OBRA MAESTRA

ORIGEN

Título original: Inception

Año: 2010

País: EE.UU.

Duración: 150 min.

Fecha de estreno en España: 6 de agosto de 2010

Director: Christopher Nolan

Guión: Christopher Nolan

Música: Hans Zimmer

Montaje: Lee Smith

Fotografía: Wally Pfister

Productor: Christopher Nolan

Compañía: Warner Bros./Legendary Pictures

Intérpretes: Leonardo Dicaprio, Ellen Page, Cillian Murphy, Jason Gordon-Lewitt, Marion Cotillard, Ken Watanabe, Tom Berenguer, Michael Caine, Tom Hardy et al.

Dan Cobb tiene un trabajo peculiar: entra en los sueños de la gente y les roba sus secretos. Esto le ha permitido ser contratado por magnates de todo el mundo, para hacerse con los secretos mejor guardados de sus rivales y así derrocarles. Pero ese trabajo ha hecho que Cobb no pueda regresar a casa con su familia, lo que le obliga a ser prácticamente un fugitivo trotamundos. En uno de sus trabajos debe introducirse en la mente de Saito, un magnate japonés, pero acaba fracasando. Para evitar que sea aniquilado, Saito le propone un trato, muy distinto a todo lo que había hecho antes: entrar en la mente de Robert Fisher, el heredero de la multinacional competidora de Saito, y no robarle, sino implantarle un recuerdo que haga que derroque su empresa familiar. La recompensa: que Cobb pueda volver a casa sin ningún tipo de complicaciones. A pesar de la enorme dificultad que conlleva la operación, Cobb se siente atraído por la recompensa, la cual lleva esperando años, y decide meterse en el proyecto.

Todos hemos tenido sueños alguna vez. Yo recuerdo uno muy extraño, en el que yo era C3-PO, mi hermano Mark Hamill vestido de Strom Trooper con armadura naranja, y nos secuestraban unos sith del KOTOR 1 en un Corte Inglés dedicado exclusivamente a Star Wars. Pero no dejan de ser eso, sueños, y por mucho que nos parezcan extraños, no dejan de ser eventos que vivimos y sentimos, como si de una realidad alternativa se tratase. Y es que sólo nos damos cuenta de que es un sueño cuando nos despertamos. Este tema, el de los sueños y la realidad, el de los mundos del subconsciente, es el que narra Christopher Nolan, en "Origen", su nueva obra maestra. Soy muy reticente a utilizar este término, pero en esta ocasión no se la puede calificar de otra manera.

Hay muchos tipos de películas. Las hay "de actores", también conocidas como películas corales, en las que los intérpretes llevan todo el peso de la cinta. Las hay sólo de efectos especiales. Si tenemos que clasificar "Origen" según esto, se podría decir que es una película de director y guionista. El guión, sorprendentemente sólido, es una auténtica maravilla. Nolan logra un libreto complejísimo, tremendamente difícil de escribir, pero increiblemente comprensible. No sólo es genial en el desarrollo de una idea como la del mundo de los sueños, sino en el desarrollo de los hechos y en los maravillosos diálogos. Puede que el tema del subconsciente, los sueños y las realidades alternativas ya se hayan tratado en el cine con anterioridad y de una forma mucho más ampulosa que la de Nolan. Se ha criticado mucho que la cinta sea muy lineal, muy encorsetada, tratándose del libérrimo mundo del subconsciente. Y en cierto modo así lo es. No es tan onírica como lo puede ser, por poner un ejemplo, "¡Olvídate de mí!", jugando con las imágenes y los efectos visuales. Pero es que Nolan utiliza otros métodos para hacernos creer que estamos en un sueño. Mientras otros directores juegan con las imágenes o con los sentidos, Nolan juega con el montaje, enlazando escenas sin inicio y que terminan de sopetón, al igual que un sueño lleno de episodios inconexos en el que empiezas en un rascacielos y terminas en una selva, sin saber cómo has legado allí, pero pareciéndote todo completamente normal. Este recurso es usado al inicio del filme, cuando se introduce en la mente de Saito, demostrando que Nolan conoce el medio cinematográfico como la palma de la mano.

Eso sí, mentiría si dijera que Nolan no usa las imágenes para representarnos el mundo de los sueños. Ya es famosa la escena del trailer en la que una ciudad se alza por los cielos, que en pantalla grande es absolutamente bestial. Ésta es el inicio de un pequeño bloque en el que el personaje de Ellen Page empieza a manejar lo que es la arquitectura de los sueños en un alarde de imaginación e inventiva audiovisual impresionante. Pero si hay una secuencia onírica que hará de esta una película mítica esa es, sin duda, la pelea ingrávida en el pasillo, que tan sólo un mes de su estreno en USA, ya tiene su versión LEGO y su versión fan. Muchos la comparan con "Matrix". Ya quisieran los Watchovsky dirigir con el ritmo, la elegancia y la fuerza de Chris Nolan en esta secuencia.

Todo esto, sumado a una maestría narrativa sobrenatural (ese montaje paralelo cuádruple del final, de casi media hora de duración, con el que casi mojo los pantalones) y una intensidad que te mantiene en el sillón con la boca abierta, hace de "Origen" una auténtica maravilla cinematográfica, soplo de aire fresco después de tanta copia, remake, reboot, spin of y adaptación. Un filme denso, muy muy denso, de esos en los que sales cansado del cine, con la cabeza apuntito de estallar por la cantidad de emociones que has vivido. Una película compleja, pero no difícil de entender, con un final abierto (o no) con el que toda la sala soltó una exclamación. Un filme indescriptible, que hay que ver para saber a lo que uno se enfrenta. Nunca una furgoneta cayéndose había tenido tanta tensión. Nunca una peonza nos había mantenido en vilo a tanta gente. Ahora que lo pienso, "Origen" no es perfecta. Tiene un fallo, y bastante grabe: que tarde o temprano se tiene que acabar.

2007: Toma el dinero y corre

NO ES PAÍS PARA VIEJOS

Título original: No country for old men

Año: 2007

País: EE.UU.

Duración: 117 min.

Fecha de estreno en España: 8 de febrero de 2008

Director: Ethan y Joel Coen

Guión: Ethan y Joel Coen, según la novela homónima de Cormac McCarthy

Música: Carter Burwell

Montaje: Roderick Jaynes

Fotografía: Roger Deakins

Productores: Ethan Coen, Joel Coen y Scott Rudin

Compañía: Paramount Vantage/Miramax Films

Intérpretes: Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Josh Brolin, Kelly Macdonald, Woody Harrelson, Stephen Root, Garret Dillahunt et al.

Ganadora de 4 Oscar: película, director, guión adaptado, actor secundario

Llewelyn Moss es un cazador de Texas que se encuentra en mitad del desierto, los restos de una brutal matanza entre narcotraficantes. Cadáveres por el suelo, casquillos de bala, drogas... y el trastro del único superviviente del grupo. Llewelyn lo sigue, hasta topar con el cadaver de un hombre que tiene en posesión un maletín lleno de dinero, el cual se lleva sin pensárselo dos veces. Peor cuando todo parecía solucionado, Llewelyn empieza a ser perseguido por Antón Chigurh, un despiadado asesino contratado para conseguir el dinero.

Lo bueno que tiene el cine en casa es que te permite ver una película las veces que quieras. Eso es muy importante, pues no siempre el primer visionado de una película es satisfactorio y puedes descubrir nuevas cosas posteriormente. Así, una película que te pareció mala en su momento te puede parecer buena viéndola por segunda vez, o viceversa. Con el caso de "No es país para viejos" he legado a las mismas conclusiones que la primera vez: es una película bastante buena. Sin embargo, introduciéndola en el contexto del reto, comparándola con el resto de filmes que han ganado el Oscar, no es más que un thriller del montón, salvo por una excepción que todos conocemos.

Siguiendo la manía de la Academia de zanjar cuentas pendientes, iniciada con Clint Eastwood y continuada con Martin Scorsese, esta vez le tocaba el turno a los hermanos Coen, genios del cine actual, autores de esa maravilla titulada "Muerte entre las flores". Como suele ser normal en estos casos, la película premiada no suele ser la mejor del realizador en cuestión, sino un filme un tanto impersonal y más asequible al público medio. Y esto se ve en "No es país para viejos". Le falta la frescura de "Fargo" y también sus personajes estrambóticos que podíamos contar a pares, ya sean en dramas o en comedias. Aquí sólo tenemos al personaje de Cigurh, interpretado de forma sensacional por Javier Bardem. Él es lo mejor de la película, la única razón por la que merece la pena esta película.

Y es que "No es país para viejos" es un thriller del montón. Ni hace vibrar la sangre como en "French Connection" ni te mantiene en el sillón como "Infiltrados". Es un filme lento, muy lento, con grandes silencios y pausas que pueden llegar a cansar. Sin embargo, la primera hora de película se pasa volando. Es la segunda hora la que se hace más pesada, y eso que es la que más acción tiene, en unas secuencias genialmente rodadas y muy intensas, pero que paradójicamente mantienen ese tono pausado y sereno. Eso sí, a medida que se acerca el final, los Coen vuelven al experimentalismo, con un desenlace que recuerda al de "El silencio de los corderos" y con una escena final de esas que te quedas pensando "WTF?" toda la tarde.

Hay otros aspectos, como las interpretaciones del resto del reparto, la fotografía, el montaje o la música, que tampoco destacan demasiado, con lo que al final tenemos un thriller muy bien hecho pero que no es gran cosa. Mejores películas han hecho los Coen y mejores filmes han ganado el Oscar. "No es país para viejos" comienza siendo un thriller asequible, con una grandísima interpretación de Bardem y acaba de una forma un tanto extraña, que deja una sensación rara al espectador. Esta película no sólo hizo que los hermanos Coen ganaran el Oscar, sino que se convirtieran en los hermanos "Coin", pues desde entonces alcanzaron gran popularidad, lo que les ha permitido dirigir casi una película al año. Porque da igual lo que hagan, son unos directores de culto y por ende, tienen que molar. Ay, ¿qué se hicieron de esos directores capaces de crear una obra como "Miller's crossing"?

2006: Justicia divina

INFILTRADOS

Título original: The departed

Año: 2006

País: EE.UU.

Duración: 145 min.

Fecha de estreno en España: 27 de octubre de 2006

Director: Martin Scorsese

Guión: William Monahan, a partir del guión de Siu Fay Mak y Félix Chong para "Infernal Affairs"

Música: Howard Shore

Montaje: Thelma Schoonmaker

Fotografía: Michael Ballhaus

Productores: Brad Pitt, Brad Grey, Gianni Nunnari y Graham King

Compañía: Warner Bros./Initial Entetainment Group/Vertigo Entertainment

Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Matt Damon, Jack Nicholson, Mark Wahlberg, Alec Baldwin, Martin Sheen, Ray Winstone, Vera Farmiga, Todd Peterson et al.

Ganadora de 4 Oscar: película, director, guión adaptado, montaje

Con el objetivo de cazar a Frank Costello, el mafioso más peligroso de Boston, el cuerpo de policía decide infiltrar en su banda a Billy Costigan, un recién salido de la academia de policía con numerosos miembros de su familia relacionados con el crimen, lo que le sitúa como el candidato ideal. Lo que la policía no sabe es que otro recién llegado, Collin Sullivan, uno de los mandamases del operativo, es un topo de Costello, infiltrado en el cuerpo para informar al capo de todos los avances en la operación.

Vivimos en pleno Siglo XXI y la gente se ha vuelto más tolerante en algunos aspectos. La homosexualidad es algo normal, el racismo no es tan arraigado como antes y hay mucho más aperturismo. Pero aun así, hay gente con la mente cerrada que no quiere comprender ciertas cosas, como por ejemplo, que un remake no puede ser una buena película, porque es una copa y no hay creación en ellas. Los que piensan eso es que nunca han visto "Infiltrados", la película que hizo justicia al mayor genio cinematográfico que ha pisado la faz de la Tierra: Martin Scorsese.

Bueno, justicia en parte, pues no se puede considerar justo que la Academia ha preferido premiar a filmes como "Rocky", "Gente corriente" o "Bailando con lobos" en lugar de "Taxi Driver", "Toro salvaje" y "Uno de los nuestros", tres de las mejores películas de todos los tiempos. Por eso, temiendo un segundo caso Kubrick, los académicos de Hollywood decidieron, al fin, reconocer el trabajo de Scorsese. Y digo reconocer su trabajo porque tal y como se produjo la entrega del premio al mejor director parecía más un Oscar honorífico a toda su carrera: Spielberg, Coppola y Lucas, tres de las grandes figuras que salvaron el cine durante los 70, subieron al escenario a entregarle el premio ante un público enfervorecido, que se puso en pie durante el trayecto del cineasta (¿o debo decir Dios?) desde la butaca al escenario.

Pero esto no quiere decir que "Infiltrados" no mereciera el Oscar a la mejor película. Si quisieran haberle hecho un homenaje al director de Queens, habrían podido premiarle perfectamente por "Gangs of New York" o "El aviador". Sin embargo, esperaron a que hiciera una película medianamente buena para hacerlo, pues "Infiltrados", sin ser uno de los mejores trabajos del director, es un auténtico peliculón, pues un trabajo decente de Scorsese es mucho mejor que la infinidad de filmes que se estrenan en las salas. Y es que "Infiltrados" es un filme que se disfruta desde el primer momento hasta el último, momento en el que, a pesar de haber pasado dos horas y media, quieres más, mucho más. Es tal la fuerza y la maestría narrativa que desprende Scorsese en "Infiltrados" que vemos la película ensimismados, cautivados por los acontecimientos y por la técnica del genio neuyorkino.

Y es la técnica lo que predomina en "Infiltrados", al igual que en todas las cintas de Scorsese. No me voy a poner a decir ahora las diabluras que el director realiza con la cámara o las claves de su cine, eso lo hicieron mejor los de TCM, pero sí remarcar el prefecto montaje del filme, fruto de Thelma Schoonmaker, que no sólo dota a la película de un ritmo endiablado y una narración perfecta, sino que se recrea en él, creando efectos sugerentes con connotaciones estéticas y narrativos al mismo tiempo (las escenas en las que toda la pantalla está negra y un círculo, donde está el protagonista, se abre o se cierra, revelando la pantalla).

Otro de los puntos fuertes de "Infiltrados" es su reparto. Dicaprio, que ha pasado de niñato guaperas en "Titanic" a actor de renombre gracias a Scorsese, está genial en el que puede ser su mejor papel hasta la fecha (aunque a juzgar por la prensa, todos sus papeles lo son). Matt Damon también está formidable y Mark Walhberg, quién lo iba a decir, realiza la mejor interpretación de la película, que le valió una nominación al mejor actor secundario. Junto a ellos están tres veteranos del cine. En primer lugar Jack Nicholson, que entró en el proyecto debido a que De Niro no estaba disponible, y que realiza un trabajo solvente pero que no es de los mejores de su carrera. Martin Sheen está muy simpático y Alec Baldwin, en una actuación sensacional, todavía vive de este segundo renacer gracias a esta película. Tampoco puedo olvidarme de la fémina de la película, la bellísima Vera Farmiga, que realiza un muy buen trabajo. Vamos, que todos los actores cumplen muy bien, lo que demuestra que Scorsese no sólo es un director técnico, sino que su dirección de actores es formidable.

Por esto, a pesar de no ser de lo mejor del director italoamericano y aunque es un filme menos personal que el resto de sus trabajos, "Infiltrados" es una auténtica gozada, una película enorme en todos sus aspectos, cuasi perfecta, pero que no llega al orgasmo visual que alcanza, por ejemplo, "Uno de los nuestros", para el que esto escribe, la mejor película de gangsters jamás realizada (con mis respetos a "El padrino"). Así que aquellos que pusieron el grito en el cielo porque un remake ganó el Oscar a la mejor película, acusándola de que no es un trabajo original, es que no saben de cine. ¿Un film de Scorsese poco original? En qué mundo vivimos...

1991: El horror

EL SILENCIO DE LOS CORDEROS

Título original: The silence of the lambs

Año: 1991

País: EE.UU.

Duración: 113 min.

Fecha de estreno en España: 6 de septiembre de 1991

Director: Jonathan Demme

Guión: Ted Tally, según la novela homónima de Thomas Harris

Música: Howard Shore

Montaje: Craig McKay

Fotografía: Tak Fujimoto

Productores: Edward Saxon, Kenneth Utt y Ron Bozman

Compañía: Orion Pictures

Intérpretes: Jodie Foster, Anthony Hopkins, Scott Glenn, Ted Levine, Anthony Heald et al.

Ganadora de 5 Oscar: película, director, guión adaptado, actor, actriz

Clarice Starling es una aprendiz del FBI que es requerida por un superior para que interrogue al psicópata Hannibal Lecter, un antiguo psiquiatra que tras matar a sus víctimas se las comía. Lo que Clarice suponía una mera prueba para su aprendizaje, resulta ser un medio para dar con Bufalo Bill, un asesino en serie que está sembrando el terror en el país, pues parece que el doctor Lecter conoce su identidad.

Tras los años 80, un tanto regularos, llegaron los 90, que sí superaron la anterior década, pero que da la casualidad de que todas las buenas películas están en los primeros años, mientras que al final la calidad decae. Así, se puede decir que la década de los 90 es la que tiene más concentraciones seguidas de obras maestras de la historia de los Oscar, por lo menos durante cuatro años consecutivos. Dejando de lado "Bailando con lobos", un buen filme pero que no merece el calificativo anteriormente mencionado, la primera de todas estas obras superiores del séptimo arte es "El silencio de los corderos", un filme sobrecogedor, intenso y brutal.

"El silencio de los corderos" es, de momento, el último de los tres filmes que han ganado los 5 Oscar considerados los más importantes, y todos ellos con gran merecimiento. El guión es genial, lo que suele ser típico en las películas basadas en libros, y los actores también. Joddye Foster, una actriz que a mi nunca me ha gustado, está genial y la interpretación de Hopkins es una de las más míticas de la historia del cine.

Pero lo que más destaca de la película, a parte de la interpretación de Hopkins, es la dirección de Demme. El filme no sólo está muy bien dirigido, con secuencias que son realmente espectaculares, como la de la fuga o la de la casa del malo, con ese montaje paralelo que nos engaña a todos, sino que a través de los planos, el director también contribuye a crear esa tensión y ese ambiente tan siniestro. No sólo la decoración o la tensa música de Howard Shore ayudan a ambientar el filme, sino que el director, por medio de unos diálogos en los que los actores miran de frente a la cámara, ayudan a dar ese tono siniestro y extraño.

En definitiva, que "El silencio de los corderos" es una obra maestra. Un filme sucio, tenso, fascinante, con grandísimas interpretaciones, una mejor dirección y un personaje como el de Hannibal Lecter que ha pasado a los anales del cine. De hecho, se han realizado otras tantas secuelas, pero no alcanzaron el frescor y la calidad de este filme. Una gran película para los primeros años de los 90. Y lo mejor estaba aún por llegar...

1971: Desde Francia con amor

FRENCH CONNECTION, CONTRA EL IMPERIO DE LA DROGA

Título original: The French Connection

Año: 1971

País. EE. UU.

Duración: 99 min.

Director: William Friedkin

Guión: Ernst Tidyman, según el libro de Robin Moore

Música: Don Ellis

Montaje: Jerry Greenberg

Fotografía: Owen Roizman

Productor: Philip D'Antoni

Compañía: 20th Century Fox

Intérpretes: Gene Hackman, Fernando Rey, Roy Scheider, Tony Lo Bianco, Marcel Bozzuffi et al.

Ganadora de 5 Oscar: película, director, actor, guión adaptado, montaje

Una noche, cuando los agentes Jimmy "Popeye" Doyle y Buddy Russo, del departamento de estupefacientes de Nueva York, están tomando unas copas en un local, descubren que en una mesa cercana están sentados un grupo de los más selectos capos del narcotráfico del país. Sin embargo, les llama la atención uno de ellos, al que no conocen, que no para de soltar billetes por doquier. Intrigados por saber quién es ese hombre, deciden seguirle, descubriendo una peligrosa trama de drogas en las que los implicados están dispuestos a dejar vidas por el camino con tal de cumplir su objetivo.

"French Connection" es uno de los más famosos thriller de todos los tiempos. Teniendo en cuenta que este es un género no demasiado valorado, al ser considerado un mero divertimento, ¿qué hace que este filme sea considerado como uno de los mejores? La respuesta está en su enorme calidad, tanto técnica como artística. Mientras que en "En el calor de la noche", a parte de ser un gran filme policíaco, no tenía nada más a parte de un tema candente en la época, en "French Connection" hay mucho, muchísimo más, que la convierten en una obra de artesanía en algunos aspectos.

Por un lado están sus interpretaciones, destacando por encima de todo a Gene Hackman. En este aspecto hay que destacar que el filme es muy conocido en España, sobre todo por nuestros padres y abuelos, porque en ella actúa Fernando Rey, actor gallego, de La Coruña concretamente, que hace de malo malísimo franchute.

Pero si hay algo que destaca en "French Connection" por encima de todo es su trepidante ritmo, fruto de un montaje endiablado que genera algunas secuencias de acción memorables. Una de ellas es la persecución en el metro, muy intensa y con un curioso final. Pero si hay una secuencia por la que esta película es conocida mundialmente es por su famosa persecución en coche, considerada como una de las mejores persecuciones de la historia del cine. Comenzando con un tiroteo desde la azotea de un edificio, se inicia una persecución a pie por las calles de Nueva York, culminando con otra en la que el malo viaja en un metro que no puede frenar y el bueno de Popeye conduciendo alocadamente un destartalado coche. Son 11 minutos que parecen muchísimo menos por su intensidad, pero que no queremos que acaben nunca. Una de esas secuencias que deberían estudiarse en las escuelas de montaje cinematográfico.

Sin embargo, ese montaje tan intenso hace que, a parte de que la película sea muy corta, se pase todo muy rápido, quizá demasiado. Así, aunque uno sale más que satisfecho, tiene la sensación de que ha disfrutado demasiado poco con esos personajes. A mí, por ejemplo, me ha sabido a poco el papel de Popeye Doyle, a pesar de estar muy bien interpretado. Incluso el intenso final, genialmente rodado y fotografiado, en un ambiente totalmente tenebroso, crea un poco de desconcierto. Termina de sopetón, aunque al final, por medio de una voz en off, se nos cuenta el destino de los personajes. ¿No hubiera quedado mejor contar eso con imágenes, aunque lleve media hora más?

Así que "French Connection" es una película muy buena, un magnífico thriller, muy intenso, con grandes interpretaciones, presencia española, y escenas de acción que quitan el hipo. Aun así, da la impresión de que falta metraje, tanto para el desarrollo como para la conclusión de los personajes. Su éxito fue tal que se realizó una secuela, "French Coonection 2", de inferior calidad, e incluso un spinn-off del personaje de Popeye Doyle. Incluso se puede sospechar cierta influencia de esta película en la exitosa serie policíaca "El comisario", de Tele 5, en la que uno de los personajes protagonistas se apodaba "Pope", quizá como homenaje a "Popeye" Doyle.

1967: Para gustos los colores

EN EL CALOR DE LA NOCHE

Título original: In the heat of the night

Año: 1968

País: EE.UU.

Duración: 105 min.

Fecha de estreno en España: 9 de mayo de 1968

Director: Norman Jewison

Guión: Stirling Silliphant, según la novela homónima de John Ball

Música: Quincy Jones

Montaje: Hal Ashby

Fotografía: Haskell Wexler

Productor/es: Walter Mirish

Compañía: MGM/United Artist

Intérpretes: Sidney Poitier, Rod Steiger, Warren Oates, Lee Grant, Quentin Dean, James Patterson, Matt Clark, Scott Wilson et al.

Ganadora de 5 Oscar: película, actor, guión adaptado, montaje, sonido

En las calles de Sparta, un pequeño pueblo de EE.UU., aparece el cadáver de un hombre a altas horas de la madrugada. Se trata de un empresario que estaba construyendo una obra muy importante para el desarrollo de la localidad, con lo que no le faltaban enemigos. Sin embargo, investigando el caso, la policía detiene a un hombre negro que estaba en la estación de trenes. Tras acusarle injustamente del asesinato descubren que se llama Virgil Tibbs y que es un inspector de policía de Philadelphia de paso y que además es especialista en homicidios. Debido a los malos tratos recibidos en ese pueblo decide volver a la estación, ya en libertad, pero su gran eficacia, que contrasta enormemente con la del cuerpo de policía de Sparta, hacen que continúe investigando el caso. Desgraciadamente, Virgil no sólo se enfrentará a los peligros que suponen la investigación de un caso tan importante, sino a los prejuicios raciales que poseen todos los habitantes del pueblo.

A lo largo de la historia de los Oscar múltiples géneros se han alzado con el máximo galardón. Dominan los dramas y hay alguna que otra comedia, pero es muy difícil que una película de un género determinado se haga con el premio. En este grupo, al que pertenecen "El señor de los anillos" (único film de fantasía en ganar el Oscar) y "Cowboy de medianoche" (la única película calificada X que ha sido nombrada mejor película), está el thriller, ese género tan socorrido que ha conseguido bastantes premios, pero no tantos como la comedia o el drama. El primero de esos filmes que ha ganado este premio es "En el calor de la noche", una película muy interesante que no destaca por encima de ningún thriller en particular, pero con un tema candente en la época que la convirtió finalmente en la triunfadora.

"En el calor de la noche" es eso, un thriller como los que ponen por las noches en la tele, llenos de acción, intensidad y con un asesino al que encontrar. Tan sólo destaca por el tema secundario que trata: el racismo. Y esa es la principal causa que hizo de este film la triunfadora de los premios Oscar de ese año. A veces la Academia de Hollywood hace eso, premiar a un filme determinado para curarse en salud, como ocurrió en la edición de 2001 tras las acusaciones racistas que surgieron por los atentados del 11-S, premiando a los intérpretes principales, tanto masculinos como femeninos, a dos actores negros: Denzel Washington y Halle Berry, siendo la primera vez en la que unos actores afroamericanos lograban dicho premio.

Para rematar la faena, ese año 2001 le dieron un Oscar honorífico por toda su carrera a Sidney Poitier, el intérprete principal de esta película, que supuso su primer galardón de estos premios. Sí, este fue su primer premio pues, aunque arriba pongo que el filme ganó el premio al mejor actor principal, este fue para su compañero Rod Steiger, que es claramente un personaje secundario. El actor negro también fue nominado ese año por "Adivina quién viene esta noche", con lo que de dos posibles premios, se llevó cero. No sé si al premiar a "En el calor de la noche" pretendían ser comprensivos con los afroamericanos, pero de ser así estas dos acciones que tuvieron con Poitier me parecen demasiado absurdas.

En fin, que no hay mucho que decir sobre "El calor de la noche". Una película muy intensa y entretenida, un thriller muy bien hecho con el que se pasará un muy buen rato, pero que tampoco es que marque la diferencia como para ganar el Oscar. Lo ganó no por su calidad, sino por su temática. Y teniendo en cuenta que en esta época el tema del racismo está más que superado (al menos en la mayoría de los casos), el factor de impacto o de polémica que debió causar en su época se pierde por completo. Un filme digno y muy bueno, pero no lo suficiente como para tan digno galardón.

Adaptación libre

LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES

Título original: Män som hatar kvinnor (Millennium I)
Año: 2009
Duración: 145 min. Trailers/Vídeos
País: Suecia
Director: Niels Arden Oplev
Guión: Nikolaj Arcel, Rasmus Heisterberg (Novela: Stieg Larsson)
Música: Jacob Groth
Fotografía: Eric Kress
Reparto: Michael Nyqvist, Noomi Rapace, Sven-Bertil Taube, Peter Andersson, Peter Haber, Marika Lagercrantz, Lena Endre, Ingvar Hirdwall
Productora: Coproducción Suecia-Dinamarca; Swedish Television / ZDF Enterprises / Yellow Bird Films / Nordisk Film
Web oficial

El argumento de esta peli, como ya os podéis imaginar, es similar al del libro homónimo. A pesar de que, como suecos que son, los actores del reparto no son en absoluto conocidos, me parece que la actuación de los dos protagonistas es correcta. Sobre todo la actriz que interpreta el papel de Lisbeth, un personaje tan complicado de interpretar a mi juicio, consigue darle bastante credibilidad.

También está bien el montaje, la fotografía, la música... ¿qué es lo que falla entonces? Para mí, como lectora del libro (en realidad la película la vi después por pura curiosidad) la adaptación es bastante BASTANTE mala. Ya no sólo omiten detalles importantes sino que cambian radicalmente el argumento en un par de ocasiones de manera que la verdadera trama, la del libro, mejor que la de la peli, queda oculta.

Yo que también fui lectora en su momento de la famosa saga de Harry Potter siempre pensé que las adaptaciones al cine, aunque bastante buenas, siempre omitían algunas ideas importantes presentes en el libro, pero desde luego no recuerdo que los guionistas optaran directamente por CAMBIAR el argumento.

Además, con vistas a las secuelas, han incluido algunos flashbacks que ni siquiera pertenecen a este primer volumen y que nada aportan en su comprensión. Entiendo que una película no puede durar 5 horas para ser fiel a la historia original pero, ¿por qué esas escenas gratuitas? ¿por qué no usar esos huecos para enriquecer ESTA película en lugar de ir presentando la siguiente?

Si la habéis visto y leído el libro o pensáis hacerlo, quizá lleguéis a pensar que soy demasiado exagerada, pero desde aquí quiero hacer un llamamiento: ¡PRIMERO EL LIBRO!

Un poco de luz en la sombra

LA SOMBRA DEL PODER

Título original: State of play
Año: 2009
País: EE.UU.
Duración: 130 min.
Fecha de estreno en España: 17 de abril de 2009
Director: Kevin McDonald
Guión: Matthew Michael Carnahan, Tony Gilroy y Billy Ray, según la miniserie de Paul Abbot del mismo nombre
Música: Alex Heffes
Montaje: Justin Wright
Fotografía: Rodrigo Prieto
Productor/es: Tim Bevan, Eric Fellner y Andrew Hauptman
Compañía: Universal Pictures/Studio Canal/Working Title/Relativity Media
Reparto: Russell Crowe, Ben Affleck, Rachel McAdams, Robin Wright Penn, Jason Bateman, Helen Mirren, Jeff Daniels et al.

Washington D. C. Cal McAffrey, la estrella del diario Washington Globe, debe llevar el caso del asesinato de un hombre negro en extrañas circunstancias. Su compañera Della, encargada del blog del diario, investiga el caso de la muerte de Sonia Baker, miembro del equipo de trabajo del senador Stephen Collins y presunta amante. Mientras todos los periódicos de la ciudad se afanan en publicar la mayor exclusiva sobre el asunto, Cal sigue con su investigación, ajeno al tema, hasta que descubre que en el móvil del muerto hay una llamada a Sonia Baker. ¿Qué tienen que ver ambos muertos? En ese momento Cal y Della continuarán la investigación juntos descubriendo una trama de tal magnitud que no sólo se jugarán la vida, sino el futuro del diario en el que trabajan.

Siento tener esto tan abandonado, pero es que se acerca el final de curso y no hay nada en las salas de cine que merezca la pena. Afortunadamente, de vez en cuando hay algunas joyas ocultas que llegan a nuestras salas sin llamar la atención y sabemos de ellas sólo por el boca a boca. Es curioso como esas películas tienen una promoción tan pésima mientras que filmes de peor calidad nos las meten hasta en la sopa. Sino fijaros cuántos carteles hay en las calles de Ponyo (cuya crítica, por cierto, hice hace casi un mes) y cuántos de Dragonball. Una cosa ¿os habéis dado cuenta que los carteles de "Dragonball Evolution" vienen a pares? Como si me empapelas la ciudad entera con el póster. ¡Que no voy a ir a verla, copón!

Aun así, y aunque parezca extraño, "La sombra del poder" se vende por sí sola, pues su protagonista es el gran, en todos los aspectos, Russell Crowe. Hasta tal punto es importante el actor que la película, como no la conoce nadie, pasa a ser "la de Russell Crowe". "¿Qué peli has ido a ver este finde?" "La de Russell Crowe". Y todos sabemos cual es. Pero claro, una vez que Russell ha llamado la atención de la gente y les ha metido en el cine ¿qué es lo que hace que la película te mantenga entretenido? Pues a pesar de que el argumento es simple y acaba siendo la típica película de periodistas/detectives, hay dos cosas por las que "La sombra del poder" merece mucho la pena: su ritmo frenético y su reparto estelar.

En lo que se refiere a los actores, el que llama más la atención es Crowe, pues es el que todos esperamos ver. A parte de que ya de por sí cae bien, el actor neozelandés lo hace muy bien, como casi siempre. Además, su compañera, la bellísima Rachel McAddams, le da la réplica de forma excelente, resultando una pareja muy interesante. Hellen Mirren se reserva un personaje muy intenso en la piel de la directora del periódico y Robin Wright Penn, la protagonista de "La princesa prometida" varios años más tarde, en el papel de la esposa de Collins está realmente estupenda. Quizá, el que más chirría, es Ben Affleck. El chico no me cae mal, pero es que no sabe actuar y vale, cuando le pones a él solo con cualquier otro no se nota la diferencia, pero en un cara a cara con Crowe, Ben parece un simple aficionado. No es creíble ni su interpretación ni su personaje, pues resulta que McAffrey y Collins fueron compañeros de habitación en la universidad y grandes amigos, sin embargo la diferencia de edad es considerable, a parte de haber poca química entre los dos.

El otro aspecto, el del ritmo, es lo más destacable. Normalmente, el mayor pecado a la hora de adaptar una serie a la gran pantalla es que lo que funciona en 20 minutos, o una hora, no suele funcionar en dos. Por eso, mantener el ritmo y la tensión a lo largo de todo el metraje sin aburrir ni un segundo y contar toda la trama en tan solo dos horas es un mérito considerable. Esa tensión no sólo se consigue por las grandes interpretaciones, sino por un montaje y música que te mantienen en vilo en todo momento y con unos giros de guión que ayudan a mantener el interés. Sobre el guión decir que es realmente bueno y que, a pesar de haber muchos personajes y ser un filme de investigación y espionajes, todo se comprende muy bien. Mención especial merece la espectacular fotografía de Rodrigo Prieto, director de fotografía de "Babel", "Brokeback Mountain" y "Los abrazos rotos", que nos regala imágenes inquietantes, bellas y espectaculares.

En general, "La sombra del poder" no es que sea un peliculón de estos que hacen historia, pero sí es una gran película y sobretodo un gran thriller. Un filme que te pone en tensión durante 120 minutos y que tiene de todo: un gran reparto, una gran estrella protagonista, una chica guapa, un argumento con un poco de crítica política, acción, drama, intriga, humor... todo ello mezclado de la mejor forma posible. Se podría decir, jugando un poco con el título, que representa un poco de luz en la inmensa sombra que se cierne sobre el cine actual. Un filme que seguro gustará a muchos y que no dejará esa sensación de haber tirado el dinero y eso, a día de hoy, es decir mucho.

De la gloria a la traición

VALKIRIA

Título original: Valkyrie
Año: 2008
País: EE.UU.
Duración: 122 min.
Fecha de estreno en España: 30 de enero de 2009
Director: Bryan Singer
Guión: Christopher McQuarry y Nathan Alexander
Música: John Ottman
Montaje: John Ottman
Fotografía: Newton Thomas Siegel
Productor: Gilbert Adler, Bryan Singer y Christopher McQuarry
Compañía: United Artists/Bad Hat Harry Productions/Achte Babelsberg Films
Intérpretes: Tom Cruise, Carice van Houten, Bill Nighy, Eddie Izzard, Kenneth Branagh, Stephen Fry, Thomas Kretschmann, Tom Wilkinson, Terence Stamp et al.

Alemania, 1944. La II Guerra Mundial está prácticamente perdida y hartos deque muera gente, un grupo de militares del ejército nazi decide acabar con la vida del propio fürer Adolf Hitler. Tras una serie de intentos fallidos se pide la colaboración de Clauss von Strauffemberg, un coronel herido en la campaña de África, que desea más que nadie acabar con Hitler. Para cometer el magnicidio decide poner en marcha la operación Valkiria. Esta consistía en asesinar a Hitler y acusar del asesinato a las SS. Una vez que estos han sido detenidos, el pequeño equipo de la operación Valkiria tomará el poder y fundará un gobierno nuevo. Sin embargo el plan es muy arriesgado y si fracasa el asesinato de Hitler, la operación Valkiria sería considerada alta traición al estado.

El mundo es asombroso. La crisis nos golpea por todos los lados. Cada vez vemos en las noticias más empresas en quiebra y más despidos. El paro está altísimo y la gente a penas llega a fin de mes. Pero al ir al cine la cosa cambia. A parte de soportar una cola que rodea literalmente todo el edificio (menos mal que el cine es caro), además de la entrada (de 7€, no lo olvidemos) se compran refrescos y palomitas, las cuales no son precisamente baratas. Y esto no son cuatro gatos, sino muchísima gente. ¿Qué pasa? Que esas personas crean colas interminables para comprar esos infernales aunque deliciosos productos alimenticios de dudoso contenido nutricional y llegan a las salas a la media hora de empezar, con las luces apagadas y el público sentado, cruzando toda la fila porque su asiento estaba en la otra punta (por no dar la vuelta, más que nada), parándose en medio porque dos intrusos se han sentado en su butaca, discutiendo en voz alta porque ninguno reconoce que se ha equivocado, dejando el móvil encendido y sin el silenciador... si no os hubiérais comprado palomitas, a parte de no tener ese problema, te habrías ahorrado 15 € más mínimo. A partir de ahora me voy a reír de la crisis cuando dicen que el paro crece. Así que, a todos los que joden la marrana en el cine, les dedico esta frase que dijo el gran actor teatral Phillip Max: mierda para ellos. Y ahora vayamos a la crítica.

El pobre Tom Cruise está sentenciado. Normal, después de salir en programas de televisión saltando en los sofás y diciendo que se comería una placenta, para no estarlo. Pero también hay que tener en cuenta que es un actor y que su vida personal no debe interferir en sus interpretaciones. He visto las dos películas que Tom estrenó el año pasado, "Tropic Thuder" y "Valkiria", y he de reconocer que ambas son de una gran calidad, ofreciendo además en la primera una interpretación antológica. Por eso, por la mala fama del ex de Nicole Kidman, esta "Valkiria" y sus futuros proyectos se verán diezmados por su presencia, diciendo que la película es mala sólo por que sale el amigo Tom. No ha que juzgar la calidad de un actor o de una película antes de verla, como se nos demostró con Heath Ledger en el caballero oscuro. Pero parece que no aprendemos y a "Valkiria" se la ha mirado con malos ojos por culpa de Tom Cruise. Nada más lejos de la realidad. "Valkiria" es una inmenso thriller, una película muy intensa y que tiene una virtud que echaba de menos en el cine actual: no se me ha hecho larga ni aburrida en ningún momento.

Bryan Singer, después de hacerse famoso con las dos primeras películas de los X-Men, nos regala una película intrépida, con una grandísima intensidad y algunas escenas de antología que recuerdan al mejor Spielberg (la famosa escena de las taquígrafas levantando la mano me puso los pelos de punta). Y gran parte del mérito lo tiene la estructuración de la película. En un primer lugar se presenta a los personajes y se propone el operativo. Es aquí donde la película flaquea, pues no se muestra el motivo de porqué miembros del ejército nazi quieren eliminar a Hitler. Desde el punto de vista externo es lógico, porque es malo, pero que un miembro de su ejército piense eso es más complicado. No me vale eso de que le odian, de que todos los alemanes no son iguales o de que están cansados de tanta muerte. Si fuese así lo habrían intentado asesinar antes incluso del inicio de la guerra.

Tras esto se ejecuta el operativo y, al igual que ocurrió con la escena del túnel de "El caballero oscuro", la acción se desenfrena y comienza la verdadera película. Pues la operación, como he comentado en el argumento, tenía dos fases y el interés no estaba en si mataban o no a Hitler, sino en ver qué pasaba al final. Y es aquí donde la historia y la cultura del público interviene, pues nosotros conocemos que Hitler, y espero con esto no spoilear a nadie, murió suicidado en su bunker, así que ya sabemos que no va a morir. Esto hace que toda la operación Valkiria, el arresto de los miembros de las SS y demás, lo veamos con cierta angustia cada minuto que pasa, pues todos sabemos lo que están haciendo y en lo que puede derivar. Todo esto aumenta el dramatismo considerablemente y hace que veamos los siguientes minutos con una mezcla de interés, incredulidad, nerviosismo y esperanza ante el destino de nuestros protagonistas. Es "Valkiria", en definitiva, una película tremendamente emocionante.

Mención a parte merece el espectacular reparto. Llama la atención ver a un Bernard Hill irreconocible y más viejo después de los 5 años que han pasado de "El retorno del rey" (es el que hizo de rey Theodem) y también un Kenneth Branagh al que se le notan los años. También es curioso descubrir que me sonaba muchísimo el nombre de Bill Nighy, pero no reconocía su cara. Normal, pues la tenía toda llena de tentáculos en su papel de Davi Jones en las dos últimas partes de "Piratas del Caribe". Estos tres actores, de los cuales los dos primeros sólo salen al principio, junto con Tom Cruise y Tom Wilkinson son la principal baza de esta película. Pero volviendo un poco al principio de la crítica, si el actor protagonista fuese alguno con más carisma, más simpatía y, no vamos a negarlo, mejor calidad, su papel y el de todos los secundarios sería mucho mejor. Tom Cruise no lo hace mal, pero podría ser mucho mejor y si hubiera sido así en "Valkiria" la intensidad aumentaría y la empatía con el protagonista mejoraría.

Seguramente esta sea una excusa barata. Y es que "Valkiria" es una película que te deja con buenas sensaciones, pero notas que le falta algo y no sabes lo que es. Puede ser la poca profundización en algunos temas, la interpretación mejorable del protagonista, la fiabilidad histórica, o todo a la vez. No lo sé, la cuestión es que "Valkiria" no es una película redonda, ni siquiera un peliculón inolvidable, pero como thriller y película de acción es realmente sensacional.

Mucho más que un simple cazarrecompensas

COWBOY BEBOP: LA PELÍCULA

Título original: Kaubôi Bibappu: tengoku no tobira
Año: 2001
País: Japón
Duración: 110 min.
Fecha de estreno en España: 11 octubre de 2001
Director: Shinichiro Watanabe
Guión: Keiko Nobumoto, según el anime creado por Shinichiro Watanabe
Música: Yoko Kanno
Montaje: Shuichi Kakesu
Productor: Haruyo Kanesaku, Yutaka Maseba, Masahiko Minami, Minoru Takanashi y Masuo Ueda.
Compañía: Bandai Visual Company/Bones/Destination Films/Sunrise
Reparto: (Voces V.O.) Kôichi Yamadera, Unshô Ishizuka, Megumi Hayashibara, Aoi Tada, Ai Kobayashi, Tsutomu Isobe et al.

Después de las carreras de caballos, Faye va a cazar a un forajido por el que ofrecen unos míseros 5 millones de woolongs, por lo que a priori es una presa fácil. Pero cuando va persiguiendo el camión que se supone va conduciendo, este se para en mitad de la calles de la ciudad y se baja de la cabina un extraño hombre que no se corresponde con los datos del fugitivo. Tras bajarse del vehículo el camión explota, causando decenas de muertos y montones de heridos. Sin embargo, lo más grave es que dentro del camión había una especie de virus mortal, una sustancia invisible, indetectable e incurable, que causa la muerte a todo el que lo respira. Lo peor es que el extraño hombre que conducía el camión sigue vivo, pero ha desaparecido sin dejar rastro. Aterrorizados por lo que pueda hacer, las autoridades tasan al misterioso terrorista en 300 millones de Woolongs, el precio más alto jamás ofrecido por un criminal. Esta es una oferta que ni Faye, ni Spike, ni Jet, los tripulantes de la nave Bebop, pueden dejar escapar.

Si hablas con un aficionado al anime este seguramente te diga que el mejor anime que ha visto jamás es "Cowboy Bebop". No te mentiría, pues ciertamente este anime es excepcional. No sólo por el género al que pertenece (cine negro bajo un escenario de ciencia ficción muy próximo a la época actual), alejado de la fantasía y del a ciencia ficción ultrafuturista de algunos animes, sino en cómo está contado. "Cowboy Bebop" no tiene un hilo argumental determinado, sino que cada capítulo te cuenta una historia independiente de la otra. Esto permite al director contar la historia que quiera, de la forma que quiera y con los personajes que quiera. Así llena la pantalla de flashbacks, elipsis, montaje paralelo, escenas novedosas, todo ello típico de una película de cine. Y ahí está la grandeza de "Cowboy Bebop": su estética barroca, su elegancia, la complejidad de sus personajes y el estilo narrativo hacen que el anime se convierta en una auténtica obra de arte. Todo ello rehogado con una música portentosa, mezcla de jazz, blues, rock, heavy, clásica, pop y demás géneros, todos excelentes. Y es este el pilar de la serie. Ver las batallas de naves espaciales a ritmo de jazz es algo que nunca se había visto antes en un anime, a parte de ser precioso. Así que el amigo friki realmente tenía razón con decir que es el mejor anime de la historia.

Pero los creadores de la serie quieren ir más allá. Esa estructura narrativa, similar a cortometrajes de cine, pedía a gritos una película, un formato que permite sacar a relucir todo el talento de los animadores. Y en verdad lo consiguieron. "Cowboy Bebop: la película" supera en algunos aspectos al anime. La pantalla panorámica, el rodaje en 24 fotogramas por segundo, el tiempo y el holgado presupuesto hacen que la película luzca de forma espectacular, con una animación casi perfecta y un detallismo que no existía en el formato para televisión. Además, la no continuidad argumental te permite contar una historia aparte y sin que influya en el anime. Esto te da la libertad de ver la película sin necesidad de tener que ver la serie completa, a diferencia de lo que ocurría con "Fullmetal Alchemist", cuya película era un capítulo final alargado.

Sin embargo, no todo es positivo en "Cowboy Bebop: la película". Lo peor es lo que yo llamo el mal del anime: como los capítulos de las series de anime suelen durar en torno a 20 minutos, al hacer una película su larga duración hace que el ritmo sea mucho más pausado, lo que diezma la intensidad que se veía en la serie. Algo parecido pasa con "Cowboy Bebop". El ritmo sigue siendo el mismo, con el mismo estilo de música en cada pelea yo todo eso. Pero como la serie estaba rodada como una película (lo que le hace grande), al hacer la película, aunque la narración sea igual que la serie, esta no desentona. Es como si metes un elefante en una habitación. Te parecerá inmenso porque el cuarto es demasiado pequeño. Pero si ese mismo elefante lo dejas en la sabana no parece tan grande, pues el animal es más acorde a ese tipo de hábitat. Eso es lo que ocurre con "cowboy Bebop", es el formato lo que acaba matándole. No obstante esto no hace que la película sea mala, sino que no llega a impactar tanto como el anime.

El señor Watanabe es listo y conoce lo que se debe hacer en una película. La prolongación del metraje permite también alargar las escenas de acción mucho más y mostrar aspectos de los personajes que en la serie no conocíamos, como el sentimiento fraternal de Jet o las dotes para el ligoteo de Spike. El guión sigue la estela de la serie, pero quizá en alguna escena, como la posterior a la del tren puede resultar un tanto cogida por los pelos. La música es sencillamente sensacional. Son distintos temas los que suenan, pero siguen el tono de la serie. Como muestra os dejo el video del opening de la película. Podréis apreciar también la excelente animación.

En definitiva, "Cowboy Bebop" es el mejor anime de todos, sin duda alguna. Su estilo, tanto visual como narrativo, ha permitido que su incursión en la gran pantalla no haya sido catastrófica. La película no alcanza el nivel de impacto de la serie, reduciendo su atractivo, pero preserva su mismo estilo e incluso la animación es mucho mejor en el filme, alcanzando unos niveles de realismo geniales. Una película muy recomendable y una serie de obligada visita para todo el mundo. A ver si la película de acción real, que se prepara para el 2011, consigue captar la esencia de la serie. Aunque con Keanu Reeves como Spike me parece que van por mal camino.

Hasta la vista, cowboy del espacio...

PD: Os dejo el opening de la serie y su ending, "El auténtico folk blues", para que disfrutéis con la música. Si después de escucharlos no os entran ganas de ver la serie es que estáis muertos.

Cuestión de tiempo

LOS CRONOCRÍMENES

Título original: Los crímenes
Año: 2008
País: España
Duración: 140 min.
Fecha de estreno en España: 27 de junio de 2008
Director: Nacho Vigalondo
Guión: Nacho Vigalondo
Música: Eugenio Mira
Productora: KV Entertainment / ZIP Films / Fine Productions S.L.
Intérpretes: Karra Elejalde, Bárbara Goenaga, Nacho Vigalondo, Candela Fernández y Juan Inciarte.

Héctor es un hombre corriente, casado, que se acaba de mudar a una casa de campo. Una mañana, mirando por sus prismáticos, contempla a una hermosa joven en el bosque y aprovechando la ausencia de su mujer, decide ir a investigar. Al llegar al lugar descubre a la joven, pero es agredido por un misterioso hombre con la cara vendada. Héctor huye desesperadamente buscando refugio y finalmente topa con un joven que le ayuda a esconderse, pidiéndole que se introduzca en una especie de máquina extraña. Héctor accede y al rato vuelve a salir, pero algo extraño a ocurrido. Segundos antes de entrar en el aparato era de noche y ahora era de día. El joven técnico le conocía, pero ahora parece sorprendido por su presencia. Héctor no comprende nada, hasta que el joven le cuenta que aquel aparato donde había entrado es una máquina del tiempo y que si espera hasta esa misma noche en ese mismo instante, todo volverá a la normalidad, pero para ello Héctor debe quedarse en el laboratorio, sin tocar nada. Sin embargo, desesperado, decide ir a su casa descubriendo asombrado la verdad sobre la joven y el hombre de la venda.

El cine español está plagado de malas películas, comedias estúpidas en las que la maciza de turno se despelota y dramas políticos sobre la guerra civil y el franquismo. Afortunadamente en los últimos años ha salido un grupo de jóvenes cineastas que han visto que hay cine más allá de los pirineos y al otro lado del charco y han centrado su cine, tanto temática como narrativamente, en los grandes maestros de Hollywood y de Europa. Películas como "Rec" o "El orfanato" son muestra de esta moda del cine de terror que está renovando nuestro cine. Pero años atrás Amenábar comenzó igual con "Tesis", "Abre los ojos" y "Los otros". "Los cronocrímenes" es otra de estas películas que supone además el debut de uno de los directores más prometedores del momento: Nacho Vigalondo.

Famoso por dirigir cortometrajes como "7:35 de la mañana" nominado al Oscar o diversas, colaboraciones para La Hora Chanante o Muchachada Nui, la ópera prima de este director cántabro es una lección de cómo hacer buen cine con poco dinero. Demostrando gran maestría con la cámara, el realizador nos conduce por una historia impresionante por lo intrincada y lo bien escrita que está. El guión es su mejor baza, pues no posee ninguna fisura y la forma de actuar de los personajes (o del personaje) a lo largo de la película están justificados y bien enlazados, resultando todo perfectamente verosímil. Las numerosas escenas de acción e intriga están fenomenalmente rodadas, con algunas escenas que cualquier otro director español no haría, como la escena del hombre vendado intentando tirar la puerta abajo.

Es extraordinaria también la planificación de las escenas, pues el filme contiene, lógicamente, numerosos saltos en el tiempo y cuyas escenas son contada desde el punto de vista de Héctor. Así hay cosas que se nos ocultan y que están contadas en el siguiente salto en el tiempo, encajando a la perfección. Las mismas historias se repiten una y otra vez, pero contando una cosa distinta en cada ocasión, desde el mismo punto de vista, pero desvelándonos cosas nuevas. Por eso "Los cronocrímenes" impresiona, porque con cuatro actores y escaso presupuesto se saca adelante una película con un descomunal guión, una dirección muy buena y una planificación del rodaje que ya quisieran muchos maestros del séptimo arte. Sin embargo, lo peor de esta película es el papel de Nacho Vigalondo, monstruo detrás de las cámaras pero mal actor. No podía tenerlo todo ¿verdad?

Brad Pitt y (la) CIA

QUEMAR DESPUÉS DE LEER

Título Original: Burn after reading

Año: 2008

País: EE.UU.

Duración: 90 min.

Fecha de estreno en españa: 10 de octubre de 2008

Director: Ethan y Joel Coen

Guión: Ethan y Joel Coen

Música: Carter Burwell

Reparto: John Malcovich, Brad Pitt, Frances McDormand, George Clooneym, Tilda Swinton et al.

Compañía: Focus Features

Osburn Cox es un espía de la CIA que es despedido por su adicción al alcohol. Como venganza y como forma de cumplir uno de sus sueños, decide escribir sus memorias, despotricando sobre los miembros de la CIA y sacando sus trapos sucios. Su infiel mujer Katie, aprovecha la situación de su marido para divorciarse, con lo que graba esas memorias en un cd para usarlas en su contra. Sin embargo, el disco se extravía y acaba en un gimnasio de fitness. Linda, una trabajadora del gimnasio, intentará chantajear a Osburn Cox, obteniendo así el dinero que le permita costearse las cuatro operaciones estéticas que quiere hacerse. Pero nada ocurre como debería ocurrir...

Como suele pasar con los grandes cineastas, siempre se compara su último trabajo con alguna de sus películas anteriores. Esto también ocurre con los hermanos Coen, conocidos ahora como hermanos Coin, por su afinidad por el cine comercial ahora que han ganado el Oscar. Los sabios dicen que "Quemar después de leer" es parecida a "El gran Lebowski", uno de los mejores trabajos de los cineastas de Minessotta. Pero esto es erróneo y bastante grave pues la gente puede acudir al cine pensando que es una comedia desternillante cuando realmente se encontrarán con un filme, siguiendo las comparaciones, al estilo de "Fargo", un thriller puro, con giros de guión, muertes violentas y demás cosas, pero suavizado con toques de humor friki a cargo de dos o tres personajes cotidianos. Es decir, que a diferencia de "El gran Lebowski", donde sus situaciones disparatadas evidenciaban que era una comedia pura, en "Quemar después de leer" son unos cuantos personajes que, por su concepción en el guión, son los que ponen el toque cómico. Así que el público que vaya esperando una comedia se encontrará con un thriller, muy bueno por cierto.

Pero a pesar de ser una gran película no es de los mejores trabajos de los Coen. Puestos a comparar, no tiene la fuerza que tenía "Fargo", ni "No es país para viejos". Se ve que es una película que le falta fuerza y además, para mí lo peor de todo, algunos personajes, los mejores, no acaban de disfrutarse del todo. Hablo de los personajes de Pitt y Clooney, dos auténticas joyas dentro de la película. El primero hace un papelón interpretando a un monitor de fitness absolutamente hortera, que se mueve a todos lados con su bici y su casco. Sus gestos, sus caras y sobretodo su forma de bailar (lo mejor de toda la película) hacen que nos enamoremos del personaje al instante. El segundo, el gran George Clooney, hace un papel un tanto oculto, y digo oculto porque se convierte realmente interesante al final del filme. Durante toda la película vemos que no aporta casi nada a la faceta cómica del filme. Pero en la escena del armario vemos al personaje en estado de pánico y es realmente divertido ver dar esos gritos a Clooney. Desgraciadamente, esa faceta cómica aparece al final de la película y no se puede disfrutar todo lo que querríamos.

Sobre el resto de actores nada que objetar. Lo hacen todos fenomental, quizá Tilda Swinton sea la más flojita y no dudo en que haya alguna nominación a Malcovich o a Pitt para los Oscar, porque están impresionantes.

En resumen decir que en "Quemar después de leer" vemos la huella de los Coen, tanto en su forma de dirigir como en su guión, pero no estamos ante una de sus mejores películas y eso se nota. Técnicamente impecable y muy bien interpretada, pero le falta fuerza y ese "algo" que tienen todas las grandes películas. Cine para pasar un rato divertido a parte de disfrutar del estilo de los hermanos Coen.