Los futuros estrenos del 2012

¡Hola gentecilla! ¿Me echabais de menos? Tantos meses de ausencia se deben a otros asuntos importantes como los estudios o, simplemente, la pereza a la hora de escribir. Y también, por qué no decirlo, a la falta de estrenos interesantes, que no merecen ser comentados aquí. La verdad es que este 2011 ha venido muy flojito. Los blockbusters no han arrasado ni la película de animación de Pixar ha sido tan genial como nos tienen acostumbrados. Tan solo "El árbol de la vida", "Nostalgia" y "The artist", películas con una clara desviación de los estándares del público convencional, parecen ser los mejores filmes del año. Pero es que parece que con eso de que se acaba el mundo, en 2012 se van a concentrar todos los mayores blockbusters que podamos ver: esperadísimas películas de superhéroes, una megaproducción sobre unos seres muy pequeñitos y un par de estrenos más, un musical y una peli de animación que, aunque no está garantizado su éxito, no dudo en que arrasarán el año que viene, tanto en taquilla como en crítica. ¿Tenéis la agenda a mano? ¿Sí? Pues empezamos.

LOS VENGADORES (4 de mayo de 2012)

Género: Acción, Superhéroes

Director: Joss Wheddon

Intérpretes: Robert Downay Jr., Chris Hemsworth, Chris Evans, Mark Ruffalo, Scarlett Johansson, Samuel L. Jackson, Tom Hiddelston, Stelan Skaarsgard et al.

El macroproyecto con el que Marvel Studios nos viene torturando desde hace años, cristalizará después del vendaval de los Oscars y en pleno puente del 2 de mayo estrenará la primera parte (porque seguramente haya una segunda o una tercera película) de "Los Vengadores", el mejor grupo de superhéroes de la historia del cómic después de El Supergrupo. En ella, Thor, Ironman, Hulk y El Capitán América, acompañados de Ojo de Halcón y Viuda Negra y comandados por Nick Furia deberán parar los pies a Loki, que está disfrutando como un niño en la Tierra haciendo de las suyas. A saber la que ha montado para que ninguno de los cuatro superhéroes pueda vencerle por separado y deban juntarse. Aunque no creo que hagan falta 6 superhombres para vencer al malo, sólo con uno, grande y verde, es suficiente. Como dice Tony Stark en uno de los footages emitidos en una famosa convención: "tú tienes un ejército, pero nosotros tenemos a Hulk".

THE AMAZING SPIDER-MAN (3 de julio de 2012)

Género: Acción, superhéroes

Director: Mark Webb

Intérpretes: Andrew Garfield, Emma Stone, Reese Ifans, Martin Sheen, Sally Field et al.

Tras ese engendro que se llamaba "Spiderman 3", los de Marvel decidieron hacer un lavado de cara (reinicio que se suele llamar) comenzando de nuevo la franquicia con esta "The Amazing Spiderman". Con algunos cambios más realistas, como unos lanzatelarañas artificiales, y otros más polémicos, como un Spiderman más escuálido y unos balanceos, digamos, menos arácnidos y más humanos, Spidey deberá enfrentarse esta vez a El Lagarto, el álter ego del Dr. Curt Connors, doctor experto en biogénica que experimenta en sí mismo sus hallazgos en esta ciencia para reestablecer su brazo amputado. Pero se le complica la tarde y se le va la cosa de las manos. No me entusiasma mucho esta película, qué queréis que os diga, pero parece interesante y bastante más fiel al espíritu de los cómics y de la fabulosa serie de los 90.

EL CABALLERO OSCURO: LA LEYENDA RENACE (26 de julio de 2012)

Género: Acción/Superhéroes

Director: Christopher Nolan

Intérpretes: Christian Bale, Tom Hardy, Michael Caine, Ann Hathaway, Marion Cotillard, Joseph Gordon-Levitt, Morgan Freeman, Gary Oldman et al.

Sin duda, el estreno más esperado del año que viene por varios motivos: a parte de su descomunal reparto, está dirigida por Nolan, uno de los cineastas más en forma actualmente, y más viendo lo que ha hecho en las dos anteriores entregas con un fantástico superhéroe que estaba en el olvido. A Chris Nolan no le da miedo nada y la incursión de Bane, lo verdaderamente importante en la película, hace que todos los conocedores de la historia de este supervillano, el único que pudo quebrar al murciélago, intuyamos el final del último capítulo de esta trilogía. ¿Veremos la muerte de un superhéroe por primera vez en la historia del cine?

PD: La de Rorschach no cuenta.

LOS MISERABLES (7 de diciembre de 2012)

Género: Drama/Musical

Director: Tom Hooper

Intérpretes: Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Helena Bonham Carter et al.

En octubre del año pasado se cumplieron 25 años desde su estreno en Broadway y en 2012 al fin veremos en el cine uno de los más espectaculares musicales de todos los tiempos. "Los miserables" está basado en la novela homónima de Victor Hugo, que narra la vida de Jean Valjean, un convicto en busca de la redención y del inspector de policía que le perseguirá durante años, mostrando al mismo tiempo los sucesos de las revueltas en Francia tras las guerras napoleónicas. La dificultad de llevar un proyecto como este (casi tres horas de las cuales la mayor parte son totalmente cantadas), que el estilo actual de los musicales, tipo "Chicago" o "Cabaret", no encajan con la obra y que hace décadas que no se realiza un musical a la antigua usanza (el último de ese estilo que recuerdo es "Oliver!", de Carol Reed), a parte de la poca aceptación que tiene el público y lo puntillosos que son los críticos con este género, así como la presión de los fans (no es un musical cualquiera), hacen que este proyecto no parta con muy buenas perspectivas. Pero el curioso reparto y el simple hecho de escuchar la partitura de Claude-Michel Schönberg merece muchísimo la pena. ¿Se colará en los Oscar el año que viene?

EL HOBBIT: UN VIAJE INESPERADO (14 de diciembre de 2012)

Género: Fantasía/Aventuras

Director: Peter Jackson

Intérpretes: Martin Freeman, Ian MacKellen, Richard Ardmitach, Christopher Lee, Cate Blanchett, Hugo Weaving, Andy Serkis, Ian Holm, Elillah Wood, Evangeline Lilly et al.

El largamente esperado estreno (nos tienen 11 años con las ganas) de la precuela de "El señor de los anillos", aunque realmente es un spin off de "El Hobbit", será una semana antes del fin del mundo, el último viernes normal de nuestras vidas. Así, como el día 21 la gente estará dedicada a otros menesteres, como despedirse de sus familiares o saquear tiendas de ultramarinos, pues se estrena el 14 y por lo menos hay un fin de semana completo para recuperar el dinero invertido. La película, rodada en 3D, en 7Kb, en 48 fps, panavisión, tecnicolor y demás cosas, nos devuelve la historia de Bilbo Bolsón, el tío de Frodo Bolsón, y de cómo 12 enanos y un mago le sacaron de su cómodo agujero-hobbit para vencer a un malvado dragón escupefuego más rico que el tío Gilito. Como se han leído el manual 3.5 del D&D saben que necesitaban un pícaro mediano para hacer la misión. Esta voy a ir a verla aunque sea lo último que haga. Un momento ¡probablemente sea lo último que haga!

PORCO ROSSO: THE LAST SORTIE (algún mes del 2012)

Género: Aniamción/Aventuras

Director: Hayao Miyazaki

Intérpretes: sin confirmar

No sé vosotros, pero una película de Miyazaki siempre es uno de los estrenos más esperados del año y uno de los pocos que aseguren calidad. La nueva película del director japonés será una secuela de la que para mí es su mejor película: "Porco Rosso". Si ya de por sí, el director y la película que la precede son motivos suficientes para verla, hay otro atractivo más, especialmente para el público español, y es que lo poco que se sabe del argumento es que la película se desarrollará durante la guerra civil española. ¿Dibujará a las españolas altas, corpulentas y con busto generoso, como suele ser habitual? No lo sé, pero esta no me la pierdo.

Homenaje a la tradición

PONYO EN EL ACANTILADO

Título original: Gake no ue no Ponyo
Año: 2008
País: Japón
Duración:100 min.
Fecha de estreno en España: 24 de abril de 2009
Director: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki
Música: Joe Hisaishi
Montaje: Hayao Miyazaki y Takeshi Seyama
Fotografía: Atsushi Okui
Productor: Toshio Suzuki
Compañía: Studio Ghibli
Intérpretes: (Voces V.O.) Yuria Nara, Hiroki Doi, Jôji Tokoro, Tomoko Yamaguchi, Yuki Amami et al.

Sasuke es un niño de unos 4 años que vive en lo alto de un acantilado de un pequeño pueblo costero. Una mañana se encuentra un pequeño pez rojo dentro de un bote, al que libera se lo lleva a casa, haciéndose amigos al instante. Lo que Sasuke o sabe es que Ponyo, que así se llama el pez, realmente es una sirena con poderes mágicos y tras lamer una herida de Sasuke, adquiere la cualidad de transformarse en humana. Ahora Ponyo quiere convertirse en una niña de verdad y vivir junto a Ponyo, pero eso llevaría el mundo a la destrucción. La única solución es desprenderse de su magia y convertirse en humana, algo que a su padre, Fujimata, no le gusta nada y deberá evitarlo a toda costa.

Nos habíamos quedado en "El castillo ambulante", la última película de Miyazaki tras su mayor éxito cinematográfico. Sin embargo, la película decepciona por su falta de ritmo y la importante incursión de animación por ordenador, alejándose de su amor por la animación tradicional. Un año antes, en 2007, su hijo, Goro Miyazaki, con el que se rumoreaba tenían una pésima relación, estrenó la decepcionante "Cuentos de Terramar". Todas estas cosas hicieron que Hayao Miyazaki se dedicara de lleno en su nueva película, un filme muy personal, que supondría todo lo contrario de lo que fue "El castillo ambulante" y que dedicaría a su hijo, quizá como reconciliación. Así nació la fascinante "Ponyo en el acantilado".

Como he comentado, uno de los aspectos más negativos de "El castillo ambulante" fue el uso de animación 3D para el movimiento de los personajes y el uso de algunos paisajes. Quizá por esto, Miyazaki dio la orden expresa de que el estilo visual de la película fuera exactamente igual a sus bocetos pintados con acuarelas. Así, uno de los sellos distintivos de "Ponyo en el acantilado" es su primitiva animación, en la que algunos aspectos, como el agua salpicando o las olas, parecen simples bocetos, cuando en sus anteriores trabajos le hemos visto animarla con soltura. Asimismo, los colores azules y rosas son los predominantes durante toda la película, con algunas variaciones como el amarillo en muy pequeñas dosis. Esto dota a la película de un estilo visual sumamente extraño, cautivador, similar a los dibujos que hacen los niños o a los cuentos infantiles. Recuerda en algunos aspectos, por poner alguna referencia cinematográfica, a la película "Mis vecinos los Yamada" de su amigo Isao Takahata.

Esta fiebre tradicionalista en la animación no es la única llamada de atención a los espectadores que creían que se había perdido la esencia de Miyazaki. También el director deja muestras de su imperecedero sentido del ritmo narrativo, llenado una vez más al película de momentos de acción y de dramatismo elegantemente unidas. Pero aunque las escenas de acción, absolutamente impactantes (como la de Ponyo corriendo sobre el mar, una de mis escenas favoritas de toda su filmografía), el tono místico de la ambientación dota a las escenas dramáticas de un lirismo mágico absolutamente maravilloso. Y es que todo el argumento que se desarrolla en el mar, es decir, la vida de Fujimoto, un humano casado con una diosa del mar, lo que le ha hecho perder su condición de humano y odiar a los de su género, es maravillosa. Las imágenes que ilustran toda esta parte de la película son fabulosas, gracias en parte a la asombrosa banda sonora de Joe Hisaishi, para mí, el mejor trabajo de todos los que ha hecho con Miyazaki hasta la fecha. Vuelve a cumplirse la norma de que aquellas películas más infantiles del director tienen una banda sonora extraordinaria. En esta ocasión, temas como el de la introducción o "Mother of the sea", el impresioante tema de los títulos de crédito iniciales, así como el de las señales de luz o el de la ya mencionada escena de Ponyo corriendo sobre las olas, hacen de la banda sonora de "Ponyo en el acantilado" un gozada para el oído.

Pero hay algo de esta película que la hace muy especial para mí: el trato explícito a la geología. Miyazaki ya emplea este aspecto en muchas otras películas, dotando a sus monstruos de un claro aspecto paleontológico. De hecho, en el museo Ghibli hay una pequeña representación de un trilobites. Y es que Miyazaki ve en esta ciencia la esencia de la naturaleza pura y dura, la historia de un mundo reinado por los animales y las plantas, sin la aparición del ser humano destructor. Y posiblemente por esta catarsis del director, que le ha hecho llevar al extremo su estilo, es por el que en "Ponyo en el acantilado" hay alusiones explícitas a esta ciencia. Por ejemplo, en la guarida de Fujimoto aparece escrita la palabra Pangea, el supercontinente que reinó el planeta hará unos 300 millones de años, y posteriormente afirma: "Cuando este pozo esté lleno volveremos a la edad Cámbrica". Desgraciadamente, sólo algunos elegidos podemos entender el significado de esa frase, de esta y de la que pronuncia la madre de Ponyo, comparando la tranquilidad del océano con "el mar del Devónico". La catarsis llega al final, que no desvelaré, pero en el que dos niños de 5 años se saben nombres de animales prehistóricos que un estudiante de geología de veintitantos ni siquiera conoce, lo que deja en ridículo a más de uno.

Así que, resumiendo, se puede decir que Miyazaki vuelve a ser el mismo con "Ponyo en el acantilado", una declaración de intenciones para hacer ver a sus fans que no ha cambiado ni un ápice su forma de hacer cine. Forma una película fabulosa, muy interesante en el especto visual y mucho más compleja de lo que parece en el argumento. Un filme elegante a la par que divertido y emocionante, lleno de ritmo en las escenas de acción y una irresistible magia en las escenas más dramáticas. Una película que encantará a los más pequeños y que los adultos verán con la boca abierta. Impagable canción del final, un poco destrozada en la versión española, pero igual de pegadiza. Una auténtica gozada.

Me quedo con el Cinexin

SUPER 8

Título original: Super 8

Año: 2011

País: EE.UU.

Duración: 110 min.

Fecha de estreno en España: 19 de agosto de 2011

Director: J. J. Abraham

Guión: J. J. Abraham

Música: Michael Giaccino

Montaje: Maryann Brandon y Mary Jo Markey

Fotografía: Larry Fong

Productores: J. J. Abrahams, Bryan Burk y Steven Spielberg

Compañía: Paramount Pictures/Amblin Entertainment

Intérpretes: Joel Courtney, Elle Fanning, Riley Griffiths, Rian Lee, Gabriel Basso, Zach Mills, Kile Chandler et al.

Joe es un chaval que acaba de perder a su madre y al que le encantan las miniaturas. Trabaja de maquillador, maquetista y editor de sonido en la película de su mejor amigo Charles, una producción casera de zombies que rueda en su cámara super 8. Una noche, mientras ruedan una escena en la estación, presencian un brutal accidente entre un coche y un tren del que salen ilesos. Sin embargo, a partir de esa noche, comienzan a ocurrir cosas extrañas en el pueblo donde viven: el ejército acordona la zona, desaparecen electrodomésticos y algún ente misterioso está haciendo que varios ciudadanos desaparezcan...

Definitivamente, vuelven los 80. Tengo un amigo que no paraba de repetírmelo en clase, pero ya me estaba dando cuenta de ello: vuelven grupos anteriormente disueltos, proliferan las producciones cinematográficas sobre míticos cómics de la década... Quizá sea porque muchos que por aquel entonces se criaron con Regreso al futuro, Star Wars o Indiana Jones ahora rondan los 40 o 50. Y entre estos muchachos está J. J. Abrahams, creador de la mítica serie "Perdidos" y director de la fabulosa "Star Treck: el futuro comienza", el cual, quizá movido por la nostalgia, decidió realizar una película a la antigua usanza, como las que veía cuando era un niño: un filme de acción protagonizado por niños y con una temática extraterrestre. Así nació este homenaje al cine ochentero llamado "Super 8".

Y es esto lo realmente bueno de la película, pues da la sensación de volver atrás en el tiempo y estar viendo algo parecido a "Los Goonies" pero en el cine. Hemos visto muchas películas protagonizadas por niños en los últimos años, pero todas eran de fantasía o simples películas de carácter infantil. Esas pelis de aventuras, casi de terror, en el que los protas no llegaban a los 16 años ya no se recuerdan y eso es lo que nos brinda Abrahams en su nuevo trabajo. Pero no es la nostalgia lo único que inunda la película, pues el director conoce perfectamente el lenguaje cinematográfico de la época y logra conmover y atrapar al espectador sin a penas esfuerzo, posiblemente por la cantidad de veces que haya visto esas películas clásicas que antes mencionaba. De hecho, la escena del autobús del final recuerda sospechosamente a aquella otra del tiranosaurio de "Parque Jurásico", en la que juega con los nietos de Hammond en el coche.

Sin embargo, hay algo que merece un reproche de la película, su principal fallo: está cogida con alfileres. Algunas situaciones de la película son completamente inverosímiles o simplemente muy poco probables de ocurrir en la realidad. Por ejemplo SPOILER: es muy casual que en un accidente de tal magnitud como el del tren (dejemos de lado que un simple coche provoque tal descarrilamiento), en el que los vagones de varias toneladas queden arrugados como plastilina, que una furgoneta acabe estrujada por la mitad, el coche de los protas quede absolutamente intacto pues, de lo contrario, no podrían huir y la película se acabaría antes.O tampoco lo del final, en el que una máquina electromagnética, hecha con meteriales terrestres y basado, supuestamente, en las leyes físicas de la Tierra, sea capaz de atraer magnéticamente lo que le de la gana, pues si atrae las armas de los militares ¿por qué hay algunos que siguen con ellas? Si algunos coches sufren el magnetismo de la nave ¿por qué otros no? Si el cubo metálico que tiene el prota se mueve solo, ¿por qué necesita un imán tan potente para atraer a los demás? Pues para que todo quede más bonito y más emocionante para el final, como la edulcorada escena del collar. FIN DEL SPOILER. Así que Abrahams se saca algunas cosas de la manga, cosas fundamentales para el transcurso de la película, haciendo que los sucesos sean inverosímiles o treméndamente casuales.

No es sólo en el guión en el que Abrahams no está demasiado sembrado. Otros apartados, como la música, tampoco son maravillosos. Michael Giaccino, compositor en alza en Hollywood en los últimos años y que colaboró con Abrahams haciendo la música de "Lost", logra una partitura muy eficaz y muy sonora, pero que no es de esas que se te quedan en la retina, como sí ocurría con películas como "E.T." y compañía. ILM, como siempre, está sembrado, sin embargo, mover millones y millones de piezas metálicas lo llevan haciendo durante las 3 películas de Transformers y el bicho en cuestión se asemeja bastante a uno de los monstruos del circo de Geonosis del final de "El ataque d los clones", así que, a pesar de la calidad, no es nada nuevo. Lo único que aporta algo de frescura, a parte de retomar un tipo de cine perdido, es el quinteto infantil protagonista. Los chicos están realmente bien, sus caracteres están bien delimitados, perimitiendo que nos identifiquemos con ellos al instante. Son los que sustentan la película, concretamente el protagonista, Joel Courtney, que realiza un gran papel.

Así que, como conclusión, decir que "Super 8" es una buena película, especialmente para los amantes del cine de ciencia ficción y de acción infantil de la década de los 80. Es como ver una versión renovada de "Los Goonies". Pero parece ser que el director quería sacar adelante la película a toda costa, sin importarle el modo, y se ha sacado de la manga algunas cosas poco verosímiles. Si a eso le sumamos una música decente y nos efectos visuales sobresalientes pero que no impresionan, tenemos una película bastante buena que demuestra que éxitos como "E.T.", "Regreso al futuro" y demás no son fruto únicamente del talento, sino que la genialidad de Spielberg, Zemeckis o Lucas estaba detrás de ellos. Se podrá recuperar el tipo de cine, se podrá recuperar la magia y la narración, pero sólo el genio puede crear películas inolvidables y esta "Super 8" no lo es.

PD: Atentos a los detalles frikis del cuarto del protagonista, como una maqueta del TIE Fighter de Darth Vader o una lámina de la portada del primer número de los cómics de Batman. Y atentos también al impagable cortometraje completo durante los créditos. Lo mejor de toda la película.

El Miyazaki más flojo

EL CASTILLO AMBULANTE

Título original: Hauru no ugoku shiro

Año: 2004

País: Japón

Duración: 114 min.

Fecha de estreno en España: 3 de marzo de 206

Director: Hayao Miyazaki

Guión: Hayao Miyazaki, según la novela homónima de Diana Wynne Jones

Música: Joe Hisaishi

Montaje: Takeshi Seyama

Fotografía: Atushi Okui

Productor: Toshio Suzuki

Compañía: Studio Ghibli/Tokuma Shoten/Buenavista Home Entertainment

Intérpretes: (Voces V.O..) Chieko Baisho, Takuya Kimura, Akihiro Miwa, Tatsuya Gashuin, Ryunosuke Kamiki, Mitsunori Isaki, Yo Oizumi et al.

Sophie es una joven que trabaja en una sombrerería. Una mañana sale a la calle y conoce a un misterioso hombre, que resulta ser Howl, el mago que había en el famosísimo castillo ambulante. Esa misma noche, recibe la visita de la bruja del páramo, l cual echa a Sophie una maldición: hace que por el día se convierta en una anciana y no podrá decir nada de lo que le ha pasado. La muchacha deberá entonces huir, yendo a parar al castillo ambulante de Howl.

Tres años después del estreno de su gran obra maestra, Miyazaki regresaba a las pantallas convertido en un referente de la animación mundial y su expectación era máxima. Años antes se había firmado un contrato en el que Pixar, la compañía de animación que estaba despuntanto por aquel entonces (no olvidemos que "Buscando a Nemo" es un año posterior a Chihiro), tendría los derechos de explotación de las películas de Miyazaki en EE.UU., de tal forma que sus trabajos alcanzaran la difusión que merecían en el resto de mundo. Esta relación, a parte de algún que otro homenaje (en "Toy Story 3"aparece un peluche de Totoro), propició que se generaran por ordenador algunas de las animaciones de la película. Esto, desde mi punto de vista, me parece un grave error, pues una de las señas de identidad del cine de Miyazaki es su pureza y el amor absoluto por el cine de animación tradicional en 2D. Y es que, aunque ya se intuían algunos efectos (muy pocos) en "El viaje de Chihiro", en "El castillo ambulante" es un recurso recurrente y bastante llamativo. Y estoy de acuerdo en que queda bien y que se ahorrarían mucho trabajo animando el castillo por ordenador, pero no parece una película que guarde la esencia de Miyazaki.

Pero no sólo estéticamente la película parece fuera de lugar, sino que narrativamente es un filme que deja mucho que desear. Quizá sea por ser la única película del director basada en un tema ajeno a él, en este caso una novela de Diana Wynne Jones que no he tenido el gusto de leer, que la película no tiene el ritmo ni la intensidad que otros trabajos de Miyazaki. En su cine se ve claramente un equilibrio entre acción y drama, entre escenas míticas llenas de intensidad y partes más relajadas. Pero en "El castillo ambulante" ese ritmo desaparece, con lo que tenemos un film tremendamente lento, que puede llegar a aburrir en algunos aspectos y que no llega a maravillar salvo en algunos pequeños momentos del inicio, como a escena en la que Howl y Sophie andan por el aire. Aunque esa grandeza se debe más a la partitura de Hisaishi, fenomenal una vez más, que a la maestría del director.

Y sí, la película tiene los mismos temas, estilo y argumento que todas las demás películas anteriores, pero da la impresión de que "El castillo ambulante" es una película realizada por mero trámite, como una especie de encargo de Pixar, pues la desgana que se ve a lo largo de la película es alarmante. Hay filmes de Miyazaki más largos y más intensos que esta, su peor película hasta el momento. La acción es tan lenta que parece que ha llegado el final, tanto por el ritmo como por la historia (van a ver a la mala de turno), pero te das cuenta de que no ha pasado más que una hora. He llegado a desear fervientemente que acabara, algo que nunca me había pasado con un filme de Miyazaki. Afortunadamente, años después cambiaría radicalmente con uno de sus más entrañables y mejores trabajos de su filmografía: una versión muy personal sobre la Sirenita como muestra de amor a su hijo.

Cómo molas Aronofsky

CISNE NEGRO

Título original: Black swan

Año: 2010

País: EE.UU.

Duración: 108 min.

Fecha de estreno en España: 18 de febrero de 2011

Director: Darren Aronofsky

Guión: John McLaughlin, Andrés Heinz y Mark Heiman

Música: Clint Mansell

Montaje: Andrew Weisblum

Fotografía: Matthew Libatique

Productores: Scott Franklin, Mike Medavoy, Arnold Messer y Brian Oliver

Compañía: Fox Seachlight Pictures/Protozoa/Phoenix Pictures

Intérpretes: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Winona Ryder, Barbara Hershey, Christopher Gartin, Sebastian Stan et al.

Nina es una joven que trabaja en una compañía de balé. Este año van a representar "El lago de los cisnes" y debido al retiro de la mejor bailarina de la compañía, necesitan a otra chica que interprete el papel protagonista. Ese papel es adjudicado para Nina, cuya dulzura y educación la hacen perfecta para el papel de cisne blanco. Pero el papel de cisne negro exige más osadía y sensualidad, algo de lo que Nina carece. Eso hace que la muchacha se obsesione con el papel hasta límites insospechados, sacrificando incluso su propio cuerpo y sin temor a crearse enemistades y destrozar su vida.

Sé de uno al que no le va a gustar esta crítica, pero si todos pensáramos lo mismo el mundo sería más aburrido. No sé si sería por las altas expectativas o por cualquier otra cosa, pero la cuestión es que "Cisne negro" me ha decepcionado. Con esto no quiero decir que sea una película mala, sino que no me ha gustado tanto como se suponía, teniendo en cuenta las maravillas que se hablan de ella. No me ha terminado de gustar del todo y creo que principalmente es porque Aronofsky, director que ni amo ni odio, ha debido pensar que somos gilipollas.

La cuestión es que el director te destripa la película desde el principio, haciendo que uno de los personajes te cuente el argumento (final incluido) de "El lago de los cisnes". No hay que ser muy listo para asimilar el argumento de ese balé con la historia de Nina, la protagonista, más que nada porque el título hace alusión a ello y porque, a los pocos minutos, vemos como la muchacha empieza a ver cosas extrañas como si se tratara de una peli de terror. El ambiente terrorífico está muy bien hecho por Aronofsky, pero sabemos que no es una película de terror adolescente, sino terror psicológico, lo que indica que la muchacha está un poquito mal de la cabeza. Si relacionamos eso con el argumento del balé, sabemos en a penas 15 minutos de metraje, qué está pasando y cómo va a acabar.

¿Entonces qué pasa con el resto de película? Pues no son más que un cúmulo de escenas llamativas, entre las que hay una arrancada de uña, un despellejamiento, una escena de sexo lésbico y varios intentos de masturbación femenina, así como drojas, alcohol y chunda chunda. Todo muy agradable y bonito. Serían imágenes interesantes si mantuvieran la incógnita o sirvieran para profundizar en el personaje, y aunque Nina evoluciona de forma radical a lo largo de la película, gracias principalmente a la inmensa labor de Natalie Portman, estas escenas son reiterativas, pues ya sabemos desde el principio lo que le pasa a la chavala.

En definitiva, un trabajo de Aronofsky hecho para sus fans que adoran sus birguerías: se despoja de la historia al principio para dedicarse el resto de la película a hacer cabriolas con la cámara, muy originales sí, pero sin sentido, y también a mostrar imágenes polémicas, como todo artista conceptual del siglo XXI, como diciendo "¡Eh, mirad lo que hago, soy un genio!". Una película que debía haber durado tan sólo media hora, lo que se tarda en contar la evolución del personaje y su desenlace, sin necesidad de marear la perdiz con tanta parafernalia. Eso sí, la Portman está fantástica y Mila Kunis es una diosa que ha bajado a la Tierra para que la veamos, eso no se puede negar.

Fantasía en estado puro

EL VIAJE DE CHIHIRO

Título original: Sen to Chihiro no kamikakushi

Año: 2001

País: Japón

Duración: 124 min.

Fecha de estreno en España: 18 de octubre de 2002

Director: Hayao Miyazaki

Guión: Hayao Miyazaki

Música: Joe Hisaishi

Montaje: Takeshi Seyama

Fotografía: Atsushi Okui

Productor: Toshio Suzuki

Compañía: Studio Ghibli

Intérpretes: (Voces V.O.) Rumi Hîragi, Miyu Irino, Mari Natsuki, Takashi Naitô, Yasuko Sawaguchi, Tatsuya Gashuin, Ryunosuke Kamiki, Yumi Tamai et al.

Chihiro es una niña que acaba de mudarse con sus padres a una nueva casa. Se pierden con el coche y acaban en una misteriosa ciudad medio abandonada en mitad del bosque. Mientras sus padres se atiborran a comida, la pequeña Chihiro se dedica a investigar, conociendo a un misterioso joven llamado Haku que le dice que huya. Al regresar a buscar a sus padres, Chihiro descubre que estos se han convertido en cerdos y por lo tanto, no puede volver a casa. Atrapada en un mundo mágico habitado por monstruos, sin sus padres padres y con la única ayuda de Haku, Chihiro deberá hace todo lo posible para devolver a sus padres su figura humana y regresar a casa. Pero con el tiempo descubrirá que la estancia en ese lugar no es casual y que allí se esconde algo relacionado con la infancia de Chihiro pero que no logra recordar.

Hace meses que no volvía a escribir en este blog. Es lo que tienen los exámenes, que a uno le traen por la calle de la amargura. Afortunadamente, un pequeño respiro (sí, todavía me quedan) ha hecho posible que pueda continuar con el ciclo de Hayao Miyazaki, con una película que tenía muchísimas ganas de volver a ver. Las anteriores veces que la vi o era demasiado pequeño para entenderla (aún todavía la entiendo mucho, todo hay que decirlo), o la vi por televisión con innumerables interrupciones, el mayor crimen de la televisión contra el cine y el mayor delito que se puede cometer con esta película. Me refiero a "El viaje de Chihiro", una de las mejores películas de todos los tiempos, y lo digo así, sin despeinarme. Eso sí, aunque no es la película que más me ha gustado de Miyazaki ("Porco Rosso" me sigue encandilando), sí es la más compleja, la más impresionante y si no es la mejor, que para mí lo es, al menos es de todas la más fascinante.

"El viaje de Chihiro" no es una película sencilla de ver. No se podría considerar una película para niños, pues no creo que la entiendieran. Y dudo incluso que muchos adultos entendieran algunas de las metáforas que aparecen en ella. Eso hace que muchos no disfruten la película en todo su esplendor y al finalizar la cinta acaben fascinados por el espectáculo contemplado, pero no les acabe de llenar completamente porque quizá no entendieran lo que ha dicho el director o, por lo menos, no han captado el mensaje en su totalidad. Pero en el fondo, cuando uno se dedica a reflexionar sobre el significado de tal o cual cosa, comprenderá la grandeza de la película, no sólo de su mensaje, sino de cómo Miyazaki ha montado todo el tinglado, en un derroche asombroso de fantasía, para contar un tema que ya ha sido tratado por el director japonés, pero que en esta ocasión profundiza aún más en él.

La pelícla comienza mostrándonos a Chihiro con sus padres viajando a su nueva cada. Es una mudanza y, por tanto, el fional de un periodo de tu vida y el inicio de otra, el tema fundamental de la película. Notamos que a Chihiro no le gusta, y notamos su angustia a lo largo de la película. La casa de baños representa, en cierto modo, la infancia. Para Miyazaki, la infancia es imaginación, magia, fantasía, y toda esa fantasía que aparece en la película hace referencia a esta etapa de la vida. Por eso, cuando los padres de Chihiro se convierten en cerdos (ya exploqué el significado del cerdo en la cultura nipona en la crítica de Porco Rosso), es porque son adultos y no tienen imaginación. La casa de baños está estructurada por pisos y el último piso es el inicio del final del viaje, como si significara la última etapa de la vida infantil. Quizá por eso el personaje de la bruja sea tan malvado: es un adulto en un mundo infantil.

Pero la clave de toda la película está en el tren. La idea del viaje sin retorno está claro que se refiere al paso a la vida adulta. En la hermosa secuencia del viaje en el tren vemos a los adultos, como si fueran sombras, dbajándose en las distintas paradas. Todo tiene una melancolía y amargura inquietantes, indicando que ese viaje no es muy recomendable, pero inevitable. Sin embargo, y para rizar e lrizo, la clave de la película no está sólo en ese viaje, sino en lo que ocurre después. En todas las películas de Miyazaki se habla del paso de la infancia a la vida adulta, y trata la infancia como un mundo de fantasía. Pero en "El viaje de Chihiro", Miyazaki nos contesta nuestra pregunta: ¿cómo podemos volver a la infancia si ya somos adultos? Y la respuesta es los recuerdos, la imaginación. Cuando Chihiro regresa, lo hace gracias a que recuerda algo que había olvidado. Y tampoco olvidamos que Haku se empeña en que Chihiro recuerde su propio nombre, y no lo sustituya por el de Sen. Miyazaki nos dice que, aun siendo adultos, siempre podemos volver a la infancia gracias a nuestros recuerdos y a nuestra imaginación. Que no por ser adultos debemos de dejar de soñar ni de ser niños. Nos da esperanzas para seguir viviendo en el amargo mundo de los adultos gracias a esa herramienta infantil que son los sueños y la imaginación. La canción del final, que se puede escuchar aquí y que es el colofón a una banda sonora que, si se escucha por separado no es de las mejores de Hisaishi, pero que dentro de la película ayuda de forma sorprendente a enfatizar las escenas como nunca lo había hecho en otros filmes.

Y ese mensaje también puede significar una reivindicación propia de la película y del género de animación en general. Si los adultos podemos soñar como niños, ¿por qué no podemos respetar el cine de animación, un género considerado como propiamente infantil? Quizá por eso la película alcanzó tal éxito y se hizo con el Oso de Oro a la mejor película en el festival de cine de Berlín, algo que nunca otra película de animación ha logrado hasta la fecha.

Resumiendo, "El viaje de Chihiro" es una obra maestra, no ya de la animación, sino del cine en general. Es el ejemplo de cómo ser fiel a tu estilo, contar los mismos temas pero profundizando más, y hacerlo por el camino más difícil pero más hermoso. Es el ejemplo del genio de un cineasta que llena de sencillez una película tremendamente compleja en un ejemplo de manejo de la narración y del mundo de la fantasía como muy pocos (o casi nadie, diría yo) saben manejar. Una película que nos dice un mensaje claro: la vida es demasiado corta y triste como para amargarnos la vida. ¿Por qué no sacar el niño que llevamos dentro y verlo todo de otra forma?

Todopoderosa

THOR

Título original: Thor
Año: 2011

País: EE.UU.

Duración: 120 min.

Fecha de estreno en España: 29 de abril de 2011

Director: Kenneth Branagh

Guión: Ashley Miller, Zack Stenz y Don Payne, según el personaje creado por Stan Lee, Jack Kirby y Larry Lieber

Música: Patrick Doyle

Montaje: Paul Rubell

Fotografía: Haris Zambarloukos

Compañía: Marvel Entertainment/Paramount Pictures

Productor: Kevin Feige

Intérpretes: Chris Hemsworth, Natalie Portman, Stellan Skaarsgard, Anthony Hopkins, Tom Hiddleston, Idris Elva et al.

Odín, el rey de Asgard y padre de todos los dioses, tiene dos hijos varones: el primogénito y arrogante Thor y Loki, el hermano pequeño que se siente eclipsado. En el día del nombramiento de Thor como rey de Asgard, unos gigantes del hielo, seres de otros mundos que habitan el universo, entran en el palacio de Odín e intentan robar un valioso objeto. A pesar de que Odín y el resto de dioses logran abatirlos antes de que consigan su objetivo, Thor sugiere atacar el mundo de los gigantes de hielo como respuesta, pero su padre decide tomárselo con más calma. Sin hacerle caso, Thor y sus amigos deciden actuar por su cuenta, atacando a los gigantes de hielo. Tras salir ilesos de una muerte segura, Odín recrimina a Thor su actitud arrogante y por desobedecer las órdenes de su padre decide desposeerle de sus poderes y exiliarle a Mithgard, el mundo que se conoce popularmente como la Tierra. Allí el dios del trueno deberá regresar a casa como sea, pero en su empeño conoce a Jane Foster, una científica que le causará una gran impresión.

Hace poco me aficioné a una serie llamada "Los Vengadores, los héroes más poderosos de la Tierra". Es una serie de animación muy buena sobre el grupo de superhéroes de moda. Había algunos que más o menos conocía, más que nada por las películas, como Hulk o Ironman, pero otros como Thor no los conocía a fondo y lo descubrí en esta serie. Acabó gustándome, pero deduje que representar en la gran pantalla, a un público general, la historia de un dios que visita la Tierra y no quedar ridículo podría suponer una tarea muy difícil. Y a medida que veía imágenes de la película, el traje de Thor o incluso el trailer me iba defraudando más, tanto el estilo de la película como el interés de la trama. Se podía decir que, viendo lo que había, esta podía ser la peor de todas las películas Marvel. Pero no contaba con la sabiduría de los chicos de Marvel.

La cuestión es que la película requería de dos objetivos: contar una historia mitológica basada en leyendas nórdicas y al mismo tiempo lograr que esto encajara en una película que fuera un blockbuster. Para lo primero contrataron a Kenneth Branagh, un reputado director y actor shakespeariano que parecía no casar en el tipo de película supertaquillera que debía ser "Thor". Sin embargo, el británico aporta a la película la experiencia necesaria para representar el mundo de Thor sin que chirríe. Y lo logra gracias en parte, a un reparto espectacular que parece estar encantado de conocerle. todos son fantásticos, desde Chris Hemsworth, capaz de representar furia, odio, tristeza y humor en un mismo personaje, a la siempre impresionante en todos los sentidos Natalie Portman. Sin embargo, y aquí he de quitarme el sombrero (o el yelmo más bien) ante Tom Hiddelston. Su Loki es uno de los mejores villanos de la entera historia de los superhéroes Marvel. Y es que, aunque el propio personaje puede ser algo típico (el hermano segundon que vive a la sombra del hijo predilecto de papá), la elegancia y carisma que le pone Hidddelston lo hace absolutamente irresistible. Vamos, que aunque se le vean las intenciones y sea un hijoputa, le seguiría hasta el fin de los tiempos. Si no es lo mejor de la película, es de lo mejor.

Y ya, con la parte difícil conseguida (hacer creíbles los personajes), tocaba lo imposible, representar el mundo de Asgard sin que parezca un chiste malo. Aunque, a decir verdad, para los muchachos de ILM no hay nada imposible. En serio, a estos tipos hay que ponerles un monumento. Las escenas de acción con monstruos y demás podría considerarse del montón, pero el tema de los viajes entre los mundos hace que yo, un muchacho que está en contra del 3D, os amine a que las veáis en este formato. No he visto algo más espectacular en mucho tiempo. Eso sí, los barridos y los movimientos rápidos siguen pareciendo borrosos. esperemos que Peter Jackson lo solucione en "El hobbit" con su nuevo invento.

Así, mientras Branagh se encarga de dar el ritmo adecuado y de hacer entretenida durante dos horas una historia que parecía no tener miga, los chicos del departamento artístico hacen de las suyas: las recreaciones de Asgard son impresonantes y cómo Branagh "esconde" la ciudad en el universo infinito (con múltiples recovecos y planos que parecen del revés) ayudan a dar ese toque mágico y esplendoroso del mundo de los dioses. La banda sonora, absolutamnete maravillosa, inunda la pantalla, ayudando también a incrementar la épica de la película. Se puede decir sin duda que en el apartado artístico la película es impecable. Y para más inri, a muchos de los gigantes de hielo están maquillados, no creados por ordenador, lo que para un servidor, nostálgico de los efectos artesanales del cine ochentero, es un detalle maravilloso.

Pues al final, la que parecía que iba a ser la peli menos buena de toda esta parafernalia de Los Vengadores resulta ser posiblemente, la mejor de las que ha y hasta el momento, por la dificultad de realizarla y lo bien que lo han hecho. Y no sólo eso, sino que han logrado que la película tenga de todo: humor del buelo, chistes estúpidos, acción de la buena, romance, aventuras, caméos de Stan Lee (no diré cuando aparece), apariciones de un nuevo vengador (los conocedores del grupo de superhéroes sabrán de quién se trata), la mejor escena postcréditos de todas las pelis de superhéroes Marvel, 3D espectacular y montones de formas diferentes de llamar al martillo de Thor, por lo menos en la versión doblada (lo llegan a llamar minué, para mi propio estupor), en una película de esas en las que no sólo te entretienes, sino que te diviertes y disfrutas como si fueran un maldito adolescente. Eso sí, hay un par de cosas que no me han gustado: el prólogo, aunque espectacular, tiene tantas similitudes al prólogo de "La comunidad del anillo" que han decidido evitar comparaciones insertando antes una escena que, aunque interesante y muy espectacular, rompe el ritmo de la narración y queda como un injerto aislado mal puesto para curarse en salud. El otro defecto, al menos para mí, es mucho más grave: que aún quedan dos años para ver "Los Vengadores". Ay, quien pudiera viajar al futuro...

Nausicaä revisited

LA PRINCESA MONONOKE

Título original: Mononoke hime

Año: 1997

País: Japón

Duración: 133 min.

Fecha de estreno en España: 7 de abril de 2000

Director: Hayao Miyazaki

Guión: Hayao Miyazaki

Música: Joe Hisaishi

Montaje: Hayao Miyazaki y Takeshi Seyama

Fotografía: Atutsi Okui

Productor: Toshio Suzuki

Compañía: Studio Ghibli

Intérpretes: (Voces V.O.) Yôji Matsuda, Yuriko Ishida, Yûko Tanaka, Kaoru Kobayashi, Masahiko Nishimura, Tsunehiko Kamijô, Sumi Shimamoto et al.

Ashitaka es el príncipe de un legendario pueblo medieval de Japón. Un día su pueblo sufre el ataque de dios, con forma de jabalí, que por alguna extraña razón se había convertido en un demonio maligno. A pesar de que acaba derrotándole, Ashitaca es herido grabemente en su brazo derecho y la infección acabará propagándose por su cuerpo hasta morir. Es por ello por lo que el príncipe decide huir, abandonar su ciudad y aprovechar sus últimos días en descubrir por qué ese dios les atacó. Las pistas le llevan a un misterioso poblado minero, cuyo progreso ha consistido en la extracción de un metal muy resistente y la fábrica de fusiles. Su líder, Lady Ebosi, utiliza esas armas para luchar contra los dioses del bosque, pues éste una gran fuente de mineral, pero los dioses lo protegen. Así, Ashitaca se encuentra con un conflicto que puede desencadenar la guerra entre los humanos y los dioses del bosque, cuya figura primordial es Mononoke, una princesa humana adoptada por los lobos, que tiene la llave para lidiar con los dos mundos y evitar que corra la sangre.

No he muerto. Simplemente se acerca junio y este cuatrimestre es bastante intenso, con lo que a penas he tenido tiempo ni para ver ni para escribir. Aunque, a decir verdad, esta demora ha sido, en parte, porque esta crítica quería publicarla en un día señalado, aunque con un poco de retraso, eso sí. Ayer, día 22 de abril, fue el día mundial de la Tierra, ¿y qué mejor para celebrarlo que hablar de una película que trata el tema de la convivencia entre el ser humano y la naturaleza como "La princesa Mononoke?

Hace años, en otro blog ya extinto, publiqué una entrada con la crítica de "Nausicaä del valle del viento" para rememorar este día. Digo esto porque, si hay algo claro cuando uno ha visto "La princesa Mononoke", es que ambas son iguales: mismo argumento, misma estructura, todo igual. Eso sí, los años han hecho que la séptima película de Miyazaki goce de una mejor animación, una mayor complejidad y, por supuesto, una mayor calidad que la de 1984. Se puede decir, por tanto, que "La princesa Mononoke" es una versión mejorada de Nausicaä, como si el director no estuviera a gusto con la primera y pensara que había que retocarla. Y al final creó una película que, si no es una obra maestra (a mí no me terminó de convencer del todo, ya lo explicaré), es lo más parecido a una película perfecta.

Miyazaki necesitó 3 años para realizar esa maravilla titulada "Porco Rosso", pero el tiempo de preparación de esta colosal obra requirió de dos años más (5 en total), lo que indica su grado de complejidad y su magnitud. Y es que puede ser que estemos hablando de una de las películas más complejas del director, y también de las más atrevidas. Si en la anterior crítica comentaba que "Porco Rosso" era la más occidental de su películas, se podría decir que esta es de las más orientales, no sólo por la mitología fantástica, sino por la propia estética, que me hizo recordar muchísimo a las películas de samurais del genio Akira Kurosawa.

Sin embargo, aunque Miyazaki vuelve a su género favorito, no deja de sorprender, pues introduce algunas connotaciones en "la princesa Mononoke" que no sólo la hacen diferente a cualquier otra que haya hecho, sino que demuestran su madurez creativa. Una de ellas es la violencia. A lo largo de su filmografía se han visto escenas de acción, incluso peleas a puñetazos, pero el director nipón emplea en esta películauna violencia extrema, sangrienta. No haber visto ni pizca de sangre en sus películas y ver como Ashitaca le corta los brazos a uno de un flechazo, es sumamente impactante. ¿Por qué Miyazaki viene ahora con algo así? La respuesta la encuentra uno si se fija bien: esa ultraviolencia no ocurre porque sí, sino que está relacionada con el mal, con el odio y con la rabia de los seres humanos. Me explico: las escenas en las que Ashitaka rebana brazos y cabezas limpiamente con su arco se debe a que dispara las flechas con su brazo herido, el brazo afectado por el ataque del demonio maligno causado por los seres humanos. Es decir, hay un significado en esa violencia y esa carnicería. En el resto de batallas, siempre que los humanos están involucrados en la pelea, aparece la sangre de una forma u otra.

Otro de los factores de esta película es su complejidad, sobre todo en la psicología de los personajes. Ya en Nausicaa teníamos a un personaje que se debatía entre la naturaleza y la humanidad, entre un bando y otro, y no sabía con cual quedarse. Pero el dilema moral quedaba ahí. En el fondo, lo que podía hacer que Nausicaa apoyara a los seres humanos era que eran de su misma especie, pero los actos del pueblo que quiere atacar no tienen nada de positivo. Se podrían decir que eran malos muy malos. En "La princesa Mononoke" eso no ocurre. También tenemos un pueblo gobernado por una mujer que quiere destruir el bosque, pero vemos en ella cierta humanidad, y cierta bondad: ha sacado a las mujeres de los burdeles y las ha dado un trabajo, ha repartido las tareas entre hombres y mujeres de forma más o menos equilibrada y ha creado una ciudad próspera. Se podría decir que Lady Ebosi es una mujer que merece nuestro respeto. Sin embargo, quiere destruir el bosque, y al dios supremo que allí habita. Lo mismo pasa con los guardianes del bosque. Van a ser atacados y se comprende su actitud, pero hay quien discuta su forma de actuar o no. Es decir, que tenemos personajes completamente bipolares, más reales y más complejos que la antigua Nausicaa, lo que implica una reflexión más profunda sobre la forma de actuar de los humanos.

No obstante, es este punto el que, al menos para mí, hace que la película no acabe del todo bien para mi gusto, y ojo aquí que voy a soltar espoilerazos a mansalva. Para mi gusto, que una mente tan obsesiva como la de Lady Ebosi siga en su empeño de matar al dios del bosque, aunque media ciudad esté en peligro y sin importarle el precio, cambie de repente de mentalidad y todo sea maravilloso, me parece demasiado forzado. Comprendo que Miyazaki quiere dar un mensaje de esperanza, que cree en la convivencia de hombre y naturaleza y confía en la redención del ser humano, pero tal y como lo cuenta con el personaje de Lady Ebosi, me parece demasiado forzado y muy poco creíble. Ha observado sucesos sobrenaturales que le haría recapacitar incluso al más incrédulo y ella seguía empecinada en su objetivo. Y aun perdiendo medio cuerpo sigue en su empeño ¿Por qué cambia de parecer tan de sopetón? Probablemente no lo haya entendido bien o no haya visto bien el final, pero es mi opinión, y lo que lastra, a mi parecer, la conclusión de una película perfecta.

Así que se podría decir, a grandes rasgos, que "La princesa Mononoke" es una versión mejorada y de infinitamente mayor calidad que la película en la que está basada, "Nausicaä dle valle del viento", y que demuestra la madurez del director que ya inició con "Porco Rosso". Película grandiosa, preciosa, llena de acción y épica, con una música impresionante y un mensaje importantísimo, el edulcorado final hace que, en mi opinión, no termine de ser todo lo grande que podía haber sido. De todas formas, una auténtica joya de la animación, uno de los mejores trabajos de Miyazaki y una de las mejores películas de animación de todos los tiempos. Parecía imposible que fuera a ser superada, pero años después el director japonés nos iba a sorprender con el mayor espectáculo de animación que jamás ha podido vislumbrar la humanidad. Pero sobre ello se hablará en la próxima entrada.

PD: Han hecho una cosa horrorosa en la versión española del DVD: han doblado el precioso tema "Utada hikaru" y era algo insufrible. Comprendo que quieran doblar las canciones para que las entiendan los niños, pero es que esta peli no la van a ver los niños, o al menos no deberían verla.

Cuando los cerdos vuelan

PORCO ROSSO

Título original: Kurenai no buta
Año: 1992
País: Japón
Duración: 87 min.
Fecha de estreno en España: 1 de septiembre de 1994
Director: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki
Música: Joe Hisaishi
Montaje: Hayao Miyazaki
Fotografía: Atsushi Okui
Productor: Toshio Suzuki y Rick Dempsey
Compañía: Studio Ghibli/ Tokuma Shoten
Intérpretes: (Voces V.O.) Shuichiro Moriyama, Tokiko Kato, Sanshi Katsura, Tsumnehiko Kamijo, Akemi Okamura et al.

Italia, periodo de entreguerras. En pleno auge del fascismo en Europa, los cielos del Mediterráneo están plagados de piratas del aire que roban y hacen de las suyas con sus aeronaves. Marco Pagot, un extraordinario piloto italiano conocido como Porco Rosso por el color de su avioneta y su cara de cerdo, se dedica a surcar los cielos, poniendo en jaque a los piratas del aire. Estos, hartos de las pérdidas que tienen debido a las acciones de Porco, deciden contratar los servicios de Donald Curtis, un famoso piloto acrobático americano y estrella del cine, para derrotar de una vez por todas a la amenaza porcina.

Miyazaki es un director de cine fantástico, fundamentalmente. Antes de esta todos sus films con Studio Ghibli estaban enmarcados en este género. Pero tres años después de su divertida "Nicky la aprendiz de bruja" el director nipón nos sorprende con una historia tremendamente realista, la más realista de toda su filmografía y, sorprendentemente, una de las películas más hermosas y elegantes que el señor Miyazaki jamás ha dirigido: "Porco Rosso".

El proyecto nació como un cortometraje de 30 minutos para instruir al ejército japonés sobre métodos de aviación. Sin embargo, al estallar la guerra de Yugoslavia, se tornó en un filme más largo y con un tono más serio, pasando a ser la película que todos conocemos hoy. Esto hace que "Porco Rosso" sea la única película en la que Miyazaki toma partido de forma directa en una ideología política. En todas sus películas ya habló de la libertad y de la paz, ideales progresistas y liberales, pero a través del filtro que produce el cine fantástico. Pero con "Porco Rosso", al situarla en un lugar y en una época reales, algo que nunca más ha hecho el director en ninguna de sus demás películas, impone un tono más realista a la cinta y se desprende de ese velo fantástico para tomar parte más directa en los acontecimientos.

Ese tono realista no se centra sólo en reducir la fantasía a su mínima expresión (lo único que se puede intuir como fantástico, aunque discutidamente, es el rostro de Porco Rosso), sino que también lo nota en el tono, el género y en la narración. Y es que "Porco Rosso" se puede considerar como la más occidental de sus películas, por no decir la más americana, pues su forma de narrar o sus distintos temas son típicos del mejor cine negro hollywoodiense: el héroe solitario y desencantado con el mundo, la chica a la que ama en secreto pero a la que se niega a declarase, el triángulo amoroso entre Porco, Gina y Donald, recuerdan a los grandes clásicos de los años 40 como "Casablanca". La melancolía inunda toda esta parte, gracias al ritmo pausado y tremendamente elegante de Miyazaki y la descomual música (para mí, el mejor trabajo de Hisaishi); así como los diálogos, en uno de los mejores trabajos de Miyazaki como guionista, son absolutamente brillantes, dotando a la película de ese aroma romántico que tanto se hecha de menos del cine clásico estadounidense.

Pero "Porco Rosso" no es sólo una película dramática. Como casi una obligación por parte del director, este inunda las escenas de imágenes aéreas absolutamente magistrales. Las batallas y persecuciones con las aeronaves están dotadas de una fuerza, agilidad y elegancia que son absolutamente pasmosas. Con esto, Miyazaki incluye un poco de acción y aventura en el drama de Porco Rosso, que no es más que un piloto italiano convertido en cerdo por el desencanto que le causó el ejército, al que perteneció durante un tiempo. Aunque en la película (en al versión española al menos) nos cuentan otra cosa, lo cierto es que en la cultura japonesa, el cerdo es símbolo de desencanto, y la gente se convierte en este animal cuando la vida no le importa casi nada (ejemplo: los padres de Chihiro). Por eso que, el único término fantástico de la cinta puede interpretarse más bien como un símbolo, como un estado de ánimo del personaje y, posiblemente, del director japonés en ese momento.

Y hay que matizar lo de en ese momento porque todas las películas de Miyazaki están llenas de esperanza, pero esa esperanza está representada en la juventud y la infancia. Es lógico que en una película tan melancólica como esta, los protagonistas sean adultos y que el único personaje juvenil (y femenino, claro está) es la nieta del mecánico de Porco. Las dos únicas escenas en las que Porco pierde su apariencia porcina están relacionadas con al muchacha (cuando se despierta y ve a Porco sentado, o al final cuando le da un beso), indicando que en un mundo decadente, la juventud es la única que hace ver a Porco la esperanza en un mundo mejor.

Esta elegancia y esta fuerza nacen de lo más interior de Miyazaki, pues esas escenas de aviación hacen salir su amor por la aeronáutica. En sus anteriores películas también trató este tema, pero es en "Porco Rosso" cuando el director japonés muestra todo su amor y todo su conocimiento en el tema. De hecho, hay una escena en la que el mecánico le muestra un motor nuevo a Porco, un motor del tipo Ghibli, nombre de su estudio.

En conclusión, decir que todo esto, aventuras, acción, drama, política, humor, triángulos amorosos, amores prohibidos, amores reprimidos (Gina ama a Porco pero sus tres maridos pilotos murieron), elegancia, desencanto ante la humanidad, esperanza en las nuevas generaciones... Todo eso tiene cabida en apenas hora y media de película, mejor dicho, de una gozada de película, de obra maestra con todas sus letras, en la que mezcla cine negro de una melancolía desesperante con un cine de acción y aventuras completamente enérgico, enlazados de forma magistral. Miyazaki demostró con "Porco Rosso" que el anime no sólo era cine para niños, sino que, a parte de Nicky, Totoro o "El castillo en el cielo", podía hacer un cine más adulto y más comprometido, universalizando el género. De hecho, fue esta la que inició una breve etapa de madurez del director, la primera de un tríptico dedicado a un público mucho más adulto, donde sacó a relucir todo su talento y toda su narrativa. "Porco Rosso" es una de las pelis más atípicas de Miyazaki, y una de mis favoritas, pero lo mejor está por llegar.

Escena favorita: La verdad no sé con cual quedarme. La de arriba del todo es la que más me gusta, pero en esta de aquí me encanta la forma que tiene Miyazaki de enlazar la escena de la discusión de los piratas con el vuelo, aterrizaje y llegada al bar de Porco, empleando el precioso tema "Les temps des cerices".

____

PD: La próxima película de Miyazaki será una secuela de esta cinta, titulada "Porco Rosso: the last sortie", y se desarrollará durante la Guerra Civil española. Hace años visité la hermosa ciudad asturiana de Cudillero y me pareció típica de las películas de este director. ¿Habrá pensado lo mismo Miyazaki para inspirarse?

Ganadores Oscars 2011

El domingo pasado un servidor se quedó toda la noche en vela para ver la gala de los Oscar. Hubo gente que me acompañó en mi odisea, aunque se fueron antes de tiempo, pero fue divertido. Incluso superamos el record de comentarios en una entrada de Facebook, 245 o así. La verdad es que, salvo Kirk Duglas, la coña de "Regreso al futuro", Mila Kunis, Amy Adams, James Franco disfrazado de mujer y el "FUCK!" de Melissa Leo, todo lo demás no fue demasiado interesante, y mientras el año pasado contemplé en directo como una mujer ganaba por primera vez el Oscar como mejor director, este año no pude ver cómo lo ganaba una de sci-fi o de animación, ni siquiera como triunfaba el gran Fincher. En su lugar tuve que contemplar cómo "El discurso del rey" acababa ganándolo casi todo, cuatro Oscars, los de mejor película, director, actor y guión original, que demuestran una vez más del poder de los actores en Hollywood.

"La red social", mi favorita teniendo asumido que ni "Origen" ni "Toy story 3" iban a ganar, se llevó unos cuantos premios que son importantes, pero no tantos como la película ganadora: montaje, guión adaptado y música, merecidos todos ellos. La de Christopher Nolan se hizo con otros tres, todos técnicos: efectos visuales, montaje de sonido y sonido. No ganó el de mejor montaje porque no estuvo nominado y no lo nominaron porque, sencillamente, no se lo iban a dar, en una de las mayores injusticias desde que no premiaron a "El retorno del rey" a la mejor fotografía. Aunque eso sí, ganó unos pocos más.

Pues eso, que pocas sorpresas, poco que destacar y mucho sueño la mañana siguiente, que me caía de sueño leyendo la estratigrafía de la Zona Asturoccidental Leonesa, con lo apasionante que es. Destaca la sorprendente observación que tuve a propósito de la gala, la cual presentaban dos supervillanos (El Duende Verde y Catwoman) y presenciaban cinco superhéroes (Batman, Hulk, Lobezno, Ironman y Spiderman). Afortunadamente, todos se portaron muy bien y tuvimos que lamentar accidentes. Sin más, la lista de los premiados. Como no me apetece escribir mucho no os voy a poner todos, pero podéis ver la lista completa pinchando aquí.

OSCARS 2010

Ganadores

Mejor película

"El discurso del rey"

Mejor director

Tom Hooper ("El discurso del rey")

Mejor guión original

"El discurso del rey"

Mejor guión adaptado

"La red social"

Mejor actor

Collin Firth (El discurso del rey)

Mejor actriz

Natalie Portman (Cisne negro)

Mejor actor secundario

Christian Bale (The fighter)

Mejor actriz secundaria

Melissa Leo (The fighter)

Mejor montaje

La red social

Mejor fotografía

Origen

Mejor banda sonora

La red social

Mejor película extranjera

In a better wold (Dinamarca)

Mejor película de animación

Toy Story 3

El western, el género maldito

VALOR DE LEY

Títiulo original: True grit

Año: 2010

País: EE.UU.

Duración: 100 min.

Fecha de estreno en España: 11 de febrero de 2011

Director: Ethan y Joel Coen

Guión: Joel Coen e Ethan Coen, según la novela homónima de Charles Portis

Música: Carter Burwell

Montaje: Roderick Jaynes

Fotografía: Roger Deakins

Productor: Ethan Coen, Joel Coen y Scott Rudin

Compañía: Paramount Pictures/Skydance Productions

Intérpretes: Hailee Steinfeld, Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin, Barry Pepper, Paul Rae, Domhnall Greesom et al.

Oeste americano, finales del siglo XIX. El padre de Matti, una joven de catorce años, ha sido asesinado a sangre fría por el bandido Tom Chaney. Como nadie le siguió y ninguna persona se dedica a darle caza, la chica deja atrás a su familia y viaja haica un pequeño pueblo para contratar los servicios dle sheriff Rosster Cogburn, famoso por su fácil gatillo. A pesar de que el sheriff es reticente a la hora de ayudar a la muchacha, Matti hará todo lo que esté en su mano para que se haga justicia a la muerte de su padre.

Cuando un equipo juega en casa, no sólo debe ganar, sino que debe agradar a su afición. Algo parecido ocurre con el western: no sólo debe ser una gran película, sino que debe ser la creme de la creme. Y es que, uno de los lastres a la hora de hacer hoy día una película del oeste no es sólo su dificultad, sino su comparación no con el resto de películas clásicas del género, sino con los mejores westerns de todos los tiempos. Si pensamos en western nos viene a la cabeza "Sin perdón", "Centauros del desierto" o "El hombre que mató a Liberty Valance", auténticas obras maestras del género y del cine universal, y claro, cuando vemos una nueva película del oeste esperamos que por lo menos se les acerque. Es decir, estamos comparando con obras maestras y, si no se le parecen, el western en cuestión no merece la pena. Este es un error muy grave, error en el que caen muchos al hablar de "Valor de ley".

Al leer críticas sobre la película (uno se informa sobre lo que piensa gente más experta que él) me di cuenta que, generalmente, se le acusa a la nueva de los hermanos Coen de falta de emoción. Después de verla me he dado cuenta de que los críticos se equivocan, pero no en la percepción de la película (ellos son más experimentados que yo, dónde va a parar), sino que es más un fallo de expresión, esas cosas que ocurren cuando no te termina de gustar una película y no sabes por qué. Entre el público vale eso de "le falta un algo", pero los críticos tienen que decir qué es ese algo, y a veces no se sabe con exactitud. Lo que supongo querían decir es que lo que le falta a "Valor de ley" no es emoción, sino esa épica que tienen todos los western, sobre todo al final del film, y que te hace hervir la sangre. Esa majestuosidad, esa grandilocuencia, que tienen ciertas películas del oeste, que la hacen convertirse en inolvidables. Todos nos acordamos del final de "Centauros del desierto", o de la parte final de "Sin perdón", o de la más reciente "El tren de las 3:10", pero "Valor de ley" no tiene eso. No es una película épica, pero a diferencia de lo que piensa la gente, eso no la convierte en una mala película, en absoluto.

Y son los hermanos Coen los que se encargan de que la película no sea mala. De hecho, es realmente buena. Está muy bien realizada y todos los aspectos técnicos son de alta escuela. Entre ellos, destaca sobremanera la impresionante música de Carter Burwell, con un tema principal de esos que se te quedan en la cabeza después del visionado. En el aspecto interpretativo, todos los actores están genial, pero destaca por encima de todos la joven Haylee Steinfeld, en un trabajo memorable. A parte de lucir realmente hermosa en la película, su personaje tiene una fuerza impresionante, por lo menos al inicio del film, y su interpretación es fabulosa. Lástima que en los Óscar compita con Natalie Portman, una actriz que la supera en calidad y también en belleza, que seguramente ganará, porque la pequeña Haylee es una gozada de ver.

Así que se puede decir que "Valor de ley" es un grandísimo peliculón, una de las mejores películas de este año, o del año pasado si preferís Una cinta emocionante y muy entretenida, pero que carece de esos momentos apoteósicos y épicos de las películas del oeste, y quizá sea eso, y su final, demasiado edulcorado para el género, lo que le hace flaquear. Los Coen, a pesar de no ser los mismos genios que nos brindaron maravillas como "El gran Lebowski" o "Muerte entre las flores", demuestran que, aun atraídos por un cine más convencional, son grandes directores y estéticamente sus películas son impecables. Sin embargo, ser una buena película no es suficiente para un western, o para la consideración que se tiene hoy en día del género. Queremos lo mejor de lo mejor y "Valor de ley" no lo es. Resumiendo, se podría decir que el principal problema de este western es que, simplemente, es un western.