos por la mitad de la temporada, cuando los capítulos, y en conjunto la serie, cae en picado. Es lógico que, habiendo alcanzado una calidad tan alta con toda la parte de Ávalon, todo lo posterior sea peor, pero no es normal que descienda tan estrepitosamente. La cuestión es que, desde el momento en que los héroes parten de la isla en esa barca, cuando cierto personaje menciona la frase más famosa de la serie "Ávalon no te envía donde quieres ir. Ávalon te envía donde debes estar", los capítulos tienen un cambio radical en su estructura: a diferencia de los bloques de capítulos, y de los episodios sueltos con cierta relación con el anterior, aquí comienza una retahíla infumable de episodios aislados, inconexos y aburridos, en el que siempre tenemos a los mismos personajes protagonistas, en el que las tramas se inician y se resuelven en el mismo capítulo, sin ningún criterio. Al principio puede estar bien, pero son tan insulsos y tan sosos que cuando uno lleva vistos 20, ya no se acuerda de lo que ocurría en los primeros. Tampoco es que importe mucho, porque si no ves un capítulo no pierdes el hilo de la trama, pero llega a resultar lioso y tedioso, además de que no aportan nada a la trama principal ni a la posterior. Al final de la temporada, con el regreso a Nueva York, los capítulos se enderezan y la trama vuelve a las andadas, resurgiendo el interés. Aun así, esta segunda temporada de "Gargoyles" es una muestra de que los de la Disney querían prolongar más y más la serie para sacar más personajes y vender más muñequitos. ¿Os he contado ya que tenía un Goliath de fuego? Creo que sí, pero es que molaba tanto...

Temporada 3: capítulos del 66 al 78

Al final de la 2ª temporada, las gárgolas desaparecidas vuelven a casa, pero ocurren una serie de circunstancias que hacen que se descubran ante la sociedad. Ahora Nueva York sabe que en su ciudad habitan unos monstruos terribles y crece el odio ante ellos, con lo que nuestros amigos deben demostrar a la población mundial que no tienen malas intenciones, al mismo tiempo que intentan no ser aniquilados por grupos políticos populares. Deberán defenderse de las personas a las que protegen, situación que ya habían vivido 1000 años atrás. Bajo esa premisa se desarrolla toda la tercera y última temporada de esta fabulosa serie. Como cambio sustancial con respecto a las otras dos, siempre, al inicio de cada capítulo y después de los créditos, Goliath reflexiona en voz en off sobre un tema concreto, que es el tema que se desarrolla en el capítulo en cuestión. Eso hizo que a esta tercera temporada se la conociera popularmente con el sobrenombre de "Las crónicas de Goliath". La estructura de los capítulos es similar a la segunda parte de la segunda temporada, con episodios sueltos que se resuelven en ese mismo capítulo. Pero al tener un tema común en toda la temporada (demostrar que no son malos), se puede decir que temáticamente están relacionados, aunque argumentalmente no lo estén. Además, supone el regreso de personajes que no habíamos sabido de ellos durante casi 50 capítulos, como son Bronx, Brookling, Lexington y demás, e incluso hay aparición, en forma de cameos, de antiguos personajes de la serie que fueron de vital importancia en la primera temporada, como son Démona o Macbeth, así como el amigo ciego de Hudson, el cual, en compañía de la gárgola más longeva, protagonizan los mejores y más emotivos capítulos de toda la serie. Así que se puede decir que esta tercera temporada, aunque no alcanza los niveles de perfección y de calidad que las dos primeras temporadas, ayuda a paliar los daños que la parte posterior a Ávalon había efectuado, creando una conclusión de la serie más que digno, viendo en lo que se había convertido.

En definitiva, una serie grandiosa, mítica y mitológica, que llegó a ser la serie de animación más exitosa de la compañía del ratón Mickey. De hecho, su impronta continúa hoy en día por medio de cómics y las numerosas historias alternativas de fandoms repartidos por los cinco continentes, o los 6, si algún residente del Polo Sur le mola la serie. Incluso la propia productora eligió "Gargoyles" como la primera serie de animación que iban a editar en DVD. También existió una película, lo sé porque la he visto, aunque no eran más que los cinco primeros episodios de la serie (el bloque titulado "El nuevo despertar") todos juntos y con mejor animación. Una de mis series favoritas que marcó mi adolescencia y la de muchos jóvenes en el mundo entero y totalmente imprescindible para los amantes de la fantasía, la ciencia ficción y los superhéroes.

Ganadores Globos de Oro 2011

2011-01-17T19:04:00.005+01:00

Anoche se entregaron los Globos de Oro que premian al mejor cine anglosajón del 2010. La mayor sorpresa por mi parte es la serenidad y la cordura de esta edición, cuyos premiados siguen la estela marcada por el resto de premios cinematográficos de la temporada. Vamos, que el año pasado obviaron a "En tierra hostil", filme que se hizo con todos los galardones cinematográficos del año, premiando a "Avatar". Ahora parece que se han calmado y no sólo han elegido a la que está arrastando en el resto de entregas de premios, sino que en verdad es una de las mejores películas del año.

En efecto, "La red social", la sorprendente película de David Fincher sobre la que muchos creíamos que iba a salir una chorrada se ha hecho con cuatro premios del gremio de corresponsales de prensa extranjera de Hollywood: mejor película dramática, mejor director, mejor guión y mejor banda sonora. En el resto de apartados fílmicos, "The kids are all right" ha ganado el Globo de Oro a la mejor comedia. No sé qué tal será, pero con tal de no ganar The Tourist, Alicia o Burlesque, me conformo con ella. Además, "Toy Story 3" es la mejor película de animación y la danesa "In a better world" la mejor pelícuula de habla no inglesa.

En lo que a intérpretes se refiere, pues lo lógico: Colin Firth actor en drama, Natalie Portman (al fin), actriz en drama; Paul Giamatty actor en comedia, Annette Bening actriz en comedia y Christian Bale y Melissa Leo ambos mejores intérpretes secundarios por "The fighter". Sobre las series nada más de decir, más que nada porque no me interesa demasiado porque no sigo ninguna. Cuando se estrene "Juego de tronos" me tendréis como un enfermo a ver si cae alguna nominación. Eso sí, por supuesto, os dejo el enlace a la página oficial de la HFPA con la lista completa. Pasad un buen día.

GLOBOS DE ORO 2010

Ganadores (en negrita)

Mejor película dramática

La red social

Origen

El discurso del rey

The fighter

Cisne negro

Mejor película cómica o musical

Alicia en el país de las maravillas

Burlesque

The kids are all right

Red

The tourist

Mejor director

Christopher Nolan (Origen)

David Fincher (La red social)

Darren Aronofsky (Cisne negro)

Tom Hooper (El discurso del rey)

David O. Russell (The fighter)

Mejor guión

127 horas

Origen

El discurso del rey

La red social

The kids are all right

Mejor actor en drama

Jesse Eisemberg (La red social)

Collin Firth (El discurso del rey)

James Franco (127 horas)

Mark Wahlberg (The fighter)

Ryan Gosling (Blue valantine)

Mejor actriz en drama

Halle Berry (Frankie and Alice)

Nicole Kidman (Rabbit Hole)

Jennifer Lawrence (Winter's bone)

Natalie Portman (Cisne negro)

Michelle Williams (Blue valantine)

Mejor actor en comedia o musical

Johnny Depp (Alicia en el país de las maravillas)

Johnny Depp (The tourist)

Paul Giamatty (Barney's version)

Jake Gyllenhaal (Amor y otras drogas)

Kevin Spacey (Casino Jack)

Mejor actriz en comedia o musical

Annette Bening (The kids are all right)

Julianne Moore (The kids are all right)

Anne Hathaway (Amor y otras drogas)

Angelina Jolie (The tourist)

Emma Stone (Rumores y mentiras)

Mejor actor secundario

Christian Bale (The fighter)

Michael Douglas (El dinero nunca muere)

Andrew Garfield (La red social)

Jeremy Renner (The town)

Geoffrey Rush (El discurso del rey)

Mejor actriz secundaria

Amy Adams (The fighter)

Helena Bonham Carter (El discurso del rey)

Mila Kunis (Cisne negro)

Melissa Leo (The fighter)

Jacki Weaver (Animal kingdom)

Mejor película de animación

Toy Story 3

Cómo entrenar a tu dragón

Gru, mi villano favorito

El ilusionista

Enredados

Mejor película de habla no inglesa

Biútiful (México)

El concierto (Francia)

The edge (Rusia)

Yo soy el amor (Italia)

In a better world (Dinamarca)

Mejor banda sonora

El discurso del rey

Origen

Alicia en el país de las maravillas

La red social

127 horas

Mejor canción

"Bound to you" (Burlesque)

"You haven't see the last of me" (Burlesque)

"Comming home" (Country Strong)

"I see the light" (Enredados)

"There is a place of us" (Las crónicas de Narnia: la travesía del Crucero del Alba)

Woody Alice

2010-12-30T01:56:00.000+01:00

ALICE

Título original: Alice

Año: 1990
País: EEUU

Duración: 100 min
Director: Woody Allen
Guión: Woody Allen

Fotografía: Carlo Di Palma
Música: Varios (Woody's Cocktail)

Reparto: Mia Farrow, William Hurt, Alec Baldwin, Caroline Aaron, Blythe Danner, Judy Davis, Joe Mantegna, Bernadette Peters, Cybill Shepherd, Patrick O'Neal, Lisa Marie
Commpañía: Orion/Columbia

Mi puntuación filmaffinity: 8
Puntuación filmaffinity: 6,8

Estaba yo empezando a ver esta película cuando he caído en la cuenta de que aún no tenemos ninguna crítica de Woody Allen en Ni media palabra. Con humildad, pues, me animo a romper el hielo con una de sus películas no tan conocidas: Alice.

En cierto sentido Alice es Woody Allen en estado puro. Entre drama y comedia (quizás más bien esto último), tiene toques delirantes, casi absurdos, gags de humor terriblemente brillante y ácido. Todo esto como sin que nos demos cuenta de que la película, en realidad, trata de temas profundos, muy serios. En definitiva, de cómo pasar un buen rato a la vez que podemos reflexionar sobre quiénes somos y qué es lo que hacemos con nuestras vidas.

Woody Allen trata de los asuntos más íntimos, de lo más profundo y sutil de las relaciones humanas, pero de una forma en que las mayores tragedias pierden trascendencia, como queriendo decir "ey, no importa a dónde hayas llegado, la vida sigue: disfruta". De forma algo más explícita este mensaje está presente en muchas de sus películas, como la reciente e hilarante Si la cosa funciona.

Pero cómo hablar de Woody Allen sin mencionar el aspecto sonoro. Como de costumbre, toda la película es un auténtico espectáculo del mejor jazz, combinado sabiamente con chispas de música clásica. No en vano el propio Allen es clarinetista semi-profesional.

Mención especial al Doctor Yang y su clínica.

En definitiva, una delicia. Quizás no sea uno de sus trabajos más sesudos o académicos, ni tampoco una de sus comedias más declaradamente disparatadas, por no mencionar que el genial Allen no actúa en esta ocasión (y, sin embargo, es una de las pocas veces en que no lo he echado en falta... hasta ahora mismo no había caído en ello), pero encuentro el conjunto de lo más convincente, toda una muestra de buen cine. Y es que resulta increíble el número de grandes películas que acumula el director quien, a mi juicio, es de lejos uno de los mejores directores de todos los tiempos. En fin, esta u otra, no pierdan tiempo en explorar la increíble obra de Woody Allen, todo un regalo.

Aceitunas y motocicletas revisited

2010-12-28T16:16:00.009+01:00

Ya que estamos en modo retrospecter, voy a ver si reescribo alguna de mis primeras críticas, que ya las vengo encontrando en el límite de la vergüenza agena. Empezaré por ésta, de las primeras 4 películas de anime que vi, ahora con un poco más de experiencia en el campo. Como son 4 películas y además no todas las he vuelto a ver recientemente, me limitaré a una breve reseña personal de cada una.

Gake no Ue no Ponyo
(Ponyo en el acantilado)

Año: 2008

País: Japón
Duración: 100 min.
Director: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki
Música: Joe Hisaishi, Naoya Fujimaki
Productor: Studio Ghibli

Mi puntuación filmaffinity: 8

Puntuación filmaffinity (28/12/10): 7,4

Ponyo me parece, ante todo, una película muy bonita. Quiero decir desde el punto de vista estético; es un verdadero placer para los sentidos, por sus colores plenos o su magnífica banda sonora. El dibujo muestra una enorme evolución desde los primeros trabajos del estudio, culminando en escenas tan absolutamente increíbles como la de las olas... en fin, una de las mejores películas de anime en este sentido, sin duda, ¡y totalmente dibujada a mano!

La película está contada a medio camino de lo simple, lo costumbrista y lo épico, con escenas que parecen una coreografía operística.

Quizás no sea del gusto de todos, pero una recomendación segura aún con todo.

Byosoku Go Senchimetoru

(5cm por segundo)

Año: 2007

País: Japón
Duración: 63 min.

Director: Makoto Shinkai
Guión: Makoto Shinkai
Música: Tenmon
Productor: CoMiz Wave

Mi puntuación filmaffinity: 6

Puntuación filmaffinity (28/12/10): 7,1

Sobre esta película cabe encontrar las más exaltadas críticas en internet, ¿merecidas? A mi juicio solo en una pequeña parte. Y es que es una película eminentemente EMO, es decir, moñas hasta casi el ridículo y sensiblera a tope. Pero, claro, también a veces es bonita, de hecho, algunas escenas hasta me parecen bastante buenas, como el viaje en tren de la primera parte (la película está dividida en 3 historias). En definitiva, es una opción para una noche de lluvia, pero debe utilizarse con precaución.

Sen to Chihiro no kamikakushi

(El viaje de Chihiro)

Año: 2001

País: Japón
Duración: 124 min.
Director: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki
Música: Joe Hisaishi
Productor: Studio Ghibli/Tokuma Shoten/Dentsu/Walt Disney Pictures

Mi puntuación filmaffinity: 8

Puntuación filmaffinity (28/12/10): 8,1

Premios: Berlín 2002: Oso de Oro Mejor Película (ex aequo con Bloody Sunday), Oscar 2002 mejor película de animación.

He visto 2 veces el Viaje de Chihiro, y pronto he de verla una tercera. Lo que, de momento, me ha quedado claro, es que no es una película nada fácil para un observador occidental, estando tan absolutamente embebida en la cultura japonesa como está. Esto quiere decir que, en realidad, no es ni tan imaginativa ni tan absurda como pueda parecer al espectador no experto. Si en un momento dado aparecen unas figuritas de papel atacando a un dragón, en realidad esto tiene bastante sentido dentro de su cultura.

Aún con todo creo que es una de mis favoritas, en especial por el principio del filme, de una fuerza sobrecogedora y con un par de escenas de matrícula -en especial la caída de la noche y el descenso de las escaleras. Una vez que la trama parece estabilizarse es cuando, de hecho, comienza a ser un tanto inmanejable para el no experto. Sin embargo se mantiene siempre visualmente muy atractiva, y guarda joyas hasta el final -como el viaje en tren- que harán que merezca la pena el esfuerzo.

Como nota a parte, a veces me da la impresión de que con el Oscar que recibió esta película en parte estaban premiando la impresionante La Princesa Mononoke del año anterior.

Perfect Blue

Año: 1998

País: Japón
Duración: 81 min.
Director: Satoshi Kon
Guión: Sadayuki Murai (Novela: Yoshikazu Takeuchi)
Música: Masahiro Ikumi
Productor: Rex Entertainment

Mi puntuación filmaffinity: 7

Puntuación filmaffinity (28/12/10): 7,2

Esta película se desmarca desde el principio de las anteriores en todos los sentidos. Para empezar porque es una película de suspense, para seguir porque está dirigida a un público exclusivamente adulto y porque artísticamente se busca un enfoque nuevo (algunos lo llaman post-anime). Nos encontramos con una película con personas de ojos rasgados, con silencios, inquietudes, miedos. No quierod decir mucho de la película, tan solo recomendarla encarecidamente a los amantes del suspense que no les importe descubrir algo nuevo.

Miyazaki en estado puro

2010-12-26T10:00:00.004+01:00

EL CASTILLO EN EL CIELO

Título original: Tenku no shiro Rapyuta

Año: 1986

País: Japón

Duración: 119 min.

Director: Hayao Miyazaki

Guión: Hayao Miyazaki

Música: Joe Hisaishi

Montaje: H. Miyazaki, Y. Kasahara y T. Seyama

Productor: Isao Takahata

Compañía: Studio Ghibli

Intérpretes: (Voces V.O.) Mayumi Tanaka, Keiko Yokozawa, Kotoe Hatsui, Minori Terada, Fujio Tokita, Jim Cummings et al.

Pazu es un niño huérfano que trabaja en una mina de plata de un pequeño pueblo europeo. Una noche ve caer levitando del cielo a una joven muchacha que posee un misterioso colgante. Al día siguiente, Pazu descubre que Sheta, que así se llama la chica, está siendo perseguida por unos piratas y también por el ejército, a causa de su medallón mágico. Al parecer, la joya tiene relación con Laputa, un legendario castillo flotante, narrado en "Los viajes de Gulliver", y fotografiado por el difunto padre de Pazu. Juntos se verán envueltos en una apasionante aventura en busca del fabuloso castillo, lleno de riquezas y de un poder devastador.

Tras su primer trabajo para Studio Ghibli (su segundo como director), Miyazaki se puso a trabajar en su siguiente película, una gran aventura titulada "El castillo en el cielo" (¿qué le ha dado a este tipo con los castillos?). Como suele ser habitual con las películas de director nipón aquí en España, ha sido manipulada para contentar a más público. En este caso, la copia que tenía yo de este filme anteriormente era una versión redoblada, en la que el nombre del castillo se llamaba Lapuntu. ¿Por qué? Pues porque en una película infantil, la palabra Laputa tiene ciertas connotaciones inapropiadas para gente de su edad. En realidad es cierto, pues a pesar de que ya no soy un niño, ver a Sheta mirar fijamente una fotografía con cara de asombro y decir "Laputa" me provocaba una incontenible carcajada por lo absurdo del suceso. Frases como estas las hay a lo largo del metraje, produciendo al menos, una leve sonrisita en el espectador. Pero no confundir el nombre de esa isla flotante con la afirmación malsonante "¡La puta!", que fue lo que exclamé al darme cuenta que "El castillo en el cielo", en mi segundo visionado, era una película muy distinta a la que vi hace muchos años, una película espectacular.

En la anterior crítica de Nausicaä afirmé que a la película le faltaba algo, quizá condicionado por la poca inspiración de Hisaishi con la banda sonora y la aún escasa, aunque superdotada, experiencia de Miyazaki en lo que a ritmo global de la cinta se refería. Pues en "El castillo en el cielo" ese problema está más que resuelto. El inicio de la película, cómo no, con una escena de acción, demuestra, una vez más, que Miyazaki se mueve como pez en el agua en las escenas de acción, pero se nota una mejoría de estilo en la narración, con cortes bruscos de la música (cuando los guardaespaldas de Sheta disparan a los piratas, al inicio del filme) o la interrupción de las escenas en los momentos álgidos (cuando Sheta le va a dar un botellazo al malo de turno), dignas de una película de acción real y todas ellas durante el primer bloque del abordaje del Goliath.

Tras esto vienen los hermosísimos títulos de crédito y es cuando nos damos cuenta de que lo que vamos a ver va a ser muy distinto a Nausicaä. La melodía principal del filme, que escuchamos durante los créditos y que podéis escuchar en el vídeo de arriba, es una auténtica maravilla, únicamente comparable a los títulos iniciales de Ponyo. No podemos hacer otra cosa que meternos en la película hasta el tuétano y gozar con su banda sonora, que sin ser la mejor, es absolutamente maravillosa. La conjunción de imágenes y música, algo que a mi juicio faltaba en Nausicaä, aquí se produce por primera vez, dando lugar a esos momentos mágicos que tienen todos los filmes de Miyazaki. Su máximo exponente, en este caso, es la famosa escena de la trompeta, que te pone literalmente el vello de punta.

Esa comunidad director/compositor hace que la película cambie de momentos de acción absolutamente frenéticos (la escena de la persecución en el tren, que dura 9 minutos hasta llegar a la mina) a momentos de calma, donde Hisaishi se encarga de no aburrir y emocionar con su música, especialmente en los momentos más dramáticos. Se nota que ambos disfrutaron de lo lindo realizándola.

La descomunal música y los "momentos Miyazaki" no son los únicos temas recurrentes del director que aparecen en esta película, pues son multitud de ellos los que se pueden ver, haciendo de "El castillo en el cielo" un gran ejemplo para enumerar sus tópicos. En primer lugar está la reconstrucción del pueblo de Pazu. Miyazaki siempre se inspira en pueblos y ciudades europeas para situar sus filmes. En esta ocasión parece una pequeña ciudad mediterranea, llena de acantilados y paisajes erosionados debido a la minería. Este es otro tema que suele destacar en sus filmes. Su amor por la naturaleza hace que la geología, y en especial la paleontología, sea un tema muy repetido en sus películas, haciéndolo de forma más explícita en "Ponyo en el acantilado". En "El castillo en el cielo" se hace alusión a las rocas y los minerales, centrado más en lo que a minería se refiere, aunque la recreación de los mineros no es muy fiable que digamos.

El situar la acción en un pueblo minero también es un ejemplo de otro de los recursos narrativos de Miyazaki en sus películas: iniciar la aventura en las profundidades, para culminar en las alturas, como símbolo de liberación. Y al desarrollarse casi toda en el aire, el director japonés disfruta como loco con las escenas de aviación, creando naves imposibles, haciéndolas volar como él quiere, con unos movimientos ágiles y maravillosos. Ahí está su gusto por la aviación.

Con todo, "El castillo en el cielo" es una película mucho más grande de lo que parece a simple vista. Pionera en lo que a temas recurrentes de Miyazaki se refiere, donde podemos enumerar montones de ellos, se puede ver además una gran mejora en el ritmo y en la narración, apoyándose en la música tanto para las escenas de acción como las relajadas. Esta tercera película se puede considerar casi como una rareza, o quizá como una gran olvidada, pues todavía Studio Ghibli no era una compañía de mucho renombre y el término "Laputa", en los países hispanohablantes, era un impedimento para su distribución como cine infantil (eso y una escena en la que dos hombres se lían a puñetazos y todos les jalean). Pero "El castillo en el cielo" es una maravilla, una gozada de dos horas que se pasan en un santiamén. altamente recomendable.

PD: Atentos al homenaje a "Nausicaä del vale del viento" en forma de animalillos que aparece casi al final de la peli.

Comenzando a arrancar

2010-12-23T13:14:00.012+01:00

NAUSICAÄ DEL VALLE DEL VIENTO

Título original: Kaze no tani no Naushika
Año: 1984
País: Japón
Duración: 112 min.

Director: Hayao Miyazaki

Guión: Hayao Miyazaki, según su propio manga

Música: Joe Hisaishi
Montaje: Shoji Saka, Tomoko Kida y Naoki Kaneko
Fotografía: Hydeshi Kyonen
Productor: Isao Takahata
Compañía: Studio Ghibli/Tokuma Shoten

Intérpretes: (Voces V.O.) Sumi Shimamoto, Mahito Tsujimura, Hisako Kyôda, Gorô Naya, Ichirô Nagai, Kôhei Miyauchi, Jôji Yanami, Minoru Yada, Rihoko Yoshida et al.

En el futuro, el uso descontroado de las tecnologías ha sumido la Tierra en el caos. Los bosques fueron desapareciendo al ritmo de expansión de las grandes ciudades, hasta el punto de que la naturaleza ha estado a punto de desaparecer. Por ello, los bosques han creado una especie de esporas, venenosas para el ser humano, pero inofensivas para el resto de organismos que viven en ese ecosistema, de tal forma que las tornas se han cambiado: ahora los bosques venenosos reinan el planeta, mientras que los seres humanos sucumben y mueren por la acción de la naturaleza. El Valle del Viento es una de las pocas poblaciones que quedan sin afectar. Los vientos de la zona soplan de tal forma que las esporas nunca llegarán al valle, llevando una vida cómida sin problemas. Pero una noche, un accidente de aviación lo empeora todo: una de las poblaciones vecinas estrella su avión allí, portando un misterioso cargamento, al tiempo que intentan persuadir al Valle del Viento para que se unan a su guerra contra el bosque, pues ese cargamento es el arma definitiva para eliminarlo. En medio de ese conflicto está la princesa Nausicaä, una joven sin miedo al bosque y que posee un sexto sentido para escuchar a los seres que allí habitan. La muchacha deberá hacer todo lo posible para evitar que los hombres destruyan el bosque ni que este les destruya a ellos, abogando por una convivencia pacífica entre ambos.

Tras finalizar "El castillo de Cagliostro", Miyazaki tenía ganas de comenzar su carrera como director independiente, sin necesidad de presiones de ningún tipo. Para ello contó con su amigo Isao Takahata, con quien había colaborado en la serie "Marco" como director artístico. Decidieron poner en marcha un antiguo proyecto del propio Miyazaki, sobre unos cómics que él mismo había hecho, titulados "Nausicaä del valle del viento", convirtiéndose así en la primera película de su propia compañía: Studio Ghibli, en homenaje a uno de los motores de aviones con los que trabajó su padre.

Hay que decir que "Nausicaä del valle del viento" es una buena película, y Miyazaki es muy valiente al tratar un tema tan poco de moda por aquel entonces, como el del ecologismo. Pero a pesar de esa libertad creativa, se nota que a la película le faltan muchas cosas. Desde mi punto de vista, todo el apartado sonoro es bastante decepcionante. Los efectos de sonido son chorras y la banda sonora, salvando unos cuantos temas (el que está arriba es uno de ellos), es demasiado, digamos, "extraña", y no ayuda a meterte en la película ni a aumentar la tensión en las escenas álgidas. Hay como una especie de falta de coordinación entre director y compositor, como si esta último, aun creando un tema muy hermoso, no fuera acorde con la escena. Veo la última escena, en la que se resuelve todo y no me conmueve nada. Y luego me imagino la escena de las señales de luz en "Ponyo en el acantilado". Entre ambas hay 26 años, y una diferencia devastadora de emotividad, como si en esta primera película Miyazaki no hubiera puesto el corazón.

Así, aunque la primera hora sea realmente magnífica y al final el ritmo aumente, hacia la mitad la película decae en ritmo y se torna un tanto lenta y aburrida, y ni siquiera al final emociona. En conjunto es una buena película, pero no tiene la garra, la belleza y la magia del resto de sus filmes. Se le perdona, porque es su primera película con Ghibli y porque, viendo lo que ha creado 26 años después, estamos obligados a perdonarle todo. ¿Quién dijo que los inicios eran fáciles?

Nominaciones Globos de Oro 2010

2010-12-15T12:42:00.009+01:00

Tras una apasionante clase sobre yacimientos epitermales de oro, llego a casa y me encuentro con que han hecho públicas las nominaciones a los Globos de Oro correspondientes a este año, pero que se entregarán en enero de 2011. La principal novedad es el dominio de una película que no estaba entre las favoritas pero que lleva sonando desde hace bastante tiempo. Se trata de "El discurso del rey" ("The king's speech", cuya mejor traducción, según la película, sería "El habla del rey") un drama que se centra en la vida del rey Jorge VI de Inglaterra, que ascendió al trono tras la abdicación de su hermano Eduardo VIII, y sus dificultades para comunicarse, pues era tartamudo. El filme, interpretado por Colin Firth, Helena Bonham Carter y Geoffrey Rush (otra vez, el importante papel de los actores en unos premios), se ha alzado con 7 nominaciones, entre ellos el de mejor película dramática, mejor director, mejor guión, mejor actor principal y mejores actriz y actor secundario.

La sigue muy de cerca "La red social", una de las favoritas, y "The fighter", que no es la película de Darren Aronofsky con Mikey Rurke, pero podría serlo, pues es un calco de todas esas películas de luchadores y boxeadores tipo Rocky. Hablando de Aronofsky, su película "El cisne negro" se cuela también entre las más nominadas, con 4 candidaturas, junto con "Origen", para quien esto suscribe, la mejor película del año rivalizando con "Toy Story 3". Es curioso que esta película sólo tenga una nominación (mejor película de animación), viendo los cinco pésimos filmes elegidos como mejor película de comedia o musical. ¿"Alicia en el país de las maravillas"? Si Billy Wilder levantara la cabeza...

Y siguiendo con la de Tim Burton, es curioso que uno de los intérpretes de esa peli, Johnny Depp, esté nominado como actor principal en comedia o musical por dos películas distintas, cuando ninguna de ellas obtuvo buenas críticas: "The tourist", que ni siquiera es una comedia, y "Alicia en el país de las maravillas", que ni siquiera es actor principal. Una vez más, se demuestra el dudoso criterio de los que entregan estos premios.

Viendo las nominaciones a las películas, tanto en drama como en comedia, el mayor duelo está entre las películas de animación, que aunque "Toy Story 3" sea la gran favorita y la segura ganadora, no olvidemos "Cómo entrenar a tu dragón", película que no he visto pero que según el público, la crítica y los expertos (lidera las nominaciones en los premios Annie de este año) merece muchísimo la pena. Y ahora, sin más, los nominados en lo que al cine respecta. Para ver los premios a la televisión, pinchad aquí).

GLOBOS DE ORO 2010

Nominados

Mejor película dramática

La red social

Origen

El discurso del rey

The fighter

Cisne negro

Mejor película cómica o musical

Alicia en el país de las maravillas

Burlesque

The kids are all right

Red

The tourist

Mejor director

Christopher Nolan (Origen)

David Fincher (La red social)

Darren Aronofsky (Cisne negro)

Tom Hooper (El discurso del rey)

David O. Russell (The fighter)

Mejor guión

127 horas

Origen

El discurso del rey

La red social

The kids are all right

Mejor actor en drama

Jesse Eisemberg (La red social)

Collin Firth (El discurso del rey)

James Franco (127 horas)

Mark Wahlberg (The fighter)

Ryan Gosling (Blue valantine)

Mejor actriz en drama

Halle Berry (Frankie and Alice)

Nicole Kidman (Rabbit Hole)

Jennifer Lawrence (Winter's bone)

Natalie Portman (Cisne negro)

Michelle Williams (Blue valantine)

Mejor actor en comedia o musical

Johnny Depp (Alicia en el país de las maravillas)

Johnny Depp (The tourist)

Paul Giamatty (Barney's version)

Jake Gyllenhaal (Amor y otras drogas)

Kevin Spacey (Casino Jack)

Mejor actriz en comedia o musical

Annette Bening (The kids are all right)

Julianne Moore (The kids are all right)

Anne Hathaway (Amor y otras drogas)

Angelina Jolie (The tourist)

Emma Stone (Rumores y mentiras)

Mejor actor secundario

Christian Bale (The fighter)

Michael Douglas (El dinero nunca muere)

Andrew Garfield (La red social)

Jeremy Renner (The town)

Geoffrey Rush (El discurso del rey)

Mejor actriz secundaria

Amy Adams (The fighter)

Helena Bonham Carter (El discurso del rey)

Mila Kunis (Cisne negro)

Melissa Leo (The fighter)

Jacki Weaver (Animal kingdom)

Mejor película de animación

Toy Story 3

Cómo entrenar a tu dragón

Gru, mi villano favorito

El ilusionista

Enredados

Mejor película de habla no inglesa

Biútiful (México)

El concierto (Francia)

The edge (Rusia)

Yo soy el amor (Italia)

In a better world (Dinamarca)

Mejor banda sonora

El discurso del rey

Origen

Alicia en el país de las maravillas

La red social

127 horas

Mejor canción

"Bound to you" (Burlesque)

"You haven't see the last of me" (Burlesque)

"Comming home" (Country Strong)

"I see the light" (Enredados)

"There is a place of us" (Las crónicas de Narnia: la travesía del Crucero del Alba)

PD: Para ver cómo va el resto de premios de cine (ya se han entregado los NBR y los de la crítica de algunos estados de USA, así como las nominaciones de los Critic Choice), podéis pinchar en esta página, Oscarzine, donde te vienen distintas clasificaciones según la importancia de los premios y el número de nominaciones.

Un ladrón de guante blanco

2010-11-27T12:07:00.006+01:00

LUPIN III: EL CASTILLO DE CAGLIOSTRO

Título original: Rupan sensei: Kariosutoro no shiro

Año: 1979

País: Japón

Duración: 105 min.

Director: Hayao Miyazaki

Guión: Hayao Miyazaki y Haruya Yamazaki, según los cómics escritos por Monkey Punch

Música: Yuji Ono

Montaje: Masatoshi Tsurubuchi

Fotografía: Hirokata Takahashi

Productor: Tetsuo Katayama

Compañía: Tokyo Movie Shinsha

Intérpretes: (Voces V.O.): Yasuo Yamada, Eiko Masuyama, Kiyoshi Kobayashi, Makio Inoue, Goro Naya, Sumi Shimamoto, Taro Ishida et al.

Los ladrones más buscados del mundo, Arsene Lupin y su colega Daisuke Jigen, acaban de asaltar un casino, pero al poco tiempo descubren asombrados que el dinero es falso y su calidad es tan grande que han podido engañar hasta un casino entero. Deseando hacer fortuna con las máquinas falsificadoras, Lupin y Daisuke siguen la pista de los billetes, conduciéndoles hasta Cagliostro, un minúsculo estado en alguna zona de Italia, el cual está gobernado por el malvado conde de Cagliostro. Pero Lupin no ha llegado a ese lugar sólo para hacerse con el botín, pues parece ser que el ladrón ya conocía el lugar desde algunos años atrás.

En 1967 apareció un cómic llamado Lupin III, que alcanzó un gran éxito, de forma que la compañía Toei decidió años después hacer una adaptación para la televisión japonesa. Para ello se contó con muchos especialistas, entre los que se encontraba un joven Hayao Miyazaki, un arquitecto que pasó a ser dibujante de la compañía pocos años atrás. La serie también fue un éxito y propició una secuela (que recuerdo yo devorada) y como todas las series de éxito, se realizaron largometrajes sobre ellas, siendo dirigidas por algunos de los realizadores que habían trabajado en la serie. Tras varias películas sobre el personaje, en 1979 le tocó el turno a Miyazaki, con "El castillo de Cagliostro", siendo este su primer largometraje. Así se iniciaba una carrera deslumbrante que marcaría la historia del cine durante los próximos 40 años.

"El castillo de Cagliostro" fue la primera película como director de Hayao Miyazaki. Anteriormente ya había colaborado en series, como "Marco", donde ejerció de director artístico, y en "Sherlock Holmes", en la que trabajó como director, así que experiencia no le faltaba. Pero siempre, el salto de la pequeña pantalla a la grande es difícil, pues no es lo mismo mantener el ritmo y la tensión durante media hora que durante hora y media. Sin embargo, Miyazaki demostró con su primer largometraje que eso lo tenía controlado.

Esta película era más un encargo que otra cosa, por lo que Miyazaki no pudo desplegar todo su potencial imaginativo. Tuvo que ceñirse a la historia y los personajes ya creados, con lo que en lugar de una fantasía deslumbrante tenemos una genial película de intriga y aventuras, en la que navega con soltura entre las escenas de acción y drama. Ya en el inicio se nota que sabía lo que hacía. Con un montaje brillante y una animación sensacional, el director japonés nos brinda la que, según muchos afirman, es la mejor persecución en automóvil de la historia del cine de animación. Pero también en las escenas relajadas Miyazaki demuestra su maestría, tanto con la elegante animación como con los fabulosos diálogos de los personajes. Es magnífica la escena en la que Lupin se presenta en los aposentos de la princesa y le dice ser su héroe, llena de elegancia y con un toque de humor que no desentona con el dramatismo de las escenas.

A pesar de ser la primera película, y de no ser más que un empleado de la Toei Animation, se notan en la película atisbos de los recursos estilísticos que Miyazaki abordaría de forma continua en el resto de sus largometrajes. Las escenas en las que muestra los verdes prados de Cagliostro, la historia del jardín abandonado, e incluso el descubrimiento del tesoro al final del filme, son muestras de la importancia que da Miyazaki del hombre y la naturaleza. También algunos personajes, como Fujiko, ladrona y amante de Lupin, representan ese personaje de fuerte carácter que tienen todas sus películas. Pero la película también tiene sus defectos, como algún tramo en la que se hace todo demasiado lento y aburrido. También se nota que la película, con ese guión y esos personajes, podía haber dado más de sí, sobre todo en las escenas más emocionantes, en las cuales, con un poco más de experiencia, Miyazaki habría alcanzado la excelencia y convertido la película en algo grandioso. Es como si el director japones no hubiera terminado de explotar del todo, como si le faltara algo. Pero esto es comprensible en una película que más que un proyecto propio parecía una película de encargo.

Aun así, Miyazaki logra con "El castillo de Cagliostro" una divertida película en la que hay cabida acción, aventura, drama, y mucho humor, todo en menos de dos horas de metraje, plenamente disfrutables. Posteriormente Miyazaki creó su propia compañía, Studio Ghibli, junto con su amigo Isao Takahata, donde terminaría de explotar todo su potencial. Se puede decir que esta película fue el inicio de una larga y laureada carrera en el cine.

Ciclo Hayao Miyazaki

2010-11-17T10:34:00.010+01:00

El próximo miércoles, 24 de noviembre, sale a la venta el último DVD de la colección Studio Ghibli que la compañía Aurum empezó hace casi un año, con motivo del lanzamiento de "Ponyo en el acantilado". Es una colección en la que han editado los más estimables títulos de la famosa compañía de animación japonesa, ente los que se encuentran las joyas de la corona: la edición de todas las películas que Hayao Miyazaki ha realizado con esta compañía. Hay un dato muy curioso, y es que, a pesar de ser 9 las colaboraciones del director nipón con la compañía de animación, tan sólo 8 están editadas en DVD. El por qué está bien claro: "El viaje de Chihiro", el film que le valió todos los reconocimiento habidos y por haber, estaba editada por otras compañías, Vértigo y Jonu media entre otras, y nunca ha dejado de editarse en DVD. De hecho, si veis el vídeo de arriba, que es el trailer promocional de la colección Studi GHibli que aparece en todos los DVDs (con el precioso tema "Mother of the sea" de "Ponyo en el acantilado"), comprobaréis que esta cinta no aparece.

Sin embargo, Miyazaki no comenzó con Studio Ghibli, pues anteriormente realizó otra película "Lupin III: el castillo de Cagliostro", que está dirigida por él pero que no pertenece a la compañía (todavía no había sido creada). Así que en total suman 10 las películas del director japonés, a falta de estrenarse "Porco Rosso: the last sortie", la segunda parte de las aventuras del cerdo aviador, desarrollada durante la guerra civil española.

¿Y por qué suelto todo este royo? Pues porque, como fiel seguidor de este gran director, y como buen motivo para vérmelas todas otra vez (las compré y las dejé abandonadas), he decidido realizar una serie sobre este gran cineasta, verdadero exponente del cine de calidad y uno de los pocos realizadores, junto con Clint Eastwood, Christopher Nolan, David Fincher y Martin Scorsese, cuyo nombre es actualmente sinónimo de cine de calidad. Sus películas, dotadas de una elegancia y tradicionalidad casi inauditas, compiten seriamente con la nueva oleada de películas de animación por ordenador que parece arrasar en los cines. Pero no sólo es su tradicionalidad lo que le hace un grande, sino que hay una serie de factores que le hacen ser, además, un director de culto, un autor, con unos temas recurrentes que nunca faltan en sus películas:

Amor por la naturaleza.

Décadas antes de que se iniciara esta moda sobre el ecologismo, Miyazaki ya hablaba sobre la relación del hombre con la naturaleza. Tema recurrente en la mayoría de sus películas, su fantasía, alejada de los tradicionales dragones, elfos o enanos, se centra en esa relación entre ser humano y naturaleza, como si fuera algo que nunca vaya a producirse. En algunas películas, como "Mi vecino Totoro", su última "Ponyo en el acantilado", su primera con el estudio "Naussica del valle del viento", pasando por su primera obra maestra "La princesa Mononoke", este es el tema principal. En otras, simplemente, la historia se desarrolla en el campo o en el bosque o algunos personajes viven alejados de la ciudad, siendo la naturaleza sinónimo de relajación, paz y tranquilidad.

Fuertes personajes femeninos

Durante su infancia, la madre de Miyazaki enfermó gravemente de tuberculosis, lo que la tuvo apartada de su vida mucho tiempo. Ese periodo marcó mucho al director, hasta el punto de que en todas sus películas aparezca un personaje femenino, ya sea principal o secundario, que tiene un fuerte carácter. Ahora me acuerdo de la madre de "Ponyo en el acantilado", algunos personajes de "Niky la aprendiz de bruja, como la mujer del panadero, o la mala de "El castillo en el cielo".

Pasión por los aviones.

Cuando la familia Miyazaki se trasladó de su pueblo natal a Kasnuma, su padre montó un negocio relacionado con la aviación. Allí se encargaban de construir los timones de cola para los caza Zero durante la II Guerra Mundial. Ese contacto con los aviones marcó profundamente a Miyazaki, y así, en todas sus películas, se hace alusión al mundo de la aviación, ya sea por medio de aviones ("Porco Rosso"), de grandes dirigibles ("El castillo en el cielo"), escobas mágicas ("Niky la aprendiz de bruja") o toda serie de artilugios voladores.

Desde las profundidades.

En el curioso documental "Hayao Miyazaki y el Museo Ghibli", se hace alusión a un tema recurrente del director que demuestra su genialidad a la hora de realizar fantasía. En este género, el héroe siempre acaba sus historias entrando en las profundidades: en un castillo, en una cueva, en una guarida, para simbolizar las opresión y terror del villano de turno. Miyazaki hace todo lo contrario: sus personajes empiezan sus aventuras en las profundidades y es saliendo a la superficie cuando se sienten libres, liberación que supone para Miyazaki la madurez como individuo. Claros ejemplos de esto se muestran en "Ponyo en el acantilado" (la pececilla descubre el mundo exterior), "Mi vecino Totoro" (vive en las profundidades de un alcanforero) y, fundamentalmente, "El viaje de Chihiro".

Los "momentos Miyazaki"

Este es un término que me he inventado yo, pero que seguro todos habéis experimentado en sus películas. Me refiero a esos momentos simples, sin ningún interés aparente, que en cualquier otra película supondría una escena más, pero que en manos de Miyazaki se convierten en momentos absolutamente mágicos, inolvidables, en el que música, montaje, ritmo y animación, se unen sin saber cómo exactamente para formar algo único. Me refiero a momentos como la parada del autobús de "Mi vecino Totoro", las escenas de la niña sobre el agua, la montaña de barcos o las señales de luz en "Ponyo en el acantilado", o la parte en la que andan por el aire al principio de "El castillo ambulante". Momentos indescriptibles, a priori insulsos, que cuando las ves no sabes exactamente cuál es el motivo por el que emocionan, pero lo hacen. Esos momentos mágicos son también una seña de identidad del director, algo que cuando muera, y esperemos que suceda dentro de mucho, desaparecerá para siempre.

Seguramente haya muchos temas más, pero he decidido exponer los más claros, los más genuinos y exclusivos de su maravilloso cine, el cual me dispongo a volver a disfrutar. Lógicamente, no tendré la presión que tuve con el anterior ciclo de los Oscar, pues tenía el tiempo limitado. Espero que esto sea más holgado, pero no por ello menos intenso y constructivo. A ver qué tal sale.

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2010-10-16T11:32:00.011+02:00

LA RED SOCIAL

Título original: The social network

Año: 2010

País: EE.UU.

Duración: 120 min.

Fecha de estreno en España: 15 de octubre de 2010

Director: David Fincher

Guión: Aaron Sorkin, según el libro "The accidental billonaires", de Ben Mezrich

Música: Trent Reznor y Atticus Ross

Montaje: Kirk Baxter y Angus Wall

Fotografía: Jeff Cronenweth

Compañía: Columbia Pictures/ Relativity Media

Productores: Dana Brunetti, Ceán Chaffin, Michael de Luca y Scott Rudin

Intérpretes: Jesse Eisenberg, Justin Timberlake, Andrew Garfield, Max Minghella, Joseph Mazzello, Armie Harmer et al.

Mark Zuckerberg es un estudiante de informática en Harvard a la que una chica le da calabazas. Enfadado, decide idear como venganza un programa de internet en el que se pudiera votar lo buenas que estaban las compañeras de estudios de la universidad. La página recibió 200 visitas en dos horas, a las 4 de la mañana, con lo que la red de Harvard se saturó. Impresionados por su hazaña, los hermanos Winkelvoss, un par de estudiantes gemelos que se dedican a las regatas, deciden contar con Mark para desarrollar una gran idea: una especie de red social en el que la gente de Harvard pudiera conocer a sus compañeros. Mark acepta colaborar con ellos, pero decide trabajar él sólo en el proyecto, añadiendo cosas de su propia cosecha, para crear Facebook, una red social que a los pocos días se convirtió en un fenómeno con cientos de seguidores y grandísimas posibilidades. En ese momento, amigos y enemigos comienzan una lucha contra Zuckerberg, pues nadie sospechaba la magnitud de lo que éste había creado, ni el dinero que iba a reportar.

Debo admitir que me sorprendió mucho la noticia de que iban a hacer una película sobre Facebook. Más todavía me sorprendió que un director tan prestigioso como David Fincher, además uno de mis directores favoritos, se comprometiera con un proyecto a priori tan insulso como ese. Pero lo que más me impresionó, meses después, es que esta película sea nº 1 de crítica y público en EE.UU. y que para muchos, sea la favorita para los Oscar.

¿Cómo una peli sobre Facebook podría ser así de exitosa? Pues porque realmente no es una película sobre Facebook, sino sobre temas tan universales como la amistad, la fidelidad, la traición, el poder o la avaricia, llena de diálogos magníficos (la escena inicial, simulando varias conversaciones a la vez como en un muro de Facebook, es magistral) y actuaciones portentosas. En este aspecto destacan los tres actores principales: Jesse Eisenberg interpreta de forma muy creíble a Zuckerberg, aunque este no entró nunca en contacto con el actor y estuvo a punto de demandar a la película porque daba una imagen exagerada de su persona (se retractó al ver el éxito del filme); Andrew Garfield puede parecer el menos bueno de todos, quizá por su típico papel, pero realiza un muy buen trabajo como amigo de Zuckerberg que acaba traicionado; pero el mejor trabajo de todos, quizá porque nadie se lo esperaba, es el del cantante reciclado a intérprete de renombre Justin Timberlake, que realiza un portentoso trabajo como Sean Parker, el productor en horas bajas creador de Napster y que ve en Facebook una mina de oro para explotar. Su personaje se podría decir que directamente lo parte y no sería extraño que le nominaran al Oscar con muchísimas opciones de ganar.

Son estos dos aspectos, el guión y la actuación, lo que más destaca en "La red social", pues Fincher se deja de florituras técnicas en la mayor parte del metraje (tan sólo hace de las suyas en la fabulosa secuencia de las regatas), haciendo gala de una sobriedad que va muy acorde con la película y con un ritmo narrativo que no aburre en ningún momento y mantiene al espectador enganchado a esa historia de unos muchachos que se encuentran con algo que se les escapa a su entendimiento. Y es que "La red social" no es una película para adolescentes, que acudirán a las salas sólo porque la peli es de Facebook o para ver al señorito Timberlake sin camiseta, sino una grandísima película, posiblemente una de las mejores películas del año, aunque no la mejor de su director.

Eso sí, se pueden encontrar varios defectos en la cinta. El principal es que, al inicio, parece un tanto desconcertante. Quizá no le ocurra a los informáticos, pero para un ciudadano de a pie, escuchar durante minutos una incontenible verborrea sobre informática es un poco confuso y más cuando estamos al inicio de la cinta, cometiendo el riesgo de que el espectador no se sumerja en la trama. A eso hay que sumarle unos flashbacks, para mi gusto, mal engarzados, en el sentido en que uno no se da cuenta al principio de que son flashbacks, sino escenas que vienen a continuación. No es hasta bien avanzada la película cuando nos damos cuenta de que la narración navega del presente al pasado, contando la historia de la creación de la red social más seguida del mundo, y al mismo tiempo, intercalando escenas del posterior litigio en el que se ve envuelto Zuckerberg por los derechos de autor y privacidad individual, defectos estos que, a medida que transcurre el metraje, cuando uno ya sabe de qué va el tema, desaparecen por completo, introduciéndose fácilmente en la trama.

Así que se puede decir que "La red social" es una grandísima película, fundamentada en un portentoso guión de Aaron Sorkin y con unas interpretaciones para quitarse el sombrero. Al inicio es un poco confusa, pues uno va pensando que es una película convencional sobre un tema popular y se encuentra con densos e ingeniosos diálogos, saltos en la narración y personajes muy complejos los cuales ninguno sale bien parado, sin final feliz pero sin final triste tampoco. Un filme, en definitiva, serio y adulto. Buen cine, no un cine para adolescentes, que deja esa sensación tan grata de haber visto una buena película. Ahora la pregunta clave: ¿Es mejor que "Origen" entonces? Simplemente son películas distintas, quizá la de Nolan sea más cinematográfica, por su espectacularidad y su técnica narrativa, aspectos que le faltan a "La red social", un filme más sobrio y comedido, pero que no la convierten en una película mala o aburrida. La verdad, "La red social" merece mucho la pena en este pobre 2010 y es, sin lugar a dudas, una de las mejores películas del año.

Unos divertidos vecinos

2010-10-12T15:02:00.011+02:00

Mis vecinos los llamada

Título original: ホーホケキョとなりの山田くん
Año: 1999
País: Japón
Duración: 104 min

Director: Isao Takahata
Manga: Hisaichi Ishii
Música: Akiko Yano

Compañóa: Estudio Ghibli
Mi puntuación fimaffinity: 8
Puntuación filmaffinity: 6,8

Lo primero que uno observa de esta película es que el dibujo es muy diferente de las demás producciones Ghibli, todos los directores incluidos. Sorprendentemente, fue con el fin de conseguir el estilo acuarelado que el estudio realizó por vez primera una película íntegramente por ordenador. El resultado es muy bueno, con dibujos sencillos, que enfocan de inmediato la atención en lo más importante de cada plano. En muchas ocasiones el dibujo se difumina hacia los extremos y siempre se utilizan colores suaves. El estilo es muy ágil y expresivo, supongo que debido a la intención de hacer una adaptación más fiel de la tira cómica original.

La historia se presenta a modo de pequeños episodios cotidianos, sin mayor nexo que la propia familia Yamada, supuestamente una típica familia japonesa o acaso más bien su caricatura o la forma en que ellos se ven a sí mismos. Sea como fuere, encuentro que esta película es de lejos el anime más divertido que he visto, con momentos realmente brillantes.

Para el espectador occidental la película puede resultar en ocasiones sorprendente cuando no absolutamente aleatoria, ya que se introducen continuamente referencias al folklore y costumbres japonesas que se dan -es lógico- por sabidas... así que, en este sentido, es mejor enfocar el filme como una gran herramienta de aproximación cultural a Japón y tratar así de evitar la frustración.

Otro aspecto que me sorprendió muy positivamente fue la banda sonora, que es sencillamente maravillosa. Cierto que esto lo consigue a base de obras maestras de la música clásica -desde Bach hasta Mahler- pero no veo por qué podría criticarse esto...

Resumiendo esta breve reseña, quizás no nos encontremos ante uno de los títulos Ghibli más conocidos en España, pero para mi gusto sin duda debería serlo, ya que es una película encantadora, de bellos dibujos y muy divertida, lo que ya es decir mucho.

¿Puedes invocarlo tú?

2010-08-29T17:21:00.004+02:00

LA LLAMADA DE CTHULHU

Título original: The call of Cthulhu

Año: 2005

País: EE.UU.

Duración: 45 min.

Director: Andrew Leman

Guión: Sean Branney, según la novela homónima de H. P. Lovecraft.

Música: Chad Fifer, Ben Holbrook, Troy Sterling Nies y Nicholas Pavkovic

Montaje: David Robertson

Fotografía: David Robertson

Productores: Andrew Leman y Sean Branney

Compañía: The H. P. Lovecraft Historical Society

Intérpretes: Ramón Allen Jr., Leslie Baldwin, Daryl Ball, John Bolen, Aidan Branney et al.

Tras la muerte de un famoso profesor de la Universidad de Miskatonik, su sobrino deberá poner en orden su testamento. Investigando, el joven se topa con unos extraños documentos en los que habla de unos misterioso sucesos ocurridos a principios de siglo, relacionados con una secta demoníaca que adoraba a un diabólico dios llamado Cthulhu.

El mito de Cthulhu es de continua referencia en el mundo del frikismo universal. Ha dado pie a historias, juegos de rol o peluches (yo tengo uno ahora mismito a mi vera), conviertiéndose en todo un icono. Pero parecía que en el cine tenía una cuenta pendiente. La primera aproximación en el séptimo arte fue en la película "Monstruoso", en la que un extraño ser gigantesco ataca la ciudad de Nueva York. Aunque era más bien como una especie de araña verde gigante, se puede considerar como una traslación del mito de Cthulu a la gran pantalla. Más explícita es la aparición del dios extraterrestre en la secuela de "La herencia Valdemar", filme de terror inspirado en los relatos de Lovvecraft que fue el último trabajo interpretativo del gran actor de terror Paul Naschy. En esta película, titulada "la sombra prohibida", al parecer veremos al mismo Cthulhu de verdad, en primer plano, a lo grande, como se muestra en el trailer. Pero esto no dejan de ser apariciones, más o menos explícitas, del personaje creado por Lovecraft.

Es en 2005 cuando un grupo de frikis enfermos de Lovecraft, que se hacen llamar The H.P. Lovecraft Historical Society, deciden llevar al cine "La llamada de Cthulhu" de una vez por todas, introduciendo al famoso ser en su propio contexto. Para ello tomaron una, a mi parecer, muy acertada decisión: dirigir la película como si se tratase de un filme de los años 20, esto es, sin sonido y en blanco y negro. Así, los chicos del HPLHS se plantan una curiosísima película, que a pesar de ser de hace cinco años, pasa como un filme de los años 20, con sus rótulos, sus actores hipermaquillados e histriónicos, con sus decorados de cartón piedra... y sus muñecos de plastelina, porque sí, al final aparece Cthulhu, aunque nunca se le llegue a apreciar en su totalidad, debido a que aparece entre sombras. Eso sí, parece al King Kong o el Godzilla de antaño, de esos de slow motion que hacían con plastilina. Es decir, que el director cuida cada detalle al máximo, para recrear ese tipo de cine con todo el detalle del mundo.

La película, en sí, no es que sea demasiado entretenida aunque, afortunadamente, dura poco. El mayor atractivo se encuentra en presenciar, al fin, una adaptación más que decente de la novela en la que Lovecraft creo al dios demoníaco más famoso del mundo del frikismo, y el supuesto padre del pulpo Paul, como cuentan las malas lenguas. Un filme muy original y muy curioso, que todos los amantes del frikismo, la fantasía y el cine de terror deberían ver algún día.

PD: Aquí tenéis "La canción de Cthulhu", el ejemplo de lo que una mente enferma puede hacer en una tarde de aburrimiento. No sé que es más letal, ver al propio Cthulhu o escuchas este engendro al que llaman canción.

OBRA MAESTRA

2010-08-07T10:03:00.003+02:00

ORIGEN

Título original: Inception

Año: 2010

País: EE.UU.

Duración: 150 min.

Fecha de estreno en España: 6 de agosto de 2010

Director: Christopher Nolan

Guión: Christopher Nolan

Música: Hans Zimmer

Montaje: Lee Smith

Fotografía: Wally Pfister

Productor: Christopher Nolan

Compañía: Warner Bros./Legendary Pictures

Intérpretes: Leonardo Dicaprio, Ellen Page, Cillian Murphy, Jason Gordon-Lewitt, Marion Cotillard, Ken Watanabe, Tom Berenguer, Michael Caine, Tom Hardy et al.

Dan Cobb tiene un trabajo peculiar: entra en los sueños de la gente y les roba sus secretos. Esto le ha permitido ser contratado por magnates de todo el mundo, para hacerse con los secretos mejor guardados de sus rivales y así derrocarles. Pero ese trabajo ha hecho que Cobb no pueda regresar a casa con su familia, lo que le obliga a ser prácticamente un fugitivo trotamundos. En uno de sus trabajos debe introducirse en la mente de Saito, un magnate japonés, pero acaba fracasando. Para evitar que sea aniquilado, Saito le propone un trato, muy distinto a todo lo que había hecho antes: entrar en la mente de Robert Fisher, el heredero de la multinacional competidora de Saito, y no robarle, sino implantarle un recuerdo que haga que derroque su empresa familiar. La recompensa: que Cobb pueda volver a casa sin ningún tipo de complicaciones. A pesar de la enorme dificultad que conlleva la operación, Cobb se siente atraído por la recompensa, la cual lleva esperando años, y decide meterse en el proyecto.

Todos hemos tenido sueños alguna vez. Yo recuerdo uno muy extraño, en el que yo era C3-PO, mi hermano Mark Hamill vestido de Strom Trooper con armadura naranja, y nos secuestraban unos sith del KOTOR 1 en un Corte Inglés dedicado exclusivamente a Star Wars. Pero no dejan de ser eso, sueños, y por mucho que nos parezcan extraños, no dejan de ser eventos que vivimos y sentimos, como si de una realidad alternativa se tratase. Y es que sólo nos damos cuenta de que es un sueño cuando nos despertamos. Este tema, el de los sueños y la realidad, el de los mundos del subconsciente, es el que narra Christopher Nolan, en "Origen", su nueva obra maestra. Soy muy reticente a utilizar este término, pero en esta ocasión no se la puede calificar de otra manera.

Hay muchos tipos de películas. Las hay "de actores", también conocidas como películas corales, en las que los intérpretes llevan todo el peso de la cinta. Las hay sólo de efectos especiales. Si tenemos que clasificar "Origen" según esto, se podría decir que es una película de director y guionista. El guión, sorprendentemente sólido, es una auténtica maravilla. Nolan logra un libreto complejísimo, tremendamente difícil de escribir, pero increiblemente comprensible. No sólo es genial en el desarrollo de una idea como la del mundo de los sueños, sino en el desarrollo de los hechos y en los maravillosos diálogos. Puede que el tema del subconsciente, los sueños y las realidades alternativas ya se hayan tratado en el cine con anterioridad y de una forma mucho más ampulosa que la de Nolan. Se ha criticado mucho que la cinta sea muy lineal, muy encorsetada, tratándose del libérrimo mundo del subconsciente. Y en cierto modo así lo es. No es tan onírica como lo puede ser, por poner un ejemplo, "¡Olvídate de mí!", jugando con las imágenes y los efectos visuales. Pero es que Nolan utiliza otros métodos para hacernos creer que estamos en un sueño. Mientras otros directores juegan con las imágenes o con los sentidos, Nolan juega con el montaje, enlazando escenas sin inicio y que terminan de sopetón, al igual que un sueño lleno de episodios inconexos en el que empiezas en un rascacielos y terminas en una selva, sin saber cómo has legado allí, pero pareciéndote todo completamente normal. Este recurso es usado al inicio del filme, cuando se introduce en la mente de Saito, demostrando que Nolan conoce el medio cinematográfico como la palma de la mano.

Eso sí, mentiría si dijera que Nolan no usa las imágenes para representarnos el mundo de los sueños. Ya es famosa la escena del trailer en la que una ciudad se alza por los cielos, que en pantalla grande es absolutamente bestial. Ésta es el inicio de un pequeño bloque en el que el personaje de Ellen Page empieza a manejar lo que es la arquitectura de los sueños en un alarde de imaginación e inventiva audiovisual impresionante. Pero si hay una secuencia onírica que hará de esta una película mítica esa es, sin duda, la pelea ingrávida en el pasillo, que tan sólo un mes de su estreno en USA, ya tiene su versión LEGO y su versión fan. Muchos la comparan con "Matrix". Ya quisieran los Watchovsky dirigir con el ritmo, la elegancia y la fuerza de Chris Nolan en esta secuencia.

Todo esto, sumado a una maestría narrativa sobrenatural (ese montaje paralelo cuádruple del final, de casi media hora de duración, con el que casi mojo los pantalones) y una intensidad que te mantiene en el sillón con la boca abierta, hace de "Origen" una auténtica maravilla cinematográfica, soplo de aire fresco después de tanta copia, remake, reboot, spin of y adaptación. Un filme denso, muy muy denso, de esos en los que sales cansado del cine, con la cabeza apuntito de estallar por la cantidad de emociones que has vivido. Una película compleja, pero no difícil de entender, con un final abierto (o no) con el que toda la sala soltó una exclamación. Un filme indescriptible, que hay que ver para saber a lo que uno se enfrenta. Nunca una furgoneta cayéndose había tenido tanta tensión. Nunca una peonza nos había mantenido en vilo a tanta gente. Ahora que lo pienso, "Origen" no es perfecta. Tiene un fallo, y bastante grabe: que tarde o temprano se tiene que acabar.

Tú te lo has buscado

2010-07-22T01:19:00.004+02:00

AN EDUCATION

Título original: An educaton

Año: 2009

País: Gran Bretaña

Duración: 95 min.

Fecha de estreno en España: 26 de febrero de 2010

Director: Lone Scherfig

Guión: Nick Hornby, se´gún el lbro de memorias de Lynn Barber

Música: Paul Englishby

Montaje: Barney Pilling

Fotografía: John De Borman

Productor: Finola Dwyer y Amanda Posey

Compañía: BBC Films/Endgame Entertainment

Intérpretes: Carey Mulligan, Peter Sarsgaard, Alfred Molina, Dominic Cooper, Rosamund Pike, Emma Thompson et al.

Jenny es una muchacha de 16 años cuya máxima aspiración es llegar a estudiar en Oxford. Su padre así lo quiere, por eso se esfuerza día y noche en aprobar con la suficiente nota como para ser admitida en la prestigiosa universidad. Sin embargo, a Jenny le gustan otras cosas, como la música, el cine francés, o simplemente hacer algo diferente a lo que hace siempre, que no es otra cosa que estudiar. Una lluviosa tarde, David, un apuesto joven de unos treinta y tantos, le ofrece acompañarla a casa en el coche, pues estaba cayendo un auténtico chaparrón. Jenny acepta, pues ve en él la libertad y la alegría que le falta a su vida. Empieza a salir con él, descubre que le encanta la música, los cuadros y las fiestas, todo lo que había soñado, con lo que se entrega totalmente a él, aunque eso suponga dejar los estudios, por los que se había sacrificado duramente.

Un día escuché decir al gran Manuel Toharia una frase sumamente simple que no obstante se me quedó marcada por la veracidad de su afirmación: "No habría engañabobos si no hubiera bobos". Me vino a la cabeza una ocasión en la que mi primo, tras comprarse un cacharro de esos de los que soplas y haces burbujas de jabón, que en la misma tienda donde se lo compró vendían unas gafas para ver las pompas en 3D. Y también se me ha venido a la cabeza al ver "An education", una sensacional película la cual, viendo la historia que se narra, no es más que la historia de un engañabobos que engaña a unos cuantos bobos.

Aunque pueda parecerlo, "An education" no es una película de amores. Ni siquiera un filme de esos en los que la pareja tiene que luchar porque su amor sea comprendido. Yo creía que la chavala iba a enamorarse del menda y toda la peli iba a ser una lucha contra su padre, pero no es así. El filme trata otros temas, como la madurez, la importancia de los estudios, el daño que hace la opresión, las lecciones que te da la vida y en concreto el amor, el sacrificio, las ilusiones... en definitiva, un sinfín de temas que en un principio parece imposible que cupieran en una película de hora y media con una premisa tan simple.

Y no sólo merece la pena por los temas que trata, sino por lo bien que está escrita, dirigida e interpretada. El guión, basado en experiencias reales, está muy bien construido, con diálogos muy interesantes, así como la ambientación y demás. Las interpretaciones son, sencillamente, espectaculares. Todos los actores están inmensos, incluso los más secundarios como Emma Thompson (se come ella sola la pantalla). Pero si hay que fijarse en alguien a la hora de hablar de interpretaciones esta es, sin duda, Carey Mulligan. La joven y guapísima actriz logra recrear perfectamente, tanto en lo físico como en sus emociones, que pasan por todos los espectros posibles, a una chica de 16 años, cuando la actriz tiene realmente 24. Un auténtico prodigio.

Pero sobre todo está muy bien dirigida, no sólo porque una película tan sencilla te enganche de principio a fin, sino porque, simplemente, te engancha. Y esto lo digo porque hay ciertas escenas a lo largo de la película, que hacen del filme bastante inverosímil, como el momento de la lluvia, en la que la joven Jenny se sube al coche de un desconocido, violando así la primera regla que nos enseñan desde pequeños nuestros papás. Es una situación muy poco creíble, pero nos la creemos porque queremos disfrutar del filme. Luego hay más cosas, como que un tío al que conoces desde hace un par de días y que te duplica la edad te invite a salir y que aceptes, algo que, por muy oprimida que esté la muchacha, ninguna chavala haría. Son cosas que, en otras circunstancias, te harían salir de la película, pero misteriosamente, ya sea por la hipnótica belleza de la Mulligan o por la labor del director, hace que sigas intrigado. Intrigado, casualmente, aunque ya sepas cómo va a acabar o, por lo menos, ya sepas que algo va a pasar, pues que un tipo maduro se líe con una adolescente no es buena señal. Y al final así ocurre, aunque no diré lo que pasa exactamente.

Y siguiendo con el final, es aquí donde he sentido una de las sensaciones más extrañas a la hora de ver una película: "An education" me ha gustado, pero a la vez no me ha gustado. Esto puede parecer imposible, pero cuando uno la ve se dará cuenta de que no. Al final, como he comentado, pasa lo que tenía que pasar y al menos yo, me he alegrado de que sucediera, pues se veía a la legua. El problema es que la película no termina ahí y acaba con un final feliz, del cual me alegro porque la chavala se lo merecía, pero por otro lado me entristece, pues va en contra de los valores que se ponen de manifiesto a lo largo de toda la película y además, es un tanto conservador.

Así, "An education" se confirma como una película con un inicio inverosímil, un desarrollo que te atrapa y un final que, al menos para mí, no me parece el adecuado. Pero en conjunto conforman una película excelente, con grandísimas interpretaciones, que está por encima de la bazofia que se estrena actualmente. Muy recomendable.

Las películas que no debes perderte este verano

2010-07-19T21:18:00.018+02:00

Lo sé, lo sé. Sé que estamos a mediados de julio y no parece apropiado hablar de este tema a estas alturas, pero curiosamente aún no se han estrenado películas demasiado sugerentes, quizá conscientes las productoras de que el Mundial iba a hacer a más de uno quedarse en sus casas viendo el fútbol. Este retraso me da la oportunidad de publicar, aun bien entrado el verano, una lista de películas veraniegas que se podrán ver en breve y que son altamente recomendables. A falta de un blockbuster estilo "Transformers", se nos presentan unas cuantas películas que no serán auténticos rompedores de taquillas, pero sí ofrecen lo que esperamos: películas que nos hagan pasar un buen rato fresquitos sentados en el cine y, en algunos casos, mucho más que entretenimiento. Empezamos.

LOS MERCENARIOS Estreno 13 de agosto

Todos los que nos criamos con las películas de acción de los 80 y los 90, para los que Schwarzenegger, Stallone, Li y Willis significaban tardes gloriosas viendo películas con los colegas, lloramos al ver cómo en el cine actual apenas hay hueco para el glamur de nuestros héroes de antaño. Por eso, algún productor de EE.UU., consciente de este tema y con ganas de jugar con nuestros sentimientos, ha resucitado a nuestros ídolos y lo ha hecho de la mejor forma posible: metiendo a todos en una misma película. Mickey Rourke, Sylvester Stallone, Jet Li, Jason Statham, Bruce Willis y Arnold Schwarzenegger (¡achús!, como en el chiste), son los protagonistas de"Mercenarios", el título español de "The Expendables", película en la que veremos a los galácticos del mamporro cinematográfico (con la ausencia de van Damme, Chuck Norris y Steven Seagal eso sí) repartiendo leña como en sus mejores tiempos. Me importan una mierda el argumento, los diálogos y el director: son hostias, hostias y más hostias. ¿Alguien necesita más?

EL EQUIPO A Estreno 30 de julio

Más cerquita nos queda otra bomba de relojería para los nostálgicos. Es pensar en esta película y hacerse la boca agua. No están George Peppard ni Mr. T, pero sigue siendo el Equipo A. Y por supuesto, cuenta con actores de gran calidad, como Leam Neeson (un calco del Hannibal de la serie), Sharlto Copley (Murdock), Bradley Cooper, el guaperas de "Resacón en Las Vegas"(Faceman) y un tal Quinton Jackson (B. A. Barracus) son los protagonistas de la adaptación cinematográfica de "El equipo A". Tampoco me interesa el argumento, sé lo que me voy a esperar: tiros, puñetazos y unas cuantas explosiones de esas que te dejan los oídos. Si a eso le añadimos el cuerpo y el rostro de Jessica Biel, ya hay uno que se está gastando los cuartos para ir a verla.

TOY STORY 3 Estreno 21 de julio

En pocos días se estrena una de las joyas de la corona. La película a la que Pixar nos tiene acostumbrados cada verano. Si tienes niños y no te apetece ver la de "El equipo A" (si es así, es que no tienes sentido del gusto palomitero), puedes acudir a ver "Toy story 3", la 3ª entrega de los juguetes más famosos del cine de animación. Vale, es Pixar, y nos ofrecen diversión y calidad de animación por un tubo, disfrutable tanto para niños como para adultos. Pero esto de exprimir la historia hasta que no quede ni gota me recuerda a cierta saga de un ogro verde y feo de la competencia (y ya está en marcha "Cars 2"). La 2 estaba divertida, a ver que tal está esta 3ª entrega que, según he visto, en lo que se refiere a animación de seres humanos es maravillosa (más les vale, son Pixar). Veremos si realmente merece la pena o es que, como suele pasar desde hace algunos años, como es Pixar se dice que es una obra maestra aunque sea una mierda. Espero mucho de Pixar (siempre espero mucho), demasiado, así que no sé. Cita obligada no obstante.

AIRBENDER, EL ÚLTIMO GUERRERO Estreno el 6 de agosto

Película que tiene su morbo. Por un lado, su director es el odiado y amado a partes iguales M. Night Shyamalan, cuyos filmes son taquillazos pero fruto de las iras de los críticos yankis. Por otro, está su título. Basado en una exitosa y, al parecer, cojonudérrima (esto me lo he inventado yo, señores de la RAE) serie de animación titulada "Avatar, the last airbender" (algo así como "Avatar, el último doblador de aire"), tuvo que suprimirse la primera palabra del título, pues recordaba al taquillazo navideño de James Cameron, quedándose sólo con "The last airbender" en inglés y "Airbender, el último guerrero" (título sin ningún tipo de sentido), en nuestra lengua. El argumento, el cual conozco porque me han contado de que va pues no he visto la serie (pecado el mío, pues me han dicho que es grandérrima), es el siguiente (perdón si no es exactamente así): un mundo controlado por cuatro elementos: aire, agua, fuego y tierra, y diferentes gremios que controlan cada elemento. Cada cierto tiempo, un elemento reina en la tierra, y cuando le llega el turno a los del fuego, estos deciden declarar la guerra al resto de elementos. Antes de todo esto, había un grupo capaz de controlar los cuatro elementos a la vez, algo que nadie puede hacer. Sin embargo desaparecieron todos, lo que fue aprovechado por los del fuego para iniciar su guerra (no tenían a nadie que se lo evitara). Sin embargo, tiempo después, aparece uno de esos "airbender" que puede controlar los 4 elementos, y está dispuesto a evitar la masacre. Más que interesante.

ORIGEN Estreno 6 de agosto

Y para terminar, la joya de la corona, la película que más he estado esperando, al menos yo, desde que su director nos deleitara el año pasado con "El caballero oscuro". "Inception", que así se llama la peli en inglés, es el nuevo trabajo de Christopher Nolan, y ha estado acompañado de un secretismo brutal. De su argumento, sólo se sabe que está basado en la arquitectura de la mente, pero viendo el trailer uno puede intuir algo así como un thriller policiaco desarrollado en el mundo de los sueños. Lo primero que se me vino a la cabeza al ver el trailer, y al conocer algo de su argumento, es la hgran similitud, tanto estética como argumental, a "Paprika, detective de sueños", película japonesa de animación dirigida por Satoshi Kon. Los que la hayáis visto, os resultará muy familiar la escena del pasillo que aparece en el trailer. Dejando de lado supuestos plagios, no se puede negar que el filme tiene una pinta espectacular, no sólo por sus efectos visuales, que en pantalla grande te deben dejar con el culo torcido, sino por su descomunal reparto. Atención: Leonardo Dicaprio, Ellen Page, Marion Cotillard, Ken Watanabe, Joseph Gordon-Levitt, Cillian Murphy (aka El Espantapájaros), Tom Berenguer y Michael Caine, entre otros. Espectacular. Os dejo con el trailer. Vais a tardar algún tiempo en poder cerrar la boca.

Y eso es todo, de momento. Y es lo único que hay, a falta de las pelis futuribles para los Oscar, como pueden ser "The town" o "The social network", pero eso es otro tema del que queda aún mucho tiempo para hablar. Disfrutad del verano y, sobre todo, disfrutad del cine.

Una de bichos

2010-06-19T01:35:00.014+02:00

Mushishi (Serie)

Título original: Mushishi
Año: 2005
País: Japón
Duración: 25 min/episodio, 26 episodios.
Director: Hiroshi Nagahama
Guión: Aki Itami, Yuka Yamada
Manga: Yuki Urushibara
Música: Toshio Masuda
Productores: FUNimation Entertainment / Mushishi Production Committee
Mi puntuación filmaffinity: 8
Puntuación filmaffinity: 7,7

Continúo con Mushishi mi pequeña exploración por los mundos del anime. Esta es una serie verdaderamente atípica a ojos occidentales, aunque no por eso ha dejado de ser para mí una experiencia sorprendente y confortante.

Todos los episodios están guiados, de una forma u otra, por Ginko, el verdadero soporte de la serie. Ginko es un personaje enigmático y oscuro, por el que es inevitable sentir cierta simpatía. Ginko viaja por tierras de japón, en busca de pequeñas ocupaciones temporales que lo llevarán a conocer a distintos personajes y sus generalmente terribles historias. Desde luego, si de algo no se puede acusar a esta serie es de ser ñoña (y, en los tiempos que corren, eso es decir mucho).

Sobre la trama de la serie, me gustaría no decir nada, dejar que cada cuál lo descubra a su manera. Sí indicaré que los episodios son casi absolutamente independientes entre sí, narrando historias cerradas. Ciertamente, algunos de ellos son maravillosos, sobresalientes (aunque con frecuencia absolutamente desgarradores).

蟲

Las historias que nos cuentan nos acercan a su manera a un japón rural y algo atemporal, lejos de las grandes ciudades. Entre otras cosas, esta serie está muy indicada para quienes tengan interés en la cultura nipona más allá de los tópicos. Por si fuese poco, los paisajes que enmarcan los relatos son cautivadores, ayudados por un dibujo bello y muy sugerente. La música, aunque quizás algo repetitiva a medida que transcurren los episodios, acaba de completar el cuadro con unos toques lejanos de misterio.

En fin, la única pega que podría citar contra esta magnífica serie, es que la dinámica de sus episodios es muy similar (un poco al estilo House, pero en menor medida). Pero, hay que ser justos, esto no significa en absoluto que uno pueda predecir lo que va a ocurrir -todo lo contrario-, es más bien cómo nos lo van a presentar lo que no causa sorpresa.

Una serie totalmente recomendable y que por desgracia (a juzgar por el nivel de las series con que nos obsequian) no creo que llegue a nuestros televisores. Ah, y mushi significa bicho.

El reto: Top truño

2010-05-31T12:00:00.000+02:00

Por fin, tras meses de holgazanería, me dispongo a concluir todas las entradas referentes al reto. Sí, lo logré terminar, pero tras publicar el top ten quería finalizar con el top truño, esto es, la 10 peores películas que, a mi juicio, han ganado el Oscar a la mejor película. Si he hablado de lo mejor, también debo hablar de lo peor, ¿no creéis?

Aunque pueda parecer una tarea imposible, lo cierto es que no ha sido así. Hay muchas películas que merecen estar en este lista y, aunque alguna sea más que discutible, otras tantas son bastante claras. Probablemente haya polémica por alguna que otra peli de la lista, pero como digo, está basada en mis sensaciones particulares. descubramos, pues, lo peor de las 82 mejores películas.

1. LA MELODÍA DE BROADWAY (1929)

Director: Harry Beaumont

Intérpretes: Charles King, Anita Page, Bassie Love et al.

Ganadora de 1 Oscar: mejor película

¿Por qué? Porque la película no tiene ningún tipo de sentido. La historia es simplísima y carente de interés, los actores no hacen nada para mejorarla, la película es aburridísima a más no poder, las canciones no son divertidas y los números musicales son sosos. Un despropósito total. Lo único bueno de "La melodía de Broadway" es que dura hora y media, así que termina pronto. Aquí podéis leer mi crítica, si es que merece la pena gastar tiempo en ello.

2. CABALGATA (1933)

Director: Frank Lloyd

Intérpretes: Diana Wynyard, Clive Brook, Una O'Connor, Herbert Mundin et al.

Ganadora de 3 Oscar: película, director, decoración.

¿Por qué? Por ser un digno trabajo de lameculismo hacia la sociedad inglesa. Una peli para ingleses hecha por ingleses. Es aburrida y no tiene interés ninguno (¿la guerra de los Boers? ¿Esos no jugaban en el Ajax?). Aguantar hora y media de tedio en el que lo más interesante es el momento en el que dicen lo grande que es Inglaterra acaba por desquiciar a cualquiera. Y que conste que no tengo nada en contra de los hijos de la Gran Bretaña, pero es que no me gustan los ejecicios tan exagerados de autocomplaciencia. Es como "hola, somos ingleses, mirad que pobrecitos somos". Descarado. La crítica aquí.

3. LA SEÑORA MINIVER (1941)

Director: William Wyler

Intérpretes: Greer Garson, Walter Pidgeon, Teresa Wright, Christopher Severn et al.

Ganadora de 6 Oscar: película, director, actriz, actriz secundaria, guión adaptado, fotografía

¿Por qué? Porque es lo mismo que "Cabalgata" pero más cursi. Ni siquiera la presencia de William Wyler dota de calidad a este panfleto incendiario que se supone un canto a la paz y al antibelicismo pero que en realidad es un ejercicio de patriotismo británico para mostrar al mundo lo pobrecitos que eran los ingleses y lo mal que lo pasaron en la guerra. Tan sólo la presencia de Teresa Wright alegra un poco la función. Podéis leer mi crítica pinchando aquí.

4. SIGUIENDO MI CAMINO (1944)

Director: Leo McCarey

Intérpretes: Bing Crosby, Barry Fitzgerald, Rise Stevens, Gene Lockhart et al.

Ganadora de 7 Oscar: película, director, guión adaptado, actor, actor secundario, argumento original, canción.

¿Por qué? Porque es una película hecha sólo para el lucimiento de Bing Crosby, mítico crooner e ídolo de grandes como Frank Sinatra. Es completamente ñoña y se nota que los acontecimientos están forzados para introducir los temas musicales cantados por Crosby y que el público vea lo buen actor que es. En resumidas cuentas, un acto promocional del actor en lugar de una película. Es simpática, y el final es el típico de lagrimilla fácil, pero eso no la hace digno de un premio como este. Aquí la crítica completa.

5. UN AMERICANO EN PARÍS (1951)

Director: Vincente Minelli

Intérpretes: Geene Kelly, Leslie Caron, Oscar Levant et al.

Ganadora de 6 Oscar: película, guión, fotografía en color, banda sonora, vestuario en color, decoración en color

¿Por qué? Porque, mientras el resto de pelis de la lista se dejan ver, esta atenta contra el buen gusto del espectador. Una película desagradable de ver, y no precisamente por el mismo motivo que "Hostel" o "Saw". Igual que "Siguiendo mi camino", es película hecha para que Kelly se luzca, pero mientras que la otra era pasable y a ratos simpática, esta es ridícula y estúpida, dos horas y media (encima) con Gene Kelly haciendo tonterías sin sentido, con una decoración hortera y un argumento manido y completamente predecible. Sus 20 últimos minutos, totalmente prescindibles, pueden ser, con toda probabilidad, lo más lamentable que jamás se ha rodado para una película. Esta lista está confeccionada por orden cronológico, pero de no ser así, esta ocuparía, sin lugar a dudas, el primer puesto. Y este engendro ganó más Oscars que "El padrino". Nunca entenderé a la raza humana. Mi crítica la podéis leer aquí.

6. EL MAYOR ESPECTÁCULO DEL MUNDO (1952)

Director: Cecil B. DeMille

Intérpretes: Charlton Heston, James Stewart, Betty Hutton, Cornel Wilde et al.

Ganadora de 2 Oscar: película y argumento

¿Por qué? Porque es la típica película de domingo por la tarde. Dos horas y media en las que no pasa absolutamente nada, y son en los últimos minutos donde todo se resuelve deprisa y corriendo. Es más un escaparate para ver la cantidad de dinero que tenía DeMille, que llena la película de desfiles y números circenses sin sentido, pero dejando de lado la historia o las complejidades. Es una película hecha, simple y llanamente, para entretener. Lo único que merece la pena es el personaje de un sorprendente e irreconocible James Stewart. Pinchad aquí si queréis leer más en profundidad lo que opino de ella.

7. LA VUELTA AL MUNDO EN OCHENTA DÍAS (1956)

Director: Michael Anderson

Intérpretes: David Niven, Cantinflas, Shirley McLane, Buster Keaton, Marlene Dietrich, Peter Lorre et al.

Ganadora de 5 Oscar: película, guión adaptado, montaje, fotografía, música

¿Por qué? Porque es una auténtica patochada. Más que una adaptación es una versión paródica de la novela de Verne, con Cantinflas haciendo el tonto, situaciones llenas de tópicos y un reparto estelar echado totalmente a perder. Puede resultar divertida si se considera una parodia, pero no deja de ser una película absurda. La crítica la podéis leer aquí.

8. GIGI (1958)

Director: Vincente Minelli

Intérpretes: Leslie Caron, Maurice Chevalier, Louis Jordan et al.

Ganadora de 9 Oscar: película, director, guión adaptado, montaje, fotografía, música, canción, dirección artística, diseño de vestuario

¿Por qué? Porque es la cursilería en celuloide. La típica historia del hombre apuesto que se enamora de su amiga de toda la vida, salpicado de pomposos vestidos, coloridos decorados y canciones sin ritmo ni gracia alguna. La dudosa moralidad que se intuye de la cinta, desde la canción inicial, con ciertas connotaciones pedófilas (no se puede negar eso) hasta lo que ocurre en el desenlace, ayudan a empañar una película que ya de por sí era totalmente insulsa. Y pensar que se llevó el mismo número de Oscars que "El último emperador". Click aquí para leer la crítica.

9. LAWRENCE DE ARABIA (1962)

Director: David Lean

Intérpretes: Peter O'Toole, Anthony Queen, Alec Guinnes et al

Ganadora de 7 Oscar: película, director, fotografía, montaje, música, dirección artística, sonido

¿Por qué? Porque, sinceramente, es aburrida a más no poder. Sí, se que muchos os estaréis llevando las manos a la cabeza. Se que muchos que saben de cine más que yo dicen que es una de las mejores películas de la historia y no lo dudo, y también comprendo que es un insulto que comparta lista con películas como la número 5, pero como he dicho, es una lista basada en mis sensaciones y esta película, al menos a mí, me pareció un bodrio infumable. Lenta a más no poder, no dudo en sus cualidades artísticas y estéticas, como su fabuloso montaje, pero una película de aventuras sin apenas acción, de ritmo pausado y que además dura casi cuatro horas puede aburrir a cualquiera. Para mí, las buenas películas deben primero entretener y luego maravillar y esta a mí no me entretuvo, con lo que no puede ser considerada una buena película. Más razones del por qué no me gustó las tenéis aquí.

10. SLUMDOG MILLIONAIRE

Director: Danny Boyle

Intérpretes: Dev Patel, Freida Pinto, Madhur Mital, Anil Kapoor et al.

Ganadora de 8 Oscar: película, director, guión adaptado, montaje, fotografía, música, canción, sonido

¿Por qué? Porque empieza bien, sigue bien, continua bien, pero llega el final y todo se convierte en un pastiche absurdo y romanticón. Película poco creíble, como comenté en mi crítica, está inundada de un tono erótico-festivo que queda rematadamente mal. Boyle quiso hacer una peli moderna y molona y le salió una chorrada. Pero oye, se llevó el mismo número de Oscars que "Amadeus". C'est la vie. La crítica pinchando aquí.

Hasta aquí la lista que seguro dará que hablar. He dejado en el tintero cintas como "Memorias de África", "Una mente maravillosa", "La tragedia de la Bounty" o "La barrera invisible" porque, aunque son películas insulsas y que no creo que merezcan este importante premio, tienen lo suficiente como para salvarlas de la quema. Y con esto concluye definitivamente la serie de entradas de El Reto. Un peso menos que me quito. Espero comentarios.

Nodame Cantabile

2010-05-24T20:02:00.007+02:00

Nodame Cantabile (Serie)

Título original: Nodame Cantabile
Año: 2007
País: Japón
Duración: 24 min/episodio, 3 temporadas
Directores: Kenichi Kasai, Chiaki Kon, Kunihiko Ikuhara, Noriaki Akitaya, Shigeru Ueda, Toshikazu Hashimoto, Yoshitaka Koyama, Youhei Suzuki

Guión: Masahiro Yokotani, Miho Maruo, Tomoko Konparu
Manga: Tomoko Ninomiya

Música: Suguru Matsutani
Productores: Asmik-Ace Entertainment / Dentsu Inc. / Fuji TV / GENCO / Kodansha / Nodame Cantabile Production Team / Sony Music Entertainment

Mi puntuación filmaffinity: 7
Puntuación filmaffinity: 7,6

Con esta entrada regreso al apartado de 7º Arte, tras el glorioso final de "el reto", おめでとうございます、チュパロカスさん！！Y vuelvo, para seguir encasillándome entrada tras entrada, con un nuevo anime... mi primera serie, eso sí.

Se trata de la peculiar Nodame Cantabile. Digo "peculiar" principalmente por tratar de música clásica pero, realmente, en Japón hay un anime para cada palabra del diccionario. En este caso nos presentan la historia de Megumi Noda (Nodame), estudiante de piano en el conservatorio Momogaoka (ciudad real, pero no sé si el conservatorio lo será). Nodame es una chica espontánea, descuidada, original, muy extrovertida... en cierta forma, es un perfecto prototipo "anti-japonés".

Nuestra heroína conocerá, ya en el primer episodio a, Chiaki Shinichi, alumno más notable del conservatorio. Hijo de un conocido pianista, es brillante tanto al piano como en el violín, aunque su mayor ambición sea seguir los pasos de su sensei Viera, renombrado director de orquesta europeo. El camino no será fácil, aunque todos hemos visto Oliver y Benji, y sabemos cómo van las cosas.

El vídeo con las escenas de la serie ha sido retirado de youtube :(

No hace falta decir que habrá muchos más personajes e intrigas de todo tipo. Cabe decir, sin embargo, que el sentido del humor está presente en cada minuto de la serie, lo cual se agradece mucho en los tiempos que corren. (Mención especial a la graciosa protagonista, cuyas curiosos gestos y expresiones forman parte esencial de la obra).

Otra cosa que no debería sorprender a nadie, es lo extraordinario de la música de la serie. Brahms, Beethoven, Mozart, Chopin... los más grandes nos acompañarán a lo largo de cada episodio. Pero no están allí de forma pasiva. De hecho, la música es una parte clave de la serie, no accesoria. Aunque siempre explicada de forma fácil de entender, te obligan a prestar atención a aspectos musicales en los que no siempre reparamos (nos muestra cómo una interpretación aparentemente perfecta puede en realidad ser desastrosa, por un tempo cambiante o excesos interpretativos que la desfiguran). En los casos más destacados, además analizan la obra para ti, explicando sus motivaciones y en qué forma esto se traduce a la música. En definitiva, este es un argumento que por sí solo vale para escuchar la serie.

En conclusión, creo que es una serie muy recomendable. Sin duda, no acabará de convencer a todos -sus defectos tiene-, pero es divertida, original y está adornada por un hilo musical incomparable. Además, quien más, quien menos, todos aprenderemos algo sobre música con esta serie, que mucho bien haría si llegase a nuestras pantallas.

Chatarra de la mejor calidad

2010-05-08T23:00:00.013+02:00

TIN MAN

Título original: Tin man

Año: 2007

País: EE.UU.

Duración: 177 min.

Director: Nick Willing

Guión: Steven Long Mitchell y Craig W. Van Sickle, según la novela "El maravilloso mundo de Oz", de L. Frank Baum

Música: Simon Boswell

Montaje: Allan Lee

Fotografía: Thomas Burstyn

Productores: Matthew O'Connor

Compañía: Sci-fi Channel/RHI Entertainment

Intérpretes: Zooey Deschanel, Allan Cumming, Neal McDonough, Raoul Trujillo, Kathleen Robertson, Ted Whittall, Anna Galvin, Blu Mankuma, Richard Dreyfuss et al.

La joven DG vive una vida monótona con sus padres en una casa de campo de Kansas, trabajando como camarera en un bar de carretera. La única forma que tiene de evadirse son sus dibujos de lugares imaginarios y las historias de fantasía de su padre. Una noche, durante una horrible tormenta, unos extraños hombres irrumpen en su casa, obligando a DG y sus padres a huir sin poder evitar ser engullidos por un enorme tornado. Cuando parecía su fin, DG descubre que sigue viva, pero está en un mundo extraño, desconocido para ella pero que, por alguna razón, le resulta familiar. Buscando a sus padres desaparecidos da con su paradero, momento en el que estos aprovechan para revelarle un fascinante secreto: DG nació en el mundo de Oz, que así se llama aquel lugar, y sus padres no son más que robots programados para criarla fuera de ese mundo durante años. Su verdadera madre, la reina de Oz, ha sido secuestrada por la bruja Azkadellia, la cual pretende robar una esmeralda mágica para destronar a la reina y así dominar el mundo. La única forma que tiene DG de salvar a su madre es conseguir la esmeralda antes que Azkadellia y evitar así sus maléficos planes de conquista.

Hace unos meses estaba yo tirao en mi sofá viendo "Naufrago", una de las pelis con las que más sufro, y durante los anuncios decidí practicar uno de los deportes más universales del mundo: el zapping. Así, cambiando de canal en canal, me topé con unos intensos ojos azules que me cautivaron. Era una película, claro está, y en ella salía la que, por aquel entonces, era para mí, "aquella chica de la película esa que comentó mi compañero Cronopio en una de sus críticas". Pero no sólo me gusto ella, sino que me llamó la atención ver que la acompañaban el Rondador Nocturno (Allan Cumming) pero sin ser azul ni tener rabo, el teniente Copton de "Hermanos de sangre" (Neal McDonough) haciendo de una especie de shérif y un menda que era igualito al león de "El mago de Oz". En seguida caí en la cuenta de que aquello era algo así como una versión del libro de Baum, y que los cuatro personajes no eran más que Dorothy, el espantapájaros, el hombre de hojalata y el león cobarde. Lo curioso es que todo aquello tenía algo que lo hacía distinto a la película de 1939. Incluso había cosas de ciencia ficción, como robots y cosas así, y también coches y pistolas. Fue ese el momento en el que empezaron a fluir mis midiclorianos y mi espíritu friki hizo que sintiera interés por aquella historia... pero habían terminado los anuncios y tuve que ver "Náufrago", más que nada porque aquella película duraba tres horas más los anuncios y tenía otras cosas que hacer aquella tarde.

Así que, tras acabar de ver la peli de Zemeckis, acudí a internet para ver cómo se llamaba esa curiosa película (la estaban echando en Neox y no te viene la programación en el periódico). Después de muchos intentos infructuosos acudí a cierta página en la que se votan películas, pues te permiten buscar pelis según el nombre de los actores, y topé con la elegida: "Tin man", una miniserie de tres capítulos que versionaba, tal y como yo había intuido, a "El mago de Oz" y que, por alguna extraña razón que desconozco, los de la cadena habían montado (o enlazado elegantemente mediante bloques de anuncios) y convertido en una película de tres horas. Así que me la bajé para su posterior visionado.

Y al fin la he visto y debo decir, sin ninguna duda, que me ha gustado mucho. Quizá fuera por las ganas que tenía de verla, o por la fascinación innata que siento por la fantasía, o tal vez por las gratas sensaciones que me dejó otra miniserie fantástica, la curiosa "El 10º reino". Posiblemente sea por esto último, pues basándome en esta serie, esperaba encontrarme con algo bastante mejor. Y así es, pues "Tin man" la supera con creces en todos sus aspectos: tiene mejores interpretaciones, mejores efectos visuales, mejor historia y mejor tono.

Lo de las interpretaciones es algo normal si cuentas con ese elenco de actores. Zooey Deschanel, hermana, por si no lo sabíais, de la protagonista de "Bones", lo hace muy bien sin que sea el suyo, eso sí, un papel muy complicado. Allan Cumming está muy correcto como "espantapájaros", muy comedido y sobrio y le doy las gracias por ello, pues a pesar de ser el personaje claramente cómico del grupo, si hubiera sido más histriónico, desentonaría muchísimo con el ambiente sombrío del filme y podría resultar incluso repelente. Neal McDonough también trabaja bastante bien, aunque después de su experiencia en "Band of brothers" cualquier papel le debe resultar sencillo. Quizá, la que menos pega en todo esto sea Kathleen Robertson, que interpreta a una Azkadellia un tanto repelente. Aunque en eso consiste el papel del malo de la película, en ser desagradable y odioso, así que cumple fielmente con su objetivo. Pero si hay algún intérprete que lo parte, literalmente, en "Tin man", ese es el inconmensurable Ricky Dreyfuss, que da vida al "Hombre Místico" (el tradicional Mago de Oz). Su presencia en la película hizo que exclamara un rotundo WTF?, pues no me fijé que apareciera en los créditos (es que justo cuando aparece su nombre estaban esos ojazos en pantalla, no lo pude evitar). Su presencia aporta un toque de elegancia y clase a "Tin man", cualidades que, ya de por sí, tenía la película sin su presencia.

Mención especial merecen los efectos visuales, muy buenos para tratarse de una miniserie para la televisión, aunque hay ciertos momentos cuya cutrez es tal que te entran ganas de arrancarte los ojos (me refiero a la parte del bosque del principio), cuestionándote si realmente la serie se ha realizado hace a penas 3 años. Eso sí, si los comparamos con los tercermundistas efectos visuales de "El 10º reino", "Tin man" parece "Avatar".

Pero sin duda, lo mejor de "Tin man" es su guión. Este se inspira levemente en la novela "El maravilloso mago de Oz", de Baum, y se nota en ciertos aspectos, como el diseño y personalidad de los personajes (el espantapájaros sin cerebro, el león sin valor, el hombre de lata sin corazón, el hombre místico, incluso los Munchkins, Toto y los murciélagos gigantes de la bruja malvada) y algunos acontecimientos (el tornado, que la chavala vive en Kansas, que las iniciales de su nombre coiciden con Dorothy Gale...). Pero los guionistas no se quedan ahí y cambian cosas, muchísimas, haciendo que "Tin man" sea casi una creación original. Es el caso, por ejemplo, de Toto, que no es un simple perro (y juega un papel importante en la peli), ciertos lazos familiares que dan un agradecido giro a mitad de la película, o la mezcla de fantasía y mundo real con la incursión de coches, pistolas y aturdidores en un mundo de fantasía medieval. Y por supuesto, para mí el punto fundamental de "Tin man", un tono oscuro, tétrico y épico que ha sido muy criticado por los detractores de la serie, pero que ayuda a darle un tono más serio, dramático y menos infantiloide y cursi. Todo lo contrario que "El 10º reino", que a pesar de ser una historia bastante decente, esas mariconadas de Blancanieves y la Cenicienta estuvieron a punto de hacerme vomitar.

Con todo esto, los del canal Sci-fi se apuntaron un tanto creando una historia de fantasía muy bien hecha, muy alejada de las típicas miniseries del género, con buenos y curtidos intérpretes en carismáticas interpretaciones y con un guión que, a pesar de estar basado en una historia ya conocida de sobra por todos, hay tantos elementos originales y de fantasía pura y dura que puede considerarse casi un guión original. Una versión moderna y oscura de un clásico de la fantasía de todos los tiempos y una película bastante notable para tratarse de una miniserie para la televisión. Un soplo de aire fresco en la fantasía y la ciencia ficción, géneros en los que casi nadie arriesga por estar casi todo visto. Muy recomendable para los amantes del cine fantástico de aventuras.

PD: Si podéis ver los tres capítulos por separado genial, pero si os agenciáis con la copia pirata con el simbolito de Antena 3 y los rótulos en la parte inferior anunciando "Física o química" y demás zarandajas, os tenéis que tragar tres horas de película. Eso sí, la serie es tan dinámica, las situaciones cambian tanto y surgen tantos personajes nuevos a lo largo del metraje, que los 177 minutos que dura no se hacen aburridos ni pesados en ningún momento.

Vuelve el hombre de acero

2010-05-01T12:04:00.012+02:00

IRON MAN 2

Título original: Iron man 2

Año: 2010

País: EE.UU.

Duración: 130 min.

Fecha de estreno en España: 30 de abril de 2010

Director: Jon Favreau

Guión: Justin Theroux, según los personajes creados pòr Stan Lee, Don Heck, Larry Lieber y Jack Kirby

Música: John Debney y AC/DC

Montaje: Dan Lebental y Richard Pearson

Fotografía: Matthew Libatique

Productor: Kevin Feige

Compañía: Paramount Pictures/Marvel Entertainment

Intérpretes: Robert Downey Jr, Gwyneth Paltrow, Don Cheedle, Scarlett Johansson, Mickey Rourke, Sam Rokwell, Samuel L. Jackson, Paul Bettany, Jon Favreau et al.

Han pasado 6 meses desde que Tony Stark desvelara al mundo que él era Iron Man. Desde entonces, ha logrado convertirse en un héroe, pues ha conseguido en el mundo entero una paz indefinida. Sus impresionantes logros militares han hecho que el gobierno le presione de forma insistente para que ceda amablemente su armadura al ejército. Stark se niega en redondo, y ante las acusaciones de que ese traje es una amenaza en manos de alguien como él, declara que esa tecnología no podrá ser igualada hasta por lo menos 20 años, así que el mundo está a salvo. Pero todo empeora cuando un extraño individuo con una armadura parecida a la de Iron man, siembra el pánico en mitad del Grand Prix de Monte Carlo. Por lo visto, no hay que esperar 20 años para tener una energía similar. Ese es el principio del fin de Stark, que no sólo se enfrenta a un enemigo que conoce su tecnología y a las críticas de medio planeta que pueden hundir su multinacional, sino que debe luchar contrarreloj para encontrar una nueva fuente de alimentación alternativa al paladio, el cual está contaminando su sangre y matándole lentamente.

Hubo un tiempo en el que las pelis de superhéroes eran nada más que mamporros desde el primer minuto, sin importar la historia. Con el tiempo esto ha cambiado, y podemos ver historias en ellas, en las que se muestra la psicología y motivaciones de los personajes, el por qué se convirtieron en héroes justicieros y demás, dejando la acción en un segundo plano. Muchos se sumaron a esta moda, dejando toda la acción y el artificio para la secuela, en la que llenaban la película de más acción pero menos desarrollo. Afortunadamente, hay algunos directores que no piensan así, como Singer o Nolan, logrando que las segundas partes de sus pelis de superhéroes superen incluso a las predecesoras. A este grupo se le debe de unir Jon Favreau, que ha hecho de "Iron man 2" un filme que no tiene nada que envidiar a la primera parte.

La película comienza con unos títulos de crédito sin más interés, pero tras ellos, vemos una secuencia, ya vista por medio mundo gracias a Youtube, en la que nuestro superhéroe favorito (y no me refiero a Barman, mis borrachos lectores) salta desde un avión y vuela por las calles de Nueva York al irresistible ritmo de AC/DC para aterrizar en un escenario rodeado de despampanantes bailarinas. Tras esto uno intuye por dónde van a ir los tiros: acción, acción y más acción. ¿Explosiones y rock & roll durante 2 horas? ¡Que nadie me despierte!

Pero dejad de soñar, mis fieles lectores, pues eso no era más que un fabuloso sueño. Las escenas de acción hay que esperarlas hasta el final, pues en las dos horas posteriores a esta secuencia a penas hay acción, tan sólo la parte del circuito de Mónaco, con unos efectos visuales impresionantes, como no podía ser menos en ILM. Es al final donde se concentra toda la espectacularidad del filme, que en algunas escenas, como la de los coches explotando debajo del puente, llegaron a recordarme a la persecución de "El caballero oscuro", pero sin la elegancia y tensión de la película de Nolan.

Como digo, la acción se hace esperar, pero no es una espera tediosa, aunque sí algo lenta, pues durante esas dos horas se nos deben contar muchas historias: la crisis en Industrias Stark, los problemas de salud de Tony por culpa del paladio que alimenta su fuente de energía, las presiones del gobierno, incluso su egoísmo, que hace que reciba varios toques de atención de cierto hombre con parche en el ojo. Todas estas historias tienen que tener un desarrollo y una conclusión, además de que hay nuevos personajes que deben ser presentados y antiguos camaradas que tienen más importancia (me refiero a Nick Furia). Lo curioso es que Favreau logra aunarlo todo en poco más de dos horas, relacionando unas historias con otras y dándoles continuidad y ritmo, sin que aparezcan lagunas y sin que resulte aburrido.

Lógicamente, tenía que tener algún pero, y es que el malo, que se supone lo más atractivo de una peli de superhéroes, tiene igual protagonismo que otros secundarios, pasando a un segundo plano. Ni siquiera muestra su poderío en las batallas, pues no es un rival digno de Iron Man. SPOILER: Todos esperamos al final un enfrentamiento brutal entre el bueno y el malo, pero la escasa duración del combate final entre Whiplash y un todopoderoso Iron Man que convierte a su colega Warmachine en un inofensivo playmovil, es bastante decepcionante, sobretodo tras esperar durante dos horas. Y es que los robots controlados a distancia por el malo causan un daño mucho mayor que el propio Whiplash en persona, evidenciando la poca calidad (que no personalidad) del villano FIN DEL SPOILER. Sin embargo, mientras que para mí la poca intervención del enemigo fue una decepción, para mis colegas no lo fue, pues relacionaron su escaso nivel con su escasa aparición en el filme. Y al final me convencieron: aunque el malo a penas causa demasiado ruido, es normal que no lo haga, pues de lo que no hay no se puede sacar.

Es decir, que a pesar de la necesaria y obligatoria aparición de personajes secundarios, fenomentalmente interpretados todos ellos, toda la película está hecha para el lucimiento de Robert Downey Jr., que demuestra que nació para interpretar a Tony Stark. En los secundarios destacaría dos papeles, pero por causas completamente distintas: el de Jack Hammer, magnate de las armas, interpretado con gran carisma por el descomunal Sam Rockwell (cómo me gusta este actor, diomiodemiarma) y el patético papel de la despampanante Scarlett Johansson, cuya única función es mostrar palmito con su traje ajustado de cuero, decir una frase chorra, e irse moviendo lo más posible el trasero al caminar. Incluso hay una escena en la que se cambia de ropa durante un trayecto en el coche y la actriz se muestra en ropa interior. Comentar también el curioso papel del propio Jon Favreau como chófer y la fugaz aparición de Stan Lee en sus ya típicos cameos.

Así que, en resumen, "Iron man 2" es una grandísima película, que si no supera a su predecesora, por lo menos se queda muy cerca de ella en calidad. Un filme realmente espectacular el cual, aunque tengamos que esperar dos horas para ver acción de la buena, esas escenas son realmente impresionantes. Película para lucimiento de Downey Jr., para lo que el propio Favreau deja en un segundo plano a los personajes secundarios, sin importar su relevancia en la película o en posteriores filmes. En definitiva, una gran película que cumple con las expectativas dejadas por su primera parte, una más que digna película de superhéroes. Al final de la proyección, ante un público emocionado por el filme, la gente no aplaudió, sino que toda la sala cantó desatada al ritmo del "Highway to hell" de AC/DC, tema que acompaña a los títulos de crédito. Es el mejor ejemplo de la sensación que deja esta película.

PD: Quedaros al final de los títulos de crédito. Hay una secuencia que, por si sola, compensa los 7 euros de la entrada y que introduce al próximo superhéroe, aunque sólo salga su famosa arma, de cuyo nombre no quiero acordarme.

El Reto: Top Ten

2010-04-03T14:00:00.002+02:00

Finalizado ya el reto, es momento de hacer recapitulación y la mejor forma es realizando listas con las mejores y peores películas de los Oscar. Así que los que creíais que os ibais a librar de mí tan fácilmente estabais muy equivocados, por lo menos un par de entradas mas (¡¡MUAJAJAJAJAJAJAAAAAA!!).

Primero voy a empezar con una lista de las 10 mejores ganadoras del Oscar a la mejor película. Está basada en mis propias vivencias, es decir, que si una película me ha aburrido o me ha parecido una bazofia, no la voy a poner en la lista sólo porque el resto diga que es buena. Si fuera así, el reto no habría servido de nada y la lista no tendría ningún sentido.

Lógicamente, es muy difícil hacer una lista con 10 películas, pues hay que seleccionar lo mejor de lo mejor. No vale con elegir 10 películas buenas, pues la gran mayoría de ellas entrarían en la lista, sino aquellas que tienen un nivel superior al resto, obras maestras incuestionables o peliculones que han marcado un antes y un después en la historia del cine. A simple vista, la lista puede parecer fácil, pues cuando uno ha visto todas sabe que hay algunas que, por renombre o calidad, son superiores al resto. Eso sí, estoy seguro de que en un par de ellas, cualquiera que no haya realizado el reto, no las incluiría en la lista. Pero aun así siempre da la sensación de que se dejan algunas pues estas listas, lo bueno o lo malo que tienen, es que se basan en el punto de vista de cada uno y no siempre se está de acuerdo.

Más difícil si cabe es ordenarlas por calidad, algo que sería prácticamente imposible. Por eso he decidido ponerlas por orden cronológico, desde la más antigua a la más moderna, para no tener que comerme la cabeza. Así que la situada ne primer lugar no necesariamente debe ser la mejor de todas, aunque no dejan de ser películas impresionantes. ¿Estáis listos para ver mi decisión? En verdad, me da lo mismo esteis listos, allá va.

1. SIN NOVEDAD EN EL FRENTE (1930)

Director: Lewis Milestone

Intérpretes: Louis Wolheim, Lew Ayres, John Wray, Ben Alexander, et al.

Ganadora de 2 Oscar: película, director

Top 250 IMDb: 233

¿Por qué? Porque está magníficamente dirigida, interpretada y escrita. Pero principalmente porque su ambientación y sus efectos especiales hacen que parezca un filme de los años 50, cuando realmente fue rodada a finales de los años 20. Una película adelantada a su tiempo, por lo menos 20 o 30 años, magistral en todos los sentidos. Crítica completa aquí.

2. LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ (1939)

Director: Victor Fleming

Intérpretes: Viven Leigh, Clark Gable, Olivia de Havilland, Leslie Howard et al.

Ganadora de 9 Oscar: película, director, guión, actriz, actriz secundaria, montaje, fotogrsfía, dirección artística, premio honorífico al uso de distintas unidades coordinadas.

Top 250 IMDb: 158

¿Por qué? Por ser una de las películas más impactantes e importantes de la historia del cine, así como una de las mejores de todos los tiempos. A parte de su gran calidad en todos sus aspectos, es el impresionante uso del color el que hace de esta película una auténtica leyenda del séptimo arte. La película que más han puesto por televisión y que más miedo ha dado a las gente el verla. Tiene más de 70 años, pero ha logrado emocionarme hasta a mí. Obra maestra absoluta. Crítica completa aquí.

3. CASABLANCA (1943)

Director: Michael Curtiz

Intérpretes: Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Reins, Peter Lorre et al.

Ganadora de 3 Oacar: película, director, guión

Top 250 IMDb: 13

¿Por qué? Por ser una de las mejores películas de todos los tiempos. Sin ser tan impresionante como "Lo que el viento se llevó", no deja de ser una leyenda del cine. Cine negro del bueno y una historia de amor compleja, nada ñoña ni edulcorada. Absolutamente perfecta en todos sus aspectos. Leer la crítica completa aquí.

4. LOS MEJORES AÑOS DE NUESTRA VIDA (1946)

Director: William Wyler

Intérpretes: Dana Andrews, Fredrick March, Harold Russell, Mirna Loy, Teresa Wright et al.

Ganadora de 7 Oscar: película, director, guión adaptado, actor, actor secundario, montaje, música.

Top 250 IMDb: 189

¿Por qué? Por ser una de las mayores sorpresas de este reto. La vi hace años, pero no recordaba que fuera tan rematadamente buena. Siempre nos cuentan las historias de las guerras, pero nunca lo que pasa después, lo que les ocurre a los héroes cuando regresan a sus casas. A parte de su perfecta realización y de su montaje ejemplar (la escena de la boda es un ejemplo de narración sin palabras), el retrato psicológico de los personajes es tremendo y el hecho de que les resulte más cómoda la guerra que su antiguo hogar es descorazonador. Un 11 sobre 10. Aquí tenéis la crítica completa.

5. BEN-HUR (1959)

Director: William Wyler

Intérpretes: Charlton Heston, Jack Hawkins, Cathy O'Donell, Stephen Boyd et al.

Ganadora de 11 Oscar: película, director, actor, actor secundario, montaje, música, fotografía, dirección artística, vestuario, efectos especiales, sonido

Top 250 IMDb: 139

¿Por qué? Porque es una de las películas más grandes que jamás se han realizado en el cine. Una auténtica superproducción mastodóntica que, sin embargo, posee momentos intimistas muy bien realizados, alternando espectáculo y cine de una forma espléndida, hilando cada parte sin que parezcan añadidos a posta. Un ejemplo de cine total que nunca se ha vuelto a igualar, no sólo porque no se pueda, sino porque nadie se atrevería a hacerlo. Aquí mi crítica.

6. WEST SIDE STORY (19)

Directores: Robert Wise y Jerome Robbins

Intérpretes: Natalie Wood, Rita Moreno, George Chakiris, Richard Beymer et al.

Ganadora de 10 Oscar: película, director, actor secundario, actriz secundaria, dirección artística, fotografía, música, montaje, vestuario, sonido

Top 250 IMDb: 139

¿Por qué? Porque revolucionó la forma de realizar musicales y por ser el musical más original que ha visto. Anteriormente, los musicales eran más películas realizadas para el lucimiento de un actor, o basadas en canciones o bailes clásicos como el claqué. Pero "West side story" revolucionó el género al actualizar el musical, con bailes más modernos y difíciles, que produjeron un impacto al espectador de los años 60. Después de su estreno, ninguna película del género logró igualarla. Tan sólo "Cabaret" se puede comparar en lo que a actualización del musical se refiere, pero nunca ha vuelto a realizarse uno igual. Posiblemente, el mejor musical jamás realizado. Leed mi crítica completa aquí.

7. EL PADRINO (1972)

Director: Francis Ford Coppola

Intérpretes: Marlon Brando, Al Pacino, James Caan ,Robert Duvall, John Cazale, Diane Kaeton et al.

Ganadora de 3 Oscar: película, guión adaptado, actor

Top 250 IMDb: 2

¿Por qué? Por ser una de las mejores películas de la historia, para muchos, la mejor. Aunque no lo sea, no se puede negar que sea un filme perfecto, en el que nada es arbitrario. Si una escena va después de otra no sólo es porque sólo pueda ir después de esa, sino porque tiene un significado. Y es que en "El padrino", hasta el mínimo detalle tiene un significado, haciendo que en cada nuevo visionado, aunque la hayas visto cien veces, descubras algo nuevo. Su crítica en este enlace.

8. AMADEUS (1984)

Director: Milos Forman

Intérpretes: Tom Hulce, F. Murray Abraham, Elizabeth Berridge, Simon Callow et al.

Ganadora de 8 Oscar: : película, director, guión adaptado, actor, vestuario, maquillaje, dirección artística, sonido

Top 250 IMDb: 139

¿Por qué? Por conjugar inmejorablemente música y cine, haciendo que la película sea una experiencia sensorial indescriptible. Una obra maestra que hay que disfrutar con un buen sistema de sonido, que hará disfrutar el doble el filme. No sólo es la biografía de uno de los mayores artistas de la historia, sino que todos los aspectos son perfectos, desde la ambientación hasta el maquillaje, sin mencionar, por supuesto, la bellísima música del compositor austriaco. Aquí tenéis mi crítica.

9. LA LISTA DE SCHINDLER (1993)

Director: Steven Spielberg

Intérpretes: Liam Neeson, Ben Kingsley, Ralph Fiennes et al.

Ganadora de 7 Oscar: : película, director, guión adaptado, montaje, fotografía, música, dirección artística

Top 250 IMDb: 6

¿Por qué? Porque es la mejor película del director más famoso del mundo. Porque es un drama absolutamente terrible contado con una frialdad, una elegancia y un amor poco usuales. Porque pocos directores son capaces de mantenerte tres horas con la lágrima en los ojos apunto de aflorar. Una película mítica, descarnada y absolutamente perfecta. Podéis leer mi crítica aquí.

10. EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: EL RETORNO DEL REY (2003)

Director: Peter Jackson

Intérpretes: Elijah Wood, Ian McKellen, Viggo Mortensen, Sean Astin et al.

Ganadora de 10 Oscar: película, director, guión adaptado, montaje, música, canción, efectos visuales, montaje de sonido, dirección artística, vestuario, maquillaje

Top 250 IMDb: 11

¿Por qué? Sé de alguien que no va a estar muy de acuerdo en que esta película esté en la lista, pero ya comenté mis motivos. Porque
era la película imposible de rodar, porque nadie apostaba un duro por ella, pero salió una película mastodóntica, que recuerda a las grandes producciones clásicas de Hollywood. Un auténtico espectáculo y un logro cinematográfico sin precedentes, que ha influenciado a un gran número de películas en los últimos años. Eso sí, si no fuera por algunas diabluras de Peter Jackson, sería una obra maestra. Si queréis leer la crítica del a peli y una encarnizada batalla dialéctica entre dos comentaristas pinchad aquí. aquí.

Estas son, según mi criterio, las 10 mejores películas de la historia de los Oscar. Como sólo podía elegir unas pocas, me he dejado en el tintero obras del calibre de "Alguien voló sobre el nido del cuco", "Million dollar baby", "¡Qué verde era mi valle", "Patton" o "Eva al desnudo", pero es lo que tienen las listas, que no se pueden poner todas. ¿Qué os parece? ¿Estáis de acuerdo? ¿No lo estáis? Espero vuestros comentarios.

Maldita bastarda

2010-03-20T12:43:00.008+01:00

KRULL

Título orginial: Krull
Año: 1983
País: EE.UU.
Duración: 115 min.
Director: Peter Yates
Guión: Stanford Sherman
Música: James Horner
Montaje: Ray Lovejoy
Fotografía: Peter Suschitzky
Productor: Ron Silverman
Compañía: Columbia Pictures
Intérpretes: Ken Marshall, Freddie Jones, Lysette Anthony, Liam Neeson, John Welsh, Robbie Coltrane et al.

El planeta Krull ha sido invadido por un monstruo del espacio exterior conocido como La Bestia, cuyo poder, los seres humanos no han podido superar. Para poder derrotarle, los dos reinos de Krull deciden unirse y sellar esa unión con el matrimonio de los dos herederos al trono: el príncipe Colwyn y la princesa Lyssa. Sin embargo, esa misma noche, los ejércitos de La Bestia irrumpen en el palacio el día de la boda y secuestran a Lyssa, produciendo una masacre. Colwyn, que ha sobrevivido al ataque, deberá viajar a la Fortaleza Negra, guarida de La Bestia, para rescatar a su amada princesa.

Cuando oí hablar de esta película empezó a interesarme por su historia y porque aparecía Leam Neeson, un actor que me gusta bastante. Pero cuando me informé más sobre ella descubrí que "Krull" es considerada por muchos como la hermana bastarda de "Star Wars". Y razón no les falta, pues salen naves espaciales, hablan de mundos y galaxias y cuando las espadas entrechocan salen chispas de colores, como claro "homenaje" a los sables láser. Incluso al inicio de la película, la escena de la llegada de la nave de los malos a la atmósfera de Krull es idéntica a la escena inicial del episodio IV, con el destructor imperial inundando la pantalla. El efecto que produce en Krull es parecido, pero no impresiona tanto como en "Star Wars".

No obstante, después de verla, mi opinión sobre su semejanza con la película de Lucas no queda tan clara, pasando de ser una copia barata y mal hecha de Star Wars al primer intento serio (si a eso se le llama seriedad) de llevar al cine la obra magna de Tolkien, "El señor de los anillos". Y es que, a pesar de salir naves espaciales y que los malos disparen rayos láser desde su lanzas, "Krull" es una aventura de fantasía medieval, con sus caballos, sus arcos, sus espadas, sus caballeros, sus mercenarios y demás. La incursión de naves espaciales y láseres es más por el fenómeno aún vigente de "Star Wars" y su introducción en la película es un intento del guionista para captar espectadores.

Pero más allá de que se ambiente en el mundo medieval, su similitud con ESDLA es tal que incluso algunos edificios y lugares son calcados a los de la novela: al inicio aparece una ciudad en una elevación, exactamente igual a Edoras; hay un castillo blanco a pie de unas montañas que, aunque dista mucho de parecerse al de la película, está claro que se han basado en Minas Tirith. También aparece por ahí la guarida de Ella Laraña e incluso el puente de Khazad Dum, con los malos disparándoles desde lejos mientras lo cruzan. Tal es su similitud que creo que el propio Peter Jackson se basó en esta película para hacer algunos escenarios y personajes de su trilogía pues ¿acaso los secuaces de La Bestia no se parecen descaradamente a Sauron?

A pesar de esto, a pesar del intento de imitar a "Star Wars" y a "El señor de los anillos", no lo logran, pues a parte de estar mucho mejor dirigidas y ser mucho más emocionantes que "Krull", las dos sagas anteriores se asemejan en algo importante: tienen unos decorados impresionantes. Mientras que en las pelis de Jackson y Lucas las maquetas y decorados eran auténticas obras de arte, en "Krull" todo es de cartón piedra. Hay algunos planos en los que se nota tan descaradamente que son de poliexpán, que no duran ni dos segundos y no hay ningún movimiento de la cámara, para que no aparezca ningún técnico al fondo de la pantalla y se descubra que es una burda maqueta. Además, teniendo en cuenta la grandeza de los efectos visuales de "Star Wars", no es lógico que una película seis años más antigua tenga unos efectos visuales tan cutres.

Sin embargo, a pesar de que la película no sea una maravilla estética, aunque tiene unos bonitos paisajes, la historia no está mal. Tampoco es que sea una obra maestra de la literatura cinematográfica, pero sí es una peli de fantasía bastante interesante, con las aventuras típicas del género, con los personajes variopintos que se encuentran en el camino, con el malo malísimo, la dama, el héroe y demás parafernalia. Así que, para aquellos que les guste la fantasía, la película les va a gustar, pues cumple con todos las tópicos del género. No vengáis esperando "El señor de los anillos" o algo por el estilo, más bien algo parecido a "Willow" o "La historia interminable", pero sin el carisma de ambas películas. Una película curiosa, para pasar el rato cuando no tengas otra cosa que hacer.

Palmarés Oscars 2010: Adiós a Pandora

2010-03-08T19:41:00.008+01:00

Al fin. Después de 82 años, después de 2 meses y, sobre todo, después de tres horas y media insufribles, esta edición se recordará como el día en que una mujer ganó el Oscar a la mejor directora. Fue Kathryn Bigelow por su película "En tierra hostil", sorprendentemente para muchos, la triunfadora de la noche. Doblando, con 6, en número de estatuillas a la todopoderosa "Avatar", consiguió el Oscar a la mejor película, así como el de guión, montaje, sonido y montaje de sonido. Estos dos últimos, arrebatados a la película de Cameron, el cual se quedó como un pasmarote al ver cómo se los arrebataban. ¿Soy el único en este planeta que sabía que se los iba a llevar "En tierra hostil"? Una película de acción se fundamenta en el montaje y el sonido, mientras que "Avatar", un filme meramente visual, se llevó los correspondientes a este apartado: fotografía, efectos visuales y dirección artística.

A parte de esto, nada interesante. Todos los premios coincidieron con los de los distintos gremios cinematográficos, variando sólo el premio de "Precious" al mejor guión adaptado. Esta película se saldó con dos premios (mejor actriz secundaria), así como "Up", que consiguió los premios a la mejor película de animación y mejor banda sonora. El Oscar a la mejor película de habla extranjera la ganó la argentina "El secreto de tus ojos", algo que irán pregonando la prensa como triunfo del cine español o algo así. Y es que ni Penélope Cruz ni Javer Recio García se llevaron su premio. Lástima.

Sobre la gala, no mucho que decir. Aburrida no lo fue tanto, pues cuando uno ve por primera vez estos premios siempre encuentra algo interesante. Pero larga fue un rato. Siempre seguían la misma dinámica: premio-vídeo-anuncios. Tan solo violaron esa rutina con los premios al sonido, y con las nominaciones a mejor banda sonora, en la que en lugar de un vídeo pusieron un grupo de bailarines que danzaban al son de fragmentos de las 5 bandas sonoras nominadas. Un momento propicio para irse al baño. El otro momento adecuado para ello, pero para ir a vomitar, fue cuando subieron al escenario los de "Crepúsculo", presentando un absurdo vídeo sin sentido sobre el cine de terror, en una descarada artimaña para aumentar las audiencias.

El peor momento llegó casi al final, a eso de las 5 de la mañana, cuando quedaban cuatro premios y todos respirábamos aliviados porque iba a acabar pronto... pero entonces llegó el turno de los intérpretes principales y en un ejercicio de autocomplaciencia y lameculismo, cinco actores salieron al escenario a hablar maravillas de los cinco candidatos, extendiéndose por lo menos durante veinte minutos. Tras esto, como si no nos hubiéramos enterado de los nominados (seguro que lo hicieron por si alguien se durmió mientras), una despampanante y espectacular Kate Winslet, subió a la palestra y anunció los nominados, otra vez. El premio se lo llevó Jeff Bridges, ante un público entregado. La misma operación de lameculismo se llevó a cabo con las actrices, aunque en este caso fue Sean Penn, que parecía estar celebrándolo antes que los demás, porque muy sobrio no parecía. Sandra Bullock fue la ganadora, el público en pie y todo el tiempo del mundo para agradecimientos.

La parafernalia acabó a eso de las seis menos diez, y aún quedaba el premio al director y a la película. Como vinieran anuncios y más chorradas de esas entremedias, terminábamos a las 10 de la mañana. Pero entonces todo se aceleró estrepitósamente, y en poco más de diez minutos, se anunciaron los candidatos a la dirección, se dieron los premios, Bigelow dio su discurso y como una flecha, Tom Hanks entró en la sala (creo que ni había salido del escenario la ex de Cameron) y dijo que el ganador de la película era "The hurt locker", sin anunciar nominados ni nada, con un par. Agradecimientos, Steve Martin y Alec Baldwin despidiendo y ya está, a las seis en punto. Vamos, un caos y un despropósito completo de gala. Pero merece la pena haber aguantado para ver cómo la mejor película del mundo mundial y las generaciones venideras, pues nadie la podrá igualar (estoy hablando de "Avatar"), mordía el polvo. ¿Oscar merecido? Bueno, "En tierra hostil" no es que sea una mala película, pero con tal de no ver ganar a la peli de Cameron, acepto lo que sea.

A continuación, la lista de nominados, con los ganadores en negrita

PREMIOS OSCAR 2010 Ganadores

Mejor película
Avatar
Up in the air
Up
Malditos bastardos
Una educación
District 9
Un tipo serio
The blind side
Precious
En tierra hostil

Mejor película de animación
Up (Disney Pixar)
Tiana y el sapo (WEalt Disney Animation)
Los mundos de Coraline (Focus Features)
Fantastic Mr. Fox (20th Century Fox)
The secret of Kells (Les Armateurs/France Cinema)

Mejor película de habla extranjera
La cinta blanca (Alemania)
El secreto de tus ojos (Argentina)
La teta asustada (Perú)
Un profeta (Francia)
Ajami (Israel)

Mejor documental
Burma VJ
The cove
Food, Inc.
The most dangeous man in America: Daniel Ellsberg and the Pentagon Papers
Which way home

Mejor director
James Cameron (Avatar)
Kathryn Bigelow (En tierra hostil)
Jason Rateman (Up in the air)
Quentin Tarantino (Malditos bastardos)
Lee Daniels (Precious)

Mejor guión
En tierra hostil
Malditos bastardos
Up
El mensajero
Un tipo serio

Mejor guión adaptado
In the loop
District 9
Una educación
Precious
Up in the air

Mejor actor principal
Jeff Bridges (Corazón salvaje)
Morgan Freeman (Invictus)
George Clooney (Up in the air)
Colin Freed (Un hombre soltero)
Jeremy Renner (En tierra hostil)

Mejor actriz principal
Sandra Bullock (The blind side)
Meryl streep (Julie y Julia)
Gabouire Sibide (Precious)
Carey Mullygan (Una educación)
Hellen Mirren (The last station)

Mejor actor secundario
Mat Damon (Invictus)
Woody Harrelson (El mensajero)
Christopher Plummer (The last station)
Stanley Tucci (The lovely bones)
Christoph Waltz (Malditos bastardos)

Mejor actriz secundaria
Penélope Cruz (Nine)
Vera Farmiga (Up in the air)
Maggie Gyllenhaal (Corazón salvaje)
Anna Kendrick (Up in the air)
Mo'Nique (Precious)

Mejor montaje
Avatar
En tierra hostil
District 9
Malditos bastardos
Precious

Mejor fotografía
En tierra hostil
Avatar
La cinta blanca
Harry Potter y el misterio del príncipe
Malditos bastardos

Mejor música
Avatar
En tierra hostil
Up
Fantastic Mr. Fox
Sherlock Holmes

Mejor canción
"Almost there" (Tiana y el sapo)
"Down in New Orleans" (Tiana y el sapo)
"Loin the Paname" (Paris 36)
"Take it all" (Nine)
"The weary kind" (Corazón salvaje)

Mejor dirección artística
Avatar
Nine
La reina Victoria
Sherlock Holmes
El imaginario del doctor Parnasus

Mejor maquillaje
Il divo
Star Trek
La reina Victoria

Mejores efectos visuales
Avatar
District 9
Star Trek

Mejor sonido
Avatar
En tierra hostil
Malditos bastardos
Star Trek
Transformers 2: la venganza de los caídos

Mejor montaje de sonido
Avatar
En tierra hostil
Malditos bastardos
Star Trek
Up

Mejor cortometraje de ficción
The door
Instead of Abracadabra
Kavi
Miracle Fish
The new tenants

Mejor cortometraje documental
China's unnatural disaster
The last campaign of gobernor Booth Gardner
The last truck
Music by prudence
Rabbit à la Berlin

Mejor cortometraje de animación
French roast
Granny O'Grims's sleeping beauty
La dama y la muerte
Logorama
A mater of loaf and death

Para más información pinchar aquí

2008: El sueño hindú

2010-03-07T13:01:00.015+01:00

SLUMDOG MILLIONAIRE

Título original: Slumdog millionaire

Año: 2008

País: EE.UU.

Duración: 115 min.

Fecha de estreno en España: 13 de febrero de 2009

Director: Danny Boyle

Guión: Simon Beaufoy, según la novela "¿Quién quiere ser millonario?" de Vikas Swarup

Música: A. R. Ahrman

Montaje: Chris Dickens

Fotografía: Anthony Dod Mantle

Productor: Christian Colson

Compañía: Pathé/Film 4/Celador Films

Intérpretes: Dev Patel, Freida Pinto, Madhur Mittal, Anil Kapoor, Irrfan Khan, Mia Drake et al.

Ganadora de 8 Oscar: película, director, guión adaptado, montaje, fotografía, música, canción, sonido

Jamal es un chico criado en las barriadas de Bombai que está concursando en la edición hindú de ¿Quién quiere ser millonario? Contra todo pronóstico le está yendo muy bien, demasiado bien para un chaval analfabeto. Por eso, el día antes de estar a punto de contestar la última pregunta del concurso, es detenido, pues creen que está haciendo trampas. En la comisaría, Jamal contará al jefe de policía la historia de su vida, pues encierra las claves de por qué un chico sin cultura conoce la respuestas del concurso.

Y llegamos a la última película de este reto, la ganadora del Oscar a la mejor película en la edición del 2009. Al ser un filme tan reciente, ya hay una crítica en este blog, pero las reglas son las reglas, por lo que me la he vuelto a ver y ahora estoy aquí, escribiendo su crítica. Creía que con el paso del tiempo cambiaría mi opinión sobre la película, y en cierto modo lo ha hecho: ha pasado de ser una mierda absoluta a simplemente una película decente que acaba por ser destrozada.

"Slumdog Millionaire", que es la película en cuestión, fue la flamante triunfadora de los Oscar del año pasado, consiguiendo el mismo número de estatuillas que "La ley del silencio", "De aquí a la eternidad" o "Amadeus", lo que se define como un insulto al cine y al buen gusto. Pero es que esta película sobre unos pobrecitos niños hindúes conmovió al público e incomprensiblemente a la crítica, rompiendo la racha de no más de 4 premios de los anteriores filmes, iniciado por los 11 oscars de "El retorno del rey". Con ello se supone que querían premiar el típico sueño americano, pero vivido por unos niños indios, en una película que empieza muy muy bien, pero acaba muy muy muy mal.

La película está contada a base de flashbacks y saltos temporales, que cuentan tres bloques: el pasado lejano, cuando Jamal era un crío; el pasado inmediato, el concurso de televisión y el presente, cuando Jamal declara en la comisaría. El filme va saltando de una historia a otra muy agilmente, engarzando las partes de forma precisa y fluida, amenizando la narración. La fotografía es otro punto fuerte del filme, llena de claroscuros pero también luminosa y muy bella en general. Pero tiene un colorido demasiado extraño, que junto a la fenomenal música y ambientación, dotan al filme de un tono erótico festivo un tanto extraño. Las interpretaciones tampoco es que sean gran cosa. Los niños no lo hacen demasiado mal (ni demasiado bien) pero son una ricura y, al fin y al cabo, son niños, no vamos a exigirles el Jake LaMotta de De Niro. El único que destaca en este aspecto, siendo lo mejor de la película, es el actor que hace de presentador. Genio y figura.

Del guión decir que no está mal. Parte de una idea muy original, pero el desarrollo de los acontecimientos es poco creíble. No me refiero a los sucesos que marcan la vida de Jamal, perfectamente verosímiles, sino a los sucesos que le hacen conocer las respuestas, como que un niño ciego, analfabeto como él sepa perfectamente cómo es Benjamin Franklin, cuando incluso yo tengo dificultades para reconocerlo. O que conozca que Colt fue el creador del revolver sólo porque su hermano le apunte con un arma de ese tipo y pronuncie su modelo. Si al menos hubiera jugado al Trivial, donde hay una pregunta al respecto, sería comprensible, pero ni esas. Sin embargo, le damos un voto de confianza a Boyle y nos creemos lo que le cuenta, pues la vida puede estar llena de casualidades que, aunque sean difíciles de creer, son verosímiles.

Pero todo empeora cuando Jamal se hace mayor y alcanza la edad del presente. Es en esa parte en la que el film alcanza unas cotas de ridiculez realmente vergonzosas. A partir de aquí, Jamal conoce el amor (¡oh, que bonito!), iniciándose así un romance que estropea la película, no porque sea ñoño, sino porque es totalmente efectista e insulso. En este momento, a Boyle no le interesan los acontecimientos, sino que el amor triunfe sobre todas las cosas, dejando de un lado la verosimilitud en pos del romance. Así tenemos algunas escenas que rozan el mal gusto, como Latika corriendo hacia su enamorado con la música del programa de fondo (¿dónde ha aprendido cine Danny Boyle, Dios mío?), o el baile que se marcan al final.

Pero la gota que colma al vaso es la pregunta del final. A lo largo de casi dos horas Jamal ha demostrado a todo el país que conoce cosas como que Colt inventó el revolver, que no se quién hizo no se qué canción y que no se cual jugador hizo no se cuantas carreras jugando al cricket, pero no se les ocurre otra cosa a los del programa que preguntarle una cosa que lo sabría hasta un niño de primaria. Es como si a un estudiante de matemáticas le preguntas en el ultimo examen para sacarse la carrera, cuánto es 2 + 2. Vale, Jamal es un analfabeto y en teoría será lógico que no supiera una pregunta de literatura, por cierto, bastante predecible. Pero si ha demostrado saber cosas casi imposibles, ¿por qué se le hace esa pregunta? ¿acaso los del programa querían regalarle el dinero? En fin, que eso, aunque hagamos un esfuerzo sobrehumano para creérnoslo, no podemos hacerlo, con lo que ese voto de confianza que le dimos al director y al guionista desaparece y todo lo anterior se convierte en basura. Dejamos de creernos lo de Franklin, lo de Colt, lo del cantante, e incluso la primera pregunta, y nos damos cuenta de que todo ha sido una mera patraña, completamente absurda, hilvanada forzosamente para conducirnos a la conclusión de la historia, lo único que importaba en toda la película: el romance entre Jamal y Latika.

Así que, después de un montaje muy bueno, una fotografía muy currada y una ambientación muy bien hecha, que conforman un film que apuntaba maneras, toda la parte del final lo destroza sin compasión, convirtiéndola en una película insulsa, hecha para el público menos exigente, que busca historias bonitas sin importarle la credibilidad de lo que se cuenta. Mucha gente se defendía diciendo que la película es muy bonita y que les ha gustado mucho, pero que te guste una película no quiere decir obligatoriamente que sea buena (a mí me encantó "Moulin Rouge" y es una bazofia). Por eso, existiendo películas tan geniales como "El curioso caso de Benjamin Button", incomprendida por ser muy deprimente y muy larga (absurda manía esta) o películas tan serias como "El desafío: Frost contra Nixon", lo más decente que ha hecho Ron Howard, o "El lector", no se comprende cómo pudo ganar. Si tenemos en cuenta que ese año se estrenaron dos de las mejores películas de todos los tiempos, léase "El caballero oscuro" y "Wall-E", pero que no fueron nominadas a mejor película, se puede deducir el pésimo criterio de los Académicos en esta última edición de los premios Oscar, criterio que parece va a continuar en la siguiente edición, que se realiza esta noche, donde el mito de "Pocahontas" y "Bailando con lobos", pero en ciencia ficción y con muñequitos azules, va a arrasar con todo. C'est la vie.

2007: Toma el dinero y corre

2010-03-06T10:00:00.003+01:00

NO ES PAÍS PARA VIEJOS

Título original: No country for old men

Año: 2007

País: EE.UU.

Duración: 117 min.

Fecha de estreno en España: 8 de febrero de 2008

Director: Ethan y Joel Coen

Guión: Ethan y Joel Coen, según la novela homónima de Cormac McCarthy

Música: Carter Burwell

Montaje: Roderick Jaynes

Fotografía: Roger Deakins

Productores: Ethan Coen, Joel Coen y Scott Rudin

Compañía: Paramount Vantage/Miramax Films

Intérpretes: Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Josh Brolin, Kelly Macdonald, Woody Harrelson, Stephen Root, Garret Dillahunt et al.

Ganadora de 4 Oscar: película, director, guión adaptado, actor secundario

Llewelyn Moss es un cazador de Texas que se encuentra en mitad del desierto, los restos de una brutal matanza entre narcotraficantes. Cadáveres por el suelo, casquillos de bala, drogas... y el trastro del único superviviente del grupo. Llewelyn lo sigue, hasta topar con el cadaver de un hombre que tiene en posesión un maletín lleno de dinero, el cual se lleva sin pensárselo dos veces. Peor cuando todo parecía solucionado, Llewelyn empieza a ser perseguido por Antón Chigurh, un despiadado asesino contratado para conseguir el dinero.

Lo bueno que tiene el cine en casa es que te permite ver una película las veces que quieras. Eso es muy importante, pues no siempre el primer visionado de una película es satisfactorio y puedes descubrir nuevas cosas posteriormente. Así, una película que te pareció mala en su momento te puede parecer buena viéndola por segunda vez, o viceversa. Con el caso de "No es país para viejos" he legado a las mismas conclusiones que la primera vez: es una película bastante buena. Sin embargo, introduciéndola en el contexto del reto, comparándola con el resto de filmes que han ganado el Oscar, no es más que un thriller del montón, salvo por una excepción que todos conocemos.

Siguiendo la manía de la Academia de zanjar cuentas pendientes, iniciada con Clint Eastwood y continuada con Martin Scorsese, esta vez le tocaba el turno a los hermanos Coen, genios del cine actual, autores de esa maravilla titulada "Muerte entre las flores". Como suele ser normal en estos casos, la película premiada no suele ser la mejor del realizador en cuestión, sino un filme un tanto impersonal y más asequible al público medio. Y esto se ve en "No es país para viejos". Le falta la frescura de "Fargo" y también sus personajes estrambóticos que podíamos contar a pares, ya sean en dramas o en comedias. Aquí sólo tenemos al personaje de Cigurh, interpretado de forma sensacional por Javier Bardem. Él es lo mejor de la película, la única razón por la que merece la pena esta película.

Y es que "No es país para viejos" es un thriller del montón. Ni hace vibrar la sangre como en "French Connection" ni te mantiene en el sillón como "Infiltrados". Es un filme lento, muy lento, con grandes silencios y pausas que pueden llegar a cansar. Sin embargo, la primera hora de película se pasa volando. Es la segunda hora la que se hace más pesada, y eso que es la que más acción tiene, en unas secuencias genialmente rodadas y muy intensas, pero que paradójicamente mantienen ese tono pausado y sereno. Eso sí, a medida que se acerca el final, los Coen vuelven al experimentalismo, con un desenlace que recuerda al de "El silencio de los corderos" y con una escena final de esas que te quedas pensando "WTF?" toda la tarde.

Hay otros aspectos, como las interpretaciones del resto del reparto, la fotografía, el montaje o la música, que tampoco destacan demasiado, con lo que al final tenemos un thriller muy bien hecho pero que no es gran cosa. Mejores películas han hecho los Coen y mejores filmes han ganado el Oscar. "No es país para viejos" comienza siendo un thriller asequible, con una grandísima interpretación de Bardem y acaba de una forma un tanto extraña, que deja una sensación rara al espectador. Esta película no sólo hizo que los hermanos Coen ganaran el Oscar, sino que se convirtieran en los hermanos "Coin", pues desde entonces alcanzaron gran popularidad, lo que les ha permitido dirigir casi una película al año. Porque da igual lo que hagan, son unos directores de culto y por ende, tienen que molar. Ay, ¿qué se hicieron de esos directores capaces de crear una obra como "Miller's crossing"?

Quiniela y preferidos para los Oscar

2010-03-05T12:29:00.004+01:00

Vamos a hacer algo interactivo:

Quiénes creéis que ganarán y quiénes desearíais que ganaran (y a quiénes echáis de menos)

Yo:

Ganarán: The Hurt Locker (mejor peli)
Reitman (director)
Jeff Bridges (actor ppal)
Sandra Bullock (actriz ppal)
Woody Harrelson (actor reparto)
Vera Farmiga (actriz reparto)
Inglorious Basterds (Guión Original)
La Cinta Blanca (extranjera)
Avatar en todo lo demás.

Deseos: Inglorious Basterds (Mejor peli)
Reitman (director)
Clooney (actor ppal)
Cualquiera menos Sandra Bullock, pues la odio (actriz ppal)
No puedo decir un actor de reparto porque la mayoría de las pelis
Vera Farmiga (actriz reparto)
Inglorious Basterds (Guión Original)
El secreto de sus ojos (extranjera)

Echo de menos: "500 days of summer" no ha sido nominada para nada y echo de más "Invictus" que me pareció un bodrio.