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sábado, 23 de abril de 2011

Nausicaä revisited

LA PRINCESA MONONOKE


Título original: Mononoke hime
Año: 1997
País: Japón
Duración: 133 min.
Fecha de estreno en España: 7 de abril de 2000
Director: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki
Música: Joe Hisaishi
Montaje: Hayao Miyazaki y Takeshi Seyama
Fotografía: Atutsi Okui
Productor: Toshio Suzuki
Compañía: Studio Ghibli
Intérpretes: (Voces V.O.) Yôji Matsuda, Yuriko Ishida, Yûko Tanaka, Kaoru Kobayashi, Masahiko Nishimura, Tsunehiko Kamijô, Sumi Shimamoto et al.

Ashitaka es el príncipe de un legendario pueblo medieval de Japón. Un día su pueblo sufre el ataque de dios, con forma de jabalí, que por alguna extraña razón se había convertido en un demonio maligno. A pesar de que acaba derrotándole, Ashitaca es herido grabemente en su brazo derecho y la infección acabará propagándose por su cuerpo hasta morir. Es por ello por lo que el príncipe decide huir, abandonar su ciudad y aprovechar sus últimos días en descubrir por qué ese dios les atacó. Las pistas le llevan a un misterioso poblado minero, cuyo progreso ha consistido en la extracción de un metal muy resistente y la fábrica de fusiles. Su líder, Lady Ebosi, utiliza esas armas para luchar contra los dioses del bosque, pues éste una gran fuente de mineral, pero los dioses lo protegen. Así, Ashitaca se encuentra con un conflicto que puede desencadenar la guerra entre los humanos y los dioses del bosque, cuya figura primordial es Mononoke, una princesa humana adoptada por los lobos, que tiene la llave para lidiar con los dos mundos y evitar que corra la sangre.



No he muerto. Simplemente se acerca junio y este cuatrimestre es bastante intenso, con lo que a penas he tenido tiempo ni para ver ni para escribir. Aunque, a decir verdad, esta demora ha sido, en parte, porque esta crítica quería publicarla en un día señalado, aunque con un poco de retraso, eso sí. Ayer, día 22 de abril, fue el día mundial de la Tierra, ¿y qué mejor para celebrarlo que hablar de una película que trata el tema de la convivencia entre el ser humano y la naturaleza como "La princesa Mononoke?

Hace años, en otro blog ya extinto, publiqué una entrada con la crítica de "Nausicaä del valle del viento" para rememorar este día. Digo esto porque, si hay algo claro cuando uno ha visto "La princesa Mononoke", es que ambas son iguales: mismo argumento, misma estructura, todo igual. Eso sí, los años han hecho que la séptima película de Miyazaki goce de una mejor animación, una mayor complejidad y, por supuesto, una mayor calidad que la de 1984. Se puede decir, por tanto, que "La princesa Mononoke" es una versión mejorada de Nausicaä, como si el director no estuviera a gusto con la primera y pensara que había que retocarla. Y al final creó una película que, si no es una obra maestra (a mí no me terminó de convencer del todo, ya lo explicaré), es lo más parecido a una película perfecta.

Miyazaki necesitó 3 años para realizar esa maravilla titulada "Porco Rosso", pero el tiempo de preparación de esta colosal obra requirió de dos años más (5 en total), lo que indica su grado de complejidad y su magnitud. Y es que puede ser que estemos hablando de una de las películas más complejas del director, y también de las más atrevidas. Si en la anterior crítica comentaba que "Porco Rosso" era la más occidental de su películas, se podría decir que esta es de las más orientales, no sólo por la mitología fantástica, sino por la propia estética, que me hizo recordar muchísimo a las películas de samurais del genio Akira Kurosawa.

Sin embargo, aunque Miyazaki vuelve a su género favorito, no deja de sorprender, pues introduce algunas connotaciones en "la princesa Mononoke" que no sólo la hacen diferente a cualquier otra que haya hecho, sino que demuestran su madurez creativa. Una de ellas es la violencia. A lo largo de su filmografía se han visto escenas de acción, incluso peleas a puñetazos, pero el director nipón emplea en esta películauna violencia extrema, sangrienta. No haber visto ni pizca de sangre en sus películas y ver como Ashitaca le corta los brazos a uno de un flechazo, es sumamente impactante. ¿Por qué Miyazaki viene ahora con algo así? La respuesta la encuentra uno si se fija bien: esa ultraviolencia no ocurre porque sí, sino que está relacionada con el mal, con el odio y con la rabia de los seres humanos. Me explico: las escenas en las que Ashitaka rebana brazos y cabezas limpiamente con su arco se debe a que dispara las flechas con su brazo herido, el brazo afectado por el ataque del demonio maligno causado por los seres humanos. Es decir, hay un significado en esa violencia y esa carnicería. En el resto de batallas, siempre que los humanos están involucrados en la pelea, aparece la sangre de una forma u otra.

Otro de los factores de esta película es su complejidad, sobre todo en la psicología de los personajes. Ya en Nausicaa teníamos a un personaje que se debatía entre la naturaleza y la humanidad, entre un bando y otro, y no sabía con cual quedarse. Pero el dilema moral quedaba ahí. En el fondo, lo que podía hacer que Nausicaa apoyara a los seres humanos era que eran de su misma especie, pero los actos del pueblo que quiere atacar no tienen nada de positivo. Se podrían decir que eran malos muy malos. En "La princesa Mononoke" eso no ocurre. También tenemos un pueblo gobernado por una mujer que quiere destruir el bosque, pero vemos en ella cierta humanidad, y cierta bondad: ha sacado a las mujeres de los burdeles y las ha dado un trabajo, ha repartido las tareas entre hombres y mujeres de forma más o menos equilibrada y ha creado una ciudad próspera. Se podría decir que Lady Ebosi es una mujer que merece nuestro respeto. Sin embargo, quiere destruir el bosque, y al dios supremo que allí habita. Lo mismo pasa con los guardianes del bosque. Van a ser atacados y se comprende su actitud, pero hay quien discuta su forma de actuar o no. Es decir, que tenemos personajes completamente bipolares, más reales y más complejos que la antigua Nausicaa, lo que implica una reflexión más profunda sobre la forma de actuar de los humanos.

No obstante, es este punto el que, al menos para mí, hace que la película no acabe del todo bien para mi gusto, y ojo aquí que voy a soltar espoilerazos a mansalva. Para mi gusto, que una mente tan obsesiva como la de Lady Ebosi siga en su empeño de matar al dios del bosque, aunque media ciudad esté en peligro y sin importarle el precio, cambie de repente de mentalidad y todo sea maravilloso, me parece demasiado forzado. Comprendo que Miyazaki quiere dar un mensaje de esperanza, que cree en la convivencia de hombre y naturaleza y confía en la redención del ser humano, pero tal y como lo cuenta con el personaje de Lady Ebosi, me parece demasiado forzado y muy poco creíble. Ha observado sucesos sobrenaturales que le haría recapacitar incluso al más incrédulo y ella seguía empecinada en su objetivo. Y aun perdiendo medio cuerpo sigue en su empeño ¿Por qué cambia de parecer tan de sopetón? Probablemente no lo haya entendido bien o no haya visto bien el final, pero es mi opinión, y lo que lastra, a mi parecer, la conclusión de una película perfecta.

Así que se podría decir, a grandes rasgos, que "La princesa Mononoke" es una versión mejorada y de infinitamente mayor calidad que la película en la que está basada, "Nausicaä dle valle del viento", y que demuestra la madurez del director que ya inició con "Porco Rosso". Película grandiosa, preciosa, llena de acción y épica, con una música impresionante y un mensaje importantísimo, el edulcorado final hace que, en mi opinión, no termine de ser todo lo grande que podía haber sido. De todas formas, una auténtica joya de la animación, uno de los mejores trabajos de Miyazaki y una de las mejores películas de animación de todos los tiempos. Parecía imposible que fuera a ser superada, pero años después el director japonés nos iba a sorprender con el mayor espectáculo de animación que jamás ha podido vislumbrar la humanidad. Pero sobre ello se hablará en la próxima entrada.


PD: Han hecho una cosa horrorosa en la versión española del DVD: han doblado el precioso tema "Utada hikaru" y era algo insufrible. Comprendo que quieran doblar las canciones para que las entiendan los niños, pero es que esta peli no la van a ver los niños, o al menos no deberían verla.

miércoles, 19 de enero de 2011

Cuando la piedra cobra vida

GÁRGOLAS, HÉROES MITOLÓGICOS

Título original: Gargoyles
Capítulos: 78
Temporadas: 3
Primera emisión: octubre de 1994
Última emisión: febrero de 1997
Directores: Dennis Woodyard, Frank Paur, Kazuo Terada, Saburo Kashimoto, Bob Kline et al.
Guión: Greg Weisman, Michael Reves, Lydia Marano et al.
Música: Carl Johnson
Productores: Greg Weisman y Michael Reves
Compañía: Walt Disney Pictures
Intépretes: (Voces V.O.) Keith David, Salli Richardson-Whitfield, Jeff Bennett, Edward Ashner, Frank Welker et al.

Escocia, 1994. En plena época de guerras durante el medievo, las gárgolas y los humanos vivían en armonía, protegiéndose mutuamente. Un día, un grupo de gárgolas junto a Goliath, su líder, son llamados fuera del castillo para cumplir una misión. Pero descubren que todo es una trampa, pues el señor del castillo al que protegían les ha traicionado y ha destruido a las gárgolas que allí dormían por el día, convertidos en piedra. Al intentar realizar su venganza, son engañados de nuevo y convertidos en piedra permanentemente por un hechizo, que sólo se romperá "cuando el castillo se eleve por encima de las nubes". Mil años después, el magnate y multimillonario neoyorkino David Xanatos, conocedor de la leyenda, decide comprar el castillo de las gárgolas, junto con las estatuas, y reconstruirlo piedra por piedra en la cima de su propio rascacielos. Así, el castillo logra elevarse por encima de las nubes, rompiéndose la maldición y despertando las gárgolas en un mundo nuevo, desconocido para ellos, donde deberán intentar adaptarse y encontrar su sitio y su objetivo en esa nueva vida.


En 1992, aprovechando el tirón de las dos películas de Tim Burton, la Warner Bros creó una serie de dibujos animados sobre Batman, titulada "Batman: la serie animada". Fue un rotundo éxito, convirtiéndose en una de las mejores series de animación de todos los tiempos. Lógicamente, a la Disney no le gustó que su máximo rival se llevara toda la gloria, por eso decidió plantarle cara con una serie del mismo tipo de la del Señor de la Noche, una serie oscura, destinada a un público más adulto. Así nació Gargoyles, la serie más ambiciosa y conocida de la compañía Disney y, para el que esto escribe, una de las mejores y más complejas.

La serie goza de tres temporadas, siendo la primera y la tercera las más cortas, ambas con 13 episodios, y la segunda la más larga, con casi medio centenar de capítulos. Se emitió durante cuatro años en EE.UU. y en España a finales del siglo pasado, en La 2, a la hora de comer, junto con Digimon. Lo recuerdo perfectamente porque más de una vez llegué tarde al colegio porque me quedaba viéndola. Me sé la introducción de memoria y llegué a tener un muñeco de Goliath de fuego, que se perdió junto con el resto de figuras articuladas de mi infancia, entre las que reinaban las tortugas ninja. Así que podréis comprender mi devoción ante esta gran serie, la cual he tenido la oportunidad de revisar ya entrado en años.

Primera temporada: capítulos del 1 al13

En la primera temporada se nos presentan tanto los personajes como el universo en el que se mueven y narra el despertar de los protagonistas en la Nueva York de finales del milenio y su aclimatación a ese nuevo mundo. Lo que más impresiona de todo es su oscuridad y su violencia, atípicas para una serie de Disney, pero también su elaboradísimo guión, usando referencias de la mitología inglesa y noruega, así como personajes y eventos de Shakespeare. Así, si la serie ya tenía un toque mágico con las fabulosas gárgolas en un mundo actual, al contar su origen aparecen en la serie historias mediavales, con magia y hechicería, con personajes como el Rey Arturo, Merlín, Odín, o la isla de Ávalon y demás parafernalia. Esa presentación de personajes y la complejidad y riqueza de su argumento, hace que para contar las historias hagan falta más de un capítulo, con lo que la temporada se llena de pequeños bloques compuestos de varios episodios. Concluye con la aceptación de las gárgolas de que ese es su lugar y la decisión de que su meta será la de defender a los humanos que allí habitan.

Segunda temporada: capítulos del 14 al 65

La segunda temporada de Gargoyles tiene un cambio significativo al inicio de cada capítulo. Aprovechando que las gárgolas ya han aceptado su condición de guardianes protectores, siempre, en la cabecera, aparece una voz en off de Goliath contando su historia, monólogo que todos nos sabemos de memoria y que podéis ver arriba. Esta temporada, sin embargo, es la más irregular de todas, pues aunque alcanza su mayor apogeo fantástico y la complejidad de las historias aumenta espectacularmente, siendo el mejor bloque de toda la serie, se inicia al mismo tiempo su declive. Es esta la temporada en la que se desarrolla toda la trama de Ávalon, del rey Arturo, del Ojo de Odín, del Grimorum Arcanorum y demás, en el que se entremezclan los mundos y la fantasía corre a raudales.

Pero es al final de este bloque, más o menos por la mitad de la temporada, cuando los capítulos, y en conjunto la serie, cae en picado. Es lógico que, habiendo alcanzado una calidad tan alta con toda la parte de Ávalon, todo lo posterior sea peor, pero no es normal que descienda tan estrepitosamente. La cuestión es que, desde el momento en que los héroes parten de la isla en esa barca, cuando cierto personaje menciona la frase más famosa de la serie "Ávalon no te envía donde quieres ir. Ávalon te envía donde debes estar", los capítulos tienen un cambio radical en su estructura: a diferencia de los bloques de capítulos, y de los episodios sueltos con cierta relación con el anterior, aquí comienza una retahíla infumable de episodios aislados, inconexos y aburridos, en el que siempre tenemos a los mismos personajes protagonistas, en el que las tramas se inician y se resuelven en el mismo capítulo, sin ningún criterio. Al principio puede estar bien, pero son tan insulsos y tan sosos que cuando uno lleva vistos 20, ya no se acuerda de lo que ocurría en los primeros. Tampoco es que importe mucho, porque si no ves un capítulo no pierdes el hilo de la trama, pero llega a resultar lioso y tedioso, además de que no aportan nada a la trama principal ni a la posterior. Al final de la temporada, con el regreso a Nueva York, los capítulos se enderezan y la trama vuelve a las andadas, resurgiendo el interés. Aun así, esta segunda temporada de "Gargoyles" es una muestra de que los de la Disney querían prolongar más y más la serie para sacar más personajes y vender más muñequitos. ¿Os he contado ya que tenía un Goliath de fuego? Creo que sí, pero es que molaba tanto...

Temporada 3: capítulos del 66 al 78

Al final de la 2ª temporada, las gárgolas desaparecidas vuelven a casa, pero ocurren una serie de circunstancias que hacen que se descubran ante la sociedad. Ahora Nueva York sabe que en su ciudad habitan unos monstruos terribles y crece el odio ante ellos, con lo que nuestros amigos deben demostrar a la población mundial que no tienen malas intenciones, al mismo tiempo que intentan no ser aniquilados por grupos políticos populares. Deberán defenderse de las personas a las que protegen, situación que ya habían vivido 1000 años atrás. Bajo esa premisa se desarrolla toda la tercera y última temporada de esta fabulosa serie. Como cambio sustancial con respecto a las otras dos, siempre, al inicio de cada capítulo y después de los créditos, Goliath reflexiona en voz en off sobre un tema concreto, que es el tema que se desarrolla en el capítulo en cuestión. Eso hizo que a esta tercera temporada se la conociera popularmente con el sobrenombre de "Las crónicas de Goliath". La estructura de los capítulos es similar a la segunda parte de la segunda temporada, con episodios sueltos que se resuelven en ese mismo capítulo. Pero al tener un tema común en toda la temporada (demostrar que no son malos), se puede decir que temáticamente están relacionados, aunque argumentalmente no lo estén. Además, supone el regreso de personajes que no habíamos sabido de ellos durante casi 50 capítulos, como son Bronx, Brookling, Lexington y demás, e incluso hay aparición, en forma de cameos, de antiguos personajes de la serie que fueron de vital importancia en la primera temporada, como son Démona o Macbeth, así como el amigo ciego de Hudson, el cual, en compañía de la gárgola más longeva, protagonizan los mejores y más emotivos capítulos de toda la serie. Así que se puede decir que esta tercera temporada, aunque no alcanza los niveles de perfección y de calidad que las dos primeras temporadas, ayuda a paliar los daños que la parte posterior a Ávalon había efectuado, creando una conclusión de la serie más que digno, viendo en lo que se había convertido.

En definitiva, una serie grandiosa, mítica y mitológica, que llegó a ser la serie de animación más exitosa de la compañía del ratón Mickey. De hecho, su impronta continúa hoy en día por medio de cómics y las numerosas historias alternativas de fandoms repartidos por los cinco continentes, o los 6, si algún residente del Polo Sur le mola la serie. Incluso la propia productora eligió "Gargoyles" como la primera serie de animación que iban a editar en DVD. También existió una película, lo sé porque la he visto, aunque no eran más que los cinco primeros episodios de la serie (el bloque titulado "El nuevo despertar") todos juntos y con mejor animación. Una de mis series favoritas que marcó mi adolescencia y la de muchos jóvenes en el mundo entero y totalmente imprescindible para los amantes de la fantasía, la ciencia ficción y los superhéroes.

miércoles, 17 de noviembre de 2010

Ciclo Hayao Miyazaki


El próximo miércoles, 24 de noviembre, sale a la venta el último DVD de la colección Studio Ghibli que la compañía Aurum empezó hace casi un año, con motivo del lanzamiento de "Ponyo en el acantilado". Es una colección en la que han editado los más estimables títulos de la famosa compañía de animación japonesa, ente los que se encuentran las joyas de la corona: la edición de todas las películas que Hayao Miyazaki ha realizado con esta compañía. Hay un dato muy curioso, y es que, a pesar de ser 9 las colaboraciones del director nipón con la compañía de animación, tan sólo 8 están editadas en DVD. El por qué está bien claro: "El viaje de Chihiro", el film que le valió todos los reconocimiento habidos y por haber, estaba editada por otras compañías, Vértigo y Jonu media entre otras, y nunca ha dejado de editarse en DVD. De hecho, si veis el vídeo de arriba, que es el trailer promocional de la colección Studi GHibli que aparece en todos los DVDs (con el precioso tema "Mother of the sea" de "Ponyo en el acantilado"), comprobaréis que esta cinta no aparece.

Sin embargo, Miyazaki no comenzó con Studio Ghibli, pues anteriormente realizó otra película "Lupin III: el castillo de Cagliostro", que está dirigida por él pero que no pertenece a la compañía (todavía no había sido creada). Así que en total suman 10 las películas del director japonés, a falta de estrenarse "Porco Rosso: the last sortie", la segunda parte de las aventuras del cerdo aviador, desarrollada durante la guerra civil española.

¿Y por qué suelto todo este royo? Pues porque, como fiel seguidor de este gran director, y como buen motivo para vérmelas todas otra vez (las compré y las dejé abandonadas), he decidido realizar una serie sobre este gran cineasta, verdadero exponente del cine de calidad y uno de los pocos realizadores, junto con Clint Eastwood, Christopher Nolan, David Fincher y Martin Scorsese, cuyo nombre es actualmente sinónimo de cine de calidad. Sus películas, dotadas de una elegancia y tradicionalidad casi inauditas, compiten seriamente con la nueva oleada de películas de animación por ordenador que parece arrasar en los cines. Pero no sólo es su tradicionalidad lo que le hace un grande, sino que hay una serie de factores que le hacen ser, además, un director de culto, un autor, con unos temas recurrentes que nunca faltan en sus películas:

Amor por la naturaleza.
Décadas antes de que se iniciara esta moda sobre el ecologismo, Miyazaki ya hablaba sobre la relación del hombre con la naturaleza. Tema recurrente en la mayoría de sus películas, su fantasía, alejada de los tradicionales dragones, elfos o enanos, se centra en esa relación entre ser humano y naturaleza, como si fuera algo que nunca vaya a producirse. En algunas películas, como "Mi vecino Totoro", su última "Ponyo en el acantilado", su primera con el estudio "Naussica del valle del viento", pasando por su primera obra maestra "La princesa Mononoke", este es el tema principal. En otras, simplemente, la historia se desarrolla en el campo o en el bosque o algunos personajes viven alejados de la ciudad, siendo la naturaleza sinónimo de relajación, paz y tranquilidad.

Fuertes personajes femeninos
Durante su infancia, la madre de Miyazaki enfermó gravemente de tuberculosis, lo que la tuvo apartada de su vida mucho tiempo. Ese periodo marcó mucho al director, hasta el punto de que en todas sus películas aparezca un personaje femenino, ya sea principal o secundario, que tiene un fuerte carácter. Ahora me acuerdo de la madre de "Ponyo en el acantilado", algunos personajes de "Niky la aprendiz de bruja, como la mujer del panadero, o la mala de "El castillo en el cielo".

Pasión por los aviones.
Cuando la familia Miyazaki se trasladó de su pueblo natal a Kasnuma, su padre montó un negocio relacionado con la aviación. Allí se encargaban de construir los timones de cola para los caza Zero durante la II Guerra Mundial. Ese contacto con los aviones marcó profundamente a Miyazaki, y así, en todas sus películas, se hace alusión al mundo de la aviación, ya sea por medio de aviones ("Porco Rosso"), de grandes dirigibles ("El castillo en el cielo"), escobas mágicas ("Niky la aprendiz de bruja") o toda serie de artilugios voladores.

Desde las profundidades.
En el curioso documental "Hayao Miyazaki y el Museo Ghibli", se hace alusión a un tema recurrente del director que demuestra su genialidad a la hora de realizar fantasía. En este género, el héroe siempre acaba sus historias entrando en las profundidades: en un castillo, en una cueva, en una guarida, para simbolizar las opresión y terror del villano de turno. Miyazaki hace todo lo contrario: sus personajes empiezan sus aventuras en las profundidades y es saliendo a la superficie cuando se sienten libres, liberación que supone para Miyazaki la madurez como individuo. Claros ejemplos de esto se muestran en "Ponyo en el acantilado" (la pececilla descubre el mundo exterior), "Mi vecino Totoro" (vive en las profundidades de un alcanforero) y, fundamentalmente, "El viaje de Chihiro".

Los "momentos Miyazaki"
Este es un término que me he inventado yo, pero que seguro todos habéis experimentado en sus películas. Me refiero a esos momentos simples, sin ningún interés aparente, que en cualquier otra película supondría una escena más, pero que en manos de Miyazaki se convierten en momentos absolutamente mágicos, inolvidables, en el que música, montaje, ritmo y animación, se unen sin saber cómo exactamente para formar algo único. Me refiero a momentos como la parada del autobús de "Mi vecino Totoro", las escenas de la niña sobre el agua, la montaña de barcos o las señales de luz en "Ponyo en el acantilado", o la parte en la que andan por el aire al principio de "El castillo ambulante". Momentos indescriptibles, a priori insulsos, que cuando las ves no sabes exactamente cuál es el motivo por el que emocionan, pero lo hacen. Esos momentos mágicos son también una seña de identidad del director, algo que cuando muera, y esperemos que suceda dentro de mucho, desaparecerá para siempre.

Seguramente haya muchos temas más, pero he decidido exponer los más claros, los más genuinos y exclusivos de su maravilloso cine, el cual me dispongo a volver a disfrutar. Lógicamente, no tendré la presión que tuve con el anterior ciclo de los Oscar, pues tenía el tiempo limitado. Espero que esto sea más holgado, pero no por ello menos intenso y constructivo. A ver qué tal sale.

sábado, 10 de octubre de 2009

Todo lo que sube baja

UP

Título original: Up
Año: 2009
País: EE.UU.
Duración:
Fecha de estreno en España: 30 de julio de 2009
Director: Pete Docter y Bob Peterson
Guión: Pete Docter y Bob Peterson
Música: Michael Giacchino
Montaje: Kevin Nolting
Productor: Jonas Rivera
Compañía: Disney Pixar
Intérpretes: (Voces V.O.) Edward Asner, Christopher Plummer, Jordan Nagai, Bob Peterson, Delroy Lindo, Jerome Ranft et al.

Carl es un niño al que le encanta la aventura, viajar a lugares exóticos y correr miles de aventuras. Un día conoce a Ellie, una niña parlanchina e hiperactiva que comparte con él el gusto por la aventura. Pronto se hacen amigos y, con el paso del tiempo, se casan. Juntos vivirán una vida feliz, ahorrando lo suficiente para realizar el viaje de sus sueños: visitar las Cataratas del Paraíso, en las selvas venezolanas. Con el transcurso de los años, cuando ambos son ancianos, Ellie muere y Carl se siente frustado al no haber cumplido la promesa del viaje que le hizo a su mujer. Por eso Carl decide que ya va siendo hora. Aprovechando que una constructora quiere llevarle a un asilo para poder derribar su casa y construir grandes edificios en su lugar, el viejo Carl decide cumplir su sueño de viajar a las famosas cataratas, atando infinidad de globos en su casa, convirtiéndola así en una especie de globo aerostático. Pero cuando inicia el viaje, Carl descubre que tiene un tripulante inesperado: Russell, un explorador asiático de unos ocho años al que sólo le falta una chapa para poder promocionar: la de ayuda a los ancianos. Muy a su pesar, Carl tendrá que cargar con el niño si quiere complir su sueño de viajar a Venezuela.

El mundo es muy curioso. Cuando se estrena una película, los más nostálgicos siempre andan a la defensiva, buscando el mínimo fallo, para demsotrar que hoy en día no se hacen grandes películas. Todo lo contrario ocurre con Eastwood o Pixar, quizá por ser los únicos que tienen atisbos de cine clásico. Cuando una de sus películas se estrena, automáticamente es una obra maestra. Esto pasa sobretodo con Disney Pixar, hasta el punto de hacer que un filme tan predecible y absurdo como "Up" sea la crem de la crem.

No me malinterpretéis. A mí "Up" me encantó. Me emocionó y me reí como pocas pelis de animación lo han hecho. Pero que te guste una cosa no quiere decir que sea bueno. Sin ir más lejos estuve a punto de llorar a moco tendido con "Moulin Rouge" y no es precisamente una película buena. "Up" tiene momentos de gran cine, como por ejemplo la introducción, que no son los mejores 10 minutos de la historia del cine, como diría ese sector exaltado, pero sí es un clarísimo ejemplo de la maestría que tienen estos genios de la animación. Absolutamente sin palabras, sólo con imágenes y la impresionante melodía de Michael Giacchino, se nos cuenta la historia de Karl y Ellie, sin escatimar en escenas treméndamente trágicas. Realmente es lo mejor de la película. Pero si 10 minutos son lo mejor...

Y es que después de este inicio, y de la presentación del resto de personajes, todo cambia, sobretodo a partir de la llegada a la selva. Mucho se ha criticado a esta película sobre lo creíble o lo poco creíble de sus acontecimientos, y con razón. Aunque no creo que ese sea el término adecuado. En su lugar habría que hablar de otro término, una palabra bastante fea: verosimilitud, es decir, el arte de hacer creíble lo increíble. Mucha gente critica que no es posible que una casa de X toneladas surque los cielos sólo sustentado por unos globos de helio. Bueno, tampoco es posible que los peces hablen y sobre "Buscando a Nemo" nadie dice nada. Es, lo que se llama "licencia artística", aquel suceso que puede resultar físicamente imposible pero que perdonamos, pues sin ello no existiría la película. Pero otra cosa es la verosimilitud y aquí es donde esta película flaquea.

Al principio se nos muestra a Karl de niño, viendo en el cine una especie de NODO, en el que se cuentan las hazañas de su explorador favorito. Así que tenemos a un chaval de unos 10 años (o un poco menos) idolatrando a un hombre de unos veintitantos como mucho, yo diría que treinta. Es decir, unos 20 años de diferencia. Sin embargo (y según he leído por todos lados) el Karl viejo tiene 78 años, con lo que el explorador, tendría que tener entre 88 y 98, casi 100 años. Pero helos aquí, que los dos, a lo largo de la película, les vemos dando saltos, brincos, golpes, moverse con una agilidad pasmosa, trepar por cuerdas, arrastrar cosas y demás, con el vigor propio de un treintañero. ¿Hay alguien que pueda creerse eso? Creo que no. Y menos aún cuando al principio se nos muestra una escena de Karl bajando las escaleras con una silla eléctrica y andando con un tacataca (escena que sale en el trailer, por cierto). Eso a mí, como a cualquier persona inteligente de este planeta, me da a entender que está bastante limitado de movimientos. Pero entonces, ¿cómo es posible que no pueda bajar las escaleras de su casa y sí correr a toda velocidad entre la selva venezolana? Yo, personalmente no lo entiendo.

Esto hace que "Up", que no deja de ser técnicamente un prodigio y emocionalmente un torrente de sensaciones (¡toma cursilería!), en lo que se refiere al guión y al curso de los acontecimientos está pésimamente resuelto y viendo de Pixar, que al igual que al Real Madrid, se le exige la excelencia, es un fallo bastante grave. Por eso, para mí, "Up" no me parece una de las grandes películas de Pixar. En términos comparativos, sería un poquito inferior que "Ratatouille", pero bastante mejor que "Bichos" y "Cars". Es decir, que sin dejar de ser una gran película, no figura entre las mejores del estudio. Eso sí, no dudéis que ganará el Oscar a mejor película, aun estando nominada (si lo está) "Ponyo en el acantilado", para mí la que más se lo merecería. Otro año más, otra película más, pero me sigo quedando con "Los Increíbles".

domingo, 13 de septiembre de 2009

Animación soviética I

A pesar de la idea que generalmente tenemos en España (y tantos otros lugares, supongo) Winnie de Pooh no es en absoluto un libro infantil. De hecho, en la cultura anglosajona, es un libro ciertamente admirado y estudiado, de forma similar a lo que ocurre con Alicia en el País de las Maravillas, lleno de referencias satíricas y otras virtudes que van más allá de los lectores menos avanzados.

En esta situación, la edulcorada visión de Disney no ha ayudado a hacer justicia al osuno personaje. Por fortuna, los soviéticos tampoco quisieron quedarse sin su Winnie y tienen una adaptación a la televisión. ¡Y qué gran versión! Los dibujos -en la más pura tradición soviética- son preciosos, con una música delicada y deliciosa (¡¡vaya palabras tan profesionales que utilizo!!). El único problema es que nuestro Vinni Puh está en ruso y no se entiende demasiado, aunque las imágenes y los sonidos son casi hipnóticos (cuántas veces lo habré visto...)... y divertidos. ¡Mención especial a la canción de Vinnie! -al final en este vídeo.

La historia está dividida en 4 partes, la segunda de las cuales (Vinnie va de visita) la he podido encontrar subtitulada al inglés. Bueno, otro día volveré con más animación soviética, que desde luego da para rato :)

domingo, 16 de agosto de 2009

¡Oh, que bella noche!

NOCTURNA

Título original: Nocturna
Año: 2007
País: España/Francia
Duración: 90 min.
Fecha de estreno en España: 11 de octubre de 2007
Director: Adriá García y Víctor Maldonado
Guión: Adriá García, Víctor Maldonado y Teresa Vilardell
Música: Nicolás Errera
Montaje: Félix Bueno
Productor: Julio Fernández y Philippe Garrell
Compañía: Filmax Animation/Animakids Productions/Castelao Producciones
Intérpretes: (Voces V.O.) Carlos Sobera, Imanol Arias, Natalia Rodríguez et al.

Tim es un niño huérfano que sufre de insomnio, con lo que necesita cada noche mirar las estrellas para conciliar el sueño. Una noche descubre que están desapareciendo las estrellas, con lo que sale del orfanato y decide investigar. Descubrirá entonces el maravilloso mundo de Nocturna, un lugar en el que fabulosos seres velan para que nuestros sueños sean lo más agradables posibles.

Hace tiempo vi el trailer de "Planet 51", la película española más cara de la historia y que puede hacer frente sin miedo alguno a las grandes joyas de Pixar y Dreamworks. Esto hizo que me acordase de otra película de animación española, menos sonada pero no menos interesante. Esta era "Nocturna", una de las pequeñas joyas del cine español de los últimos años.

Yo no confío mucho en el cine español, todo hay que decirlo (y creo que no estoy solo), pero siempre he tenido una fe ciega en nuestro cine de animación, género lleno de posibilidades infinitas que siempre suelen agradar al espectador. Y en "Nocturna" no puede ser menos. Y es que su calidad procede no sólo del talento de sus creadores, sino en las inspiraciones que han usado para realizarla. Estéticamente es muy curiosa, con esas dibujos tan redondos y estilizados, pero la ambientación y la fantasía están claramente inspiradas en el universo de Miyazaki. Por otro lado, el argumento recuerda muchísimo a "City of Ember", con esa ciudad a oscuras en la que se van apagando las luces y un chaval tiene que averiguar por qué. Con esas dos películas como inspiración no es complicado hacer una película... bueno, no es complicado idearla porque, como ocurre con "Nocturna", la cantidad de productoras, compañías, ministerios y demás parafernalia que aparece durante un minuto largo (como leéis, un minuto) antes de empezar la película, indica que no es nada fácil realizar una película española de animación.

Pero lo que más me llamó la atención fue el doblaje del film. Al inicio se nos indica que aparecen las voces de Imanol Arias, Carlos Sobera y Natalia de OT, voces sobradamente conocidas en nuestro país. Pues creedme si os digo que me costó muchísimo identificar las voces de los dos primeros actores. La de Imanol Arias requiere un poco de esfuerzo, pero al final uno acaba descubriendo qué personaje dobla, pero aún hoy estoy dudando si realmente era Sobera el que ponía voz al alcalde. Su labor es tan magnífica que a penas se distingue si es su voz. Todo lo contrario que Natalia, cuya voz chirría cuando habla su personaje, desentontando bastante.

Y como veis tampoco es que haya mucho que decir sobre "Nocturna". Una película muy bonita, muy bien hecha y que supone de las pocas películas dignas de nuestro cine. Un espectáculo digno de ver por toda la familia.

lunes, 8 de junio de 2009

Los mundos de Coraline

CORALINE

Año: 2009
País: EEUU
Duración: 101 min
Director: Henry Selick
Guión: Henry Selick
Novela: Neil Gaiman
Música: Bruno Coulais, They May be Giants
Fotografía: Pail Gentry, Pete Kozachik
Compañía: Focus Features/ Laika Entertainment/ Pandemonium

Mi puntuación filmaffinity: 8
Puntuación filmaffinity (9/6/09): 7,5
Puntuación imdb (9/6/09): 8,1


Si no se esfuman
Hay que tener cuidado
Con los fantasmas


Mogollón de datos:
  • Dakota Fanning pone la voz original a Coraline.
  • Henry Selick también es director de Pesadilla antes de navidad.
  • Bruno Coulais es responsable de la banda sonora de Los chicos del coro. (Por cierto, me gustó mucho la banda sonora de ambas pelis).
  • Por último, They May be Giants (TMBG) es una banda de geek rock. Ganaron un Grammy en 2002 por Boss of Me e interpretan (si no he entendido mal) la introducción de la serie Malcom el de en medio (youtubead la susodicha canción).
Quería dar crédito de toda la gente que trabajó haciendo cosas de películas, pero no he sabido encontrarla... así que les doy una cíber-palmadita en la espalda.
Hago notar que, desgraciadamente, no pude ver la película en su versión 3D chachi-mega.

Una vez culturizados de tan diversa forma, prosigamos.

Los mundos de Coraline es una gran película, una película que no pretende descubrirnos el cine ni enseñarnos a ser mejores personas, una película para niños, pero, por fin, una película que no está dirigida a niños estúpidos.

En Coraline podemos ver cómo también los niños pueden sufrir a causa de sus propios prejuicios y errores, cómo no todas las familias son perfectas y cómo, a pesar de todo, puede que haya esperanza. Todo ello sin pretender hacernos llorar en ningún momento. Con personajes adaptados a su papel pero no por ello menos interesantes o menos reales –a su manera. Sin necesidad de mostrarnos los personajes en que deseamos convertirnos, sin necesidad de darnos modelos para saber cuál debe ser nuestro siguiente paso en la vida. Los niños son como son, no hay por qué disfrazarlos de mendrugos o, mucho peor, de adultos.

Por eso me ha gustado tanto esta película, porque me permitió identificarme con casi todos los personajes, personajes que me hacían sentir contento de formar parte de este mundo imperfecto, con tipos raros y personas afanadas en escapar de sus fantasmas.

Además, hay ratones majorette y un astuto gato (que sin duda recuerda al gato de Cheshire de Alicia). Unido esto a sus personajes cautivadores y alarmantemente expresivos tenemos una historia que, lejos de ser perfecta o cambiar nuestras vidas, yo no me dejaría perder.

Nota: La película tiene por supuesto posibilidad de mejorar ...o, bien entendido, de adaptarse más perfectamente a mis cánones divinos... pero hoy no voy a hacer crítica negativa, no toca.

domingo, 1 de marzo de 2009

Sueños de guerra

VALS CON BASHIR

Título original: Vals im Bashir
Año: 2008
País: Israel
Duración: 90 min.
Fecha de estreno en España: 20 de febrero de 2009
Director: Ari Foldman
Guión: Ari Foldman
Música: Max Richter
Montaje: Feller Nili
Productor: Ari Folman, Serge Lalou, Gerhard Meixner, Yael Nahieli y Roman Paul
Compañía: Bridgit Folman/Les Films d'Ici/Razor Film Produktion GmbH
Intérpretes: (Voces V.O.):
Ari Folman, Ron Ben-Yishai, Ronny Dayag, Dror Harazi, Yehezkel Lazarov, Mickey Leon, Ori Sivan, Zahava Solomon et al.

Ari Folman, famoso cineasta israelí, conversa con un amigo suyo sobre la primera guerra del Líbano, en la que ambos combatieron. Desde ese momento Folman comienza a tener un extraño sueño que se repite una y otra vez y descubre que no recuerda nada del conflicto. Decide entonces ir a ver a un psicólogo amigo suyo para solucionar su problema y este le recomienda entrevistar a sus antiguos compañeros del ejército, para ver si sus respuestas le ayudan a recordar y arrojan un poco de luz a su misteriosa visión.

El documental no es un género muy asimilado por el público, el cual suele preferir más la ficción. Tampoco el cine israelí es del gusto de las masas que prefieren consumir productos made in USA. Y aunque la animación esté en alza, muchos aún lo consideran un género minoritario, a no ser que sea de Pixar o Dreamworks, que entonces va todo el mundo a ver la película de marras. Por eso, si juntamos estos tres aspectos, un documental israelí de animación, lo que es "Vals con Bashir", no creo que los productores esperen ganar mucho dinero en taquilla. Por eso en la sala aquella noche había unas míseras 15 personas. Es lo que tenía la víspera de los Oscar. Pero dentro de esta rareza poco vista se encuentra una de las películas más hermosas y vibrantes que jamás he visto.

Lo curioso de "Vals con Bashir" es el hecho de ser un documental de animación. ¿Por qué hacerlo así? Sólo hay que pensar un poquito. A lo largo de los años la perfección en los efectos visuales ha sido una obsesión. Estos tenían que parecerse lo más posible a la vida real. Eso hace que muchas veces se note demasiado el ordenador y el realismo se pierda. Pero alguien pensó una vez ¿por qué no hacerlo al revés? ¿Por qué no hacer que toda la película esté hecha por ordenador? Así los personajes y el entorno no desentonarían con la complejidad de las efectos visuales. Esto mismo pensó Ari Folman de forma muy hábil. Mostrando en imágenes las ensoñaciones, fantasías y recuerdos de los personajes haría que el filme fuese más atractiva. Pero la única forma de unificar ficción y realidad y hacerlas verosímiles era haciendo toda la película un filme de animación. Así la fantasía se haría más real.

Gracias a esa genial idea, Folman nos regala con "Vals con Bashir" una extraña mezcla de ficción y realidad. Entrevistas verídicas acompañadas de episodios oníricos apoteósicos. Curiosamente son estos lo mejor de todo el filme, donde toda la imaginación y la técnica salen a bailar al ritmo de la impresionante banda sonora como, por ejemplo, la secuencia del sueño de Folman o del vals en mitad del tiroteo, en una calle infestada con carteles de Bashir (de ahí su título). Los movimientos de cámara, los trazos y el color son perfectos en esta curiosa película de animación, convirtiéndose en toda una experiencia para los sentidos. A mí me han llegado a poner los pelos de punta.

No obstante, el filme no es perfecto. Su escasa duración y su final, que acaba de sopetón, sin esperártelo, te sacan de la película con una sensación de insatisfacción. Es como si después de haber acudido a una sesión de hipnosis te diesen una bofetada para levantarte. Quizá sea porque esperabas más o porque querías que esas bellísimas imágenes durasen para toda la eternidad, pero se nota que el final es demasiado precipitado y cuando crees que ha sido un episodio más de la película (contado con imágenes reales de archivo), te saltan los títulos de crédito. Por esto "Vals con Bashir" no se convierte en una experiencia plena. Te ofrecen una maravilla de 90 minutos, te sumerges en ese mundo de animación con la boca abierta y cuando menos te lo esperas acaba, como si te diesen un caramelo y te lo quitasen cuando más lo estabas disfrutando.

Aun así, "Vals con Bashir" es una película maravillosa, una OBRA DE ARTE con mayúsculas, que fascina por su curiosa animación, por la historia y por la osadía de mezclar realidad y ficción de una forma tan elegante en un documental de animación. Tendré que ver "Departures", la película japonesa ganadora del Oscar a mejore filme de lengua extranjera, para ver si es cierto que es mejor que la maravilla israelí del año.

sábado, 31 de enero de 2009

PREMIOS ANNIE 2009: Los 5 furiosos arrasan con todo


Es conocida en mí la opinión que tengo con respecto a "Wall-E". No me pareció la maravilla que todos dicen y a diferencia de mucha gente, donde ponían el 2008 como la hegemonía de Pixar, yo opinaba, basándome en la siempre veraz opinión del público, que "Wall-E" no gustó a todo el mundo y que películas como "Bolt" o "Kung Fu Panda" estaban teniendo mucho más éxito. Si la avala el público y también la crítica era buena señal. Y eso no pasaba con "Wall-E". Muchos me consideraban hereje, pero hoy se me ha dado la razón.

En la edición de los premios de la Asociación Internacional de Cine de Animación, conocidos como los Annie, la gran tiunfadora, sorprendentemente para muchos y no tanto para un servidor (sus 15 nominaciones hacían temérmelo), ha sido "Kung Fu Panda", ganando incluso el premio a la mejor película de animación, por encima de "Wall-E". Sí, habéis leído bien. Además de estos ha ganado 8 premios más, entre ellos el de mejor director. Pero no sólo eso, sino que un cortometraje llamado "El secreto de los Cinco Furiosos", protagonistas de "Kung Fu Panda", ha ganado cuatro premios. Si entráis en la página oficial veréis una y otra vez en negrita el nombre de Dreamworks Animations, y algún que otro "Star Wars por ahí. Tan sólo aparece en negrita un Walt Disney Pictures y no tiene nada que ver con "Bolt" y no veréis nada resaltado relacionado con Pixar. Como bien dice Po, la alucinancia no tiene precio. Os dejo con las ganadoras.

PREMIOS ANNIE 2008: Ganadores

Mejor película de animación

Mejor corto animado
  • Glago’s Guest
  • Hot Dog
  • Presto
  • Sevastian's Voodoo
  • Wallace & Gromit: a matter of loaf or dead
Mejor dirección
  • Sam Fell y Rob Stevenhagen (El valiente Desperaux)
  • Ari Folman (Vals con Bashir)
  • Tatia Rosenthal (9.99)
  • John Stevenson y Mark Osborne (Kung Fu Panda)
  • Andrew Stanton (Wall-E)
Mejor guión
  • Jon Aibel & Glenn Berger (Kung Fu Panda)
  • Etan Cohen, Eric Darnell y Tom McGrath (Madagascar 2)
  • Ari Folman (Vals con Bashir)
  • Cinco Paul y Ken Daurio (Horton)
Mejor guión gráfico
  • Alessandro Carloni (Kung Fu Panda)
  • Ronnie Del Carmen (Wall-E)
  • Joe Mateo (Bolt)
  • Jen Yuh Nelson (Kung Fu Panda)
  • Rob Stevenhagen (El valiente Desperaux)
Mejor voz
  • Ben Burtt: voz de Wall-E (Wall-E)
  • Dustin Hoffman: voz de Shifu (Kung Fu Panda)
  • James Hong: voz de Sr. Ping (Kung Fu Panda)
  • Ian McShane: voz de Tai Lung (Kung Fu Panda)
  • Mark Walton: voz de Rhino (Bolt)
Mejor animación de personaje
  • James Baxter (Kung Fu Panda)
  • Jeff Gabor (Horton)
  • Philippe Le Brun (Kung Fu Panda)
  • Victor Navone (Wall-E)
  • Dan Wagner (Kung Fu Panda)
Mejor diseño de personajes
  • Valerie Hadida (Igor)
  • Sang Jun Lee (Horton)
  • Nico Marlet (Kung Fu Panda)
Mejores efectos de animación
  • Alen Lai (Horton)
  • Li-Ming y Lawrence Lee (Kung Fu Panda)
  • Fangwei Lee (Madagascar 2)
  • Kevin Lee (Bolt)
  • Enrique Vila (Wall-E)
Mejor música
  • Kevin Manthei (Batman: Gotham Knight)
  • John Powell (Horton)
  • Max Richter (Vals con Bashir)
  • William Ross (El valiente Desperaux)
  • Hans Zimmer y John Powell (Kung Fu Panda)
Mejor diseño de producción
  • Ralph Eggleston (Wall-E)
  • Paul Felix (Bolt)
  • Tang Heng (Kung Fu Panda)
  • Evgeni Tomov ( El valiente Despereaux)
  • Raymond Zibach (Kung Fu Panda)


No pienso que hayan sido injustos, aunque yo hubiese preferido que ganara "Bolt". Lo que veo yo aquí es que no sólo se han basado en la calidad técnica de la película, sino en la opinión del público, ya sea en taquilla o en comentarios. En la página oficial de la pasada edición de los BFCA hay una sección donde aparecen las votaciones que hizo la gente sobre determinadas películas. En el apartado de animación destaca la victoria de "Wall-E" por un 39%, pero "Bolt" le sigue de cerca con un 34%. Esto indica que esa diferencia abismal entre "Wall-E" y el resto es una ilusión óptica. La última película de Pixar no ha sido demasiado bien acogida por el público, mientras que otros filmes como "Kung Fu Panda" y "Bolt", sobretodo esta última, ha gustado de igual modo a crítica y público. Eso se ha reflejado en los Annie.

También se puede ver como un toque de atención ante lo que está haciendo Pixar. Se está alejando demasiado del gusto del público en general, buscando mucho más la experimentación que captar la atención del espectador. Eso no debe gustarle a los miembros del ASIFA y por ello han decidido hincar a las producciones de Dreamworks con todos los premios. Incluso un cortometraje de Wallace y Gromit, producto de la compañía de Spielberg, ha ganado uno de los premios. Esta hipótesis no es muy sólida, pues casualmente, en 2006, le dieron el Annie a una de las más flojas películas de Pixar, "Cars", con moderada acogida de crítica y público. Casualmente esta ha sido la única ocasión en la que el premio Annie no ha coincidido con el Oscar a la mejor película de animación (ese año lo ganó "Wallace y Gromit: la maldición de las verduras"). ¿Ocurrirá lo mismo esta vez? No sé, no sé. Todo depende de quién elija el premio a esa categoría. Si lo hacen los expertos en animación puede ser el pelotazo. Si lo da el resto de cineastas el premio está asegurado para "Wall-E". Esta va a ser la ceremonia de los Oscar más emocionante que jamás habré vivido.

Si aún no me creéis os dejo la página oficial de los Annie.

sábado, 17 de enero de 2009

Batman: año cero

BATMAN: LA MÁSCARA DEL FANTASMA

Título original: Batman: the mask of the Phantasm
Año: 1993
País: EE.UU.
Duración: 77 min.
Fecha de estreno en España: No se estrenó en cines
Director: Eric Radomski y Bruce W. Timm
Guión: Alan Burnett, según los personajes de Bob Kane
Música: Shirley Walker
Montaje: Al Breitenbach
Productor: Allan Burnett, Benjamin Melniker, Eric Radomski y Bruce W. Timm
Compañía: Warner Bros. Pictures
Intérpretes: (Voces V. O.) Kevin Conroy, Dana Delany, Hart Bochner, Stacy Keach, Abe Vigoda, Dick Miller, Efrem Zimbalist Jr., Mark Hamill et al.

Un capo mafioso ha aparecido muerto en un edificio de Gotham y todas las sospechas apuntan a Batman. Sin embargo, el hombre murciélago descubre que hay alguien detrás de esas muertes y decide averiguar quién es. Pero entonces regresará a su vida Andy Beaumont, una antigua novia con la que Bruce Wayne estuvo a punto de casarse. Con su llegada Bruce recordará sucesos de su pasado que había olvidado y se debatirá entre la promesa de venganza que hizo a sus padres o la felicidad al lado de la mujer que ama.

Cuando todos hablamos de las películas de Batman se nos vienen a la cabeza las dos de Tim Burton, las de Schumacker y las de Nolan. Siempre relacionamos a Batman en el cine con acción real. Sin embargo sabemos que hay un Batman en animación, una genial serie de los 90 titulada "Batman: la serie animada". Pero a mucha gente le sorprendería saber que existe una película de cine de Batman en animación y, mucho más sorprendente, que rivaliza cara a cara con la mejor película de acción real que jamás se haya hecho sobre el hombre murciélago. Tal es el caso que muchos han comparado a "Batman: la máscara del fantasma" con "Batman Begins". Y motivos tienen de sobra para afirmarlo. No en vano estuvo nominada a un Annie a la mejor película de animación en el 93, premio que le arrebató, sin discusión alguna, "El rey león".

El motivo principal de la gran calidad de este filme, a parte de la genial animación de Bruce Timm, es su descomunal guión. Es tan complejo y atractivo que parece un insulto que en la carátula del DVD te ponga "Warner Kids", pues sería rebajar tal historia al ámbito infantil. Y quizá sea ese su principal defecto. La historia es sumamente atractiva. Comienza con la presencia de un enemigo, El Fantasma, que se dedica a asesinar mafiosos y tras el típico tema de la policía persiguiendo a Batman, aparece el personaje de Andy, que es lo que mete carnaza en la película. Su personaje sirve como motivo para que Bruce Wayne recuerde pasajes de su pasado que todos conocemos pero que no habíamos visto así: la duda entre el amor y las promesas, el miedo a dejar tu vida y todo lo que importa por la persona a la que amas. Y todo ello contado con unos flashbacks bien enlazados que ayudan a aumentar el ritmo del filme y darle un toque más complejo. Pero lo más curioso de la película es el protagonismo que se le da al Joker. Cuando parecía que la historia estaba muerta y que todo iba a ser un juego del gato y el ratón, aparece el payaso y se convierte en el malo de la película, dejando a El Fantasma en un segundo plano. Es el Joker y no consiente que en un plan tan divertido como el de esas muertes él no tenga nada que ver, con lo que se suma a la fiesta. Puede que sea un Joker un tanto ridículo e infantil, pero ese afán de protagonismo, ese humor macabro, esa mentalidad psicópata se respeta en el filme.

Pero como he dicho, el principal defecto de la película es que es de animación. Eso no sólo implica que no se le conozca tanto como a las de acción real o que no se le de la importancia que debería tener, sino por la propia mentalidad de los directores de que estaban haciendo una película de animación. Su escasa duración y quizá ese miedo a hacer un guión demasiado complejo en un filme animado han hecho que partes de la historia muy interesantes no se hubieran desarrollado mucho más. Por ejemplo, el personaje de El Fantasma, un enemigo que asesina a la gente por venganza, sería un símil de Batman, un reflejo de lo que sería el propio hombre murciélago si hubiese traspasado esa linea por la que siempre circula. Si se hubieran centrado mucho más en ese personaje y en esa dualidad habría mucho más interés. Pero claro, son dibujos animados y, por lo tanto, para niños.

Por eso, si eres fan de Batman o si simplemente te gusta el cine de animación (yo tengo la suerte de ser de los dos casos) no puedes pasar la oportunidad de ver esta genial película, maravilla de guión no sólo en la historia sino en la caracterización de los personajes, su psicología, sus giros de guión y sus frases. Una película sorprendente por su planteamiento, por hacer un guión tan trabajado y una dirección tan osada en una sencilla película de animación. Pero es que Batman se merece eso y mucho más.

PD: Mark Hamill le pone la voz al Joker en la versión original. Sólo por eso la película merece todas las alabanzas.

sábado, 27 de diciembre de 2008

Premios Annie 2009

Como enamorado del cine de animación no puedo pasar por alto las nominaciones a los premios Annie, galardones que reconocen los mejores trabajos del cine de animación del año, en otras palabras, los Oscars del cine de animación. Lo primero que llama la atención de estos premios es la cantidad de cine de animación que existe y qué poquito nos ha llegado a este país. Tan sólo "Wall-E", "Kung-Fu Panda", "Madagascar 2", "Bolt" y "El valiente Desperaux" han sonado con fuerza este año. Sin embargo, asombra la presencia de dos películas israelís en las nominaciones. "Vals con Bashir" y "9,99$", esta última coproducida con Australia, compiten con "Bolt", "Wall-E" y "Kung-Fu panda" por el premio a la mejor película de animación. Pero no solo eso, sino que ambas optan también al premio a la mejor dirección, siendo nominada "Vals con Bashir" también al de mejor guión y mejor música en un total de 4 candidaturas.

Seguramente penséis que "Wall-E" es la gran favorita para estos premios y la que más nominaciónes debería tener. Pero esto es falso, pues sus 7 nominaciones se quedan cortas ante las 15 (sí, más del doble) de "Kung-Fu Panda", la gran favorita para arrasar en los Annie de este año. La película está presente en todas y cada una de las nominaciones que hacen referencia a largometrajes y en algunas categorías tiene más de una nominación, como en el caso de mejor voz o mejor animación de personajes, ambas con 3 candidaturas. Y es que parece que la competencia ha cogido el pulso a Pixar y películas como "Bolt" (5 nominaciones), "Horton" (4), "El valiente Desperaux" (4) y la anterioremnte mencionada "Vals con Bashir" (4) siguen de cerca las nominaciones de "Wall-E".

Como curiosidad mencionar la candidatura de Gotham Knight, la miniserie estilo anime sobre Batman de la que os hablé en una entrada anterior, a la mejor música. También hay que destacar la nominación de un español, Enrique Vila, a los mejores efectos de animación. Ya veis lo que se ha hablado en la prensa sobre esta candidatura. En el estreno de "Wall-E" toda la prensa hablaba de los tres españoles que trabajan en Pixar, pero ahora, con la nominación de uno de ellos, ni mu. Importan más Pe y Bardem. En fin, no quiero comentar nada al respecto.

Y de momento nada más. A esperar al 30 de enero para ver las ganadoras. La lista completa de nominaciones la tendréis pinchando aquí y si pincháis en los títulos de las películas os saldrá el trailer, para que sea todo más entretenido. Un saludo y no dejéis de ver cine de animación, un género que guarda muchas sorpresas.

PREMIOS ANNIE 2008: Nominados

Mejor película de animación
Mejor corto animado
  • Glago’s Guest
  • Hot Dog
  • Presto
  • Sevastian's Voodoo
  • Wallace & Gromit: a matter of loaf or dead
Mejor dirección
  • Sam Fell y Rob Stevenhagen (El valiente Desperaux)
  • Ari Folman (Vals con Bashir)
  • Tatia Rosenthal (9.99)
  • John Stevenson y Mark Osborne (Kung Fu Panda)
  • Andrew Stanton (Wall-E)
Mejor guión
  • Jon Aibel & Glenn Berger (Kung Fu Panda)
  • Etan Cohen, Eric Darnell y Tom McGrath (Madagascar 2)
  • Ari Folman (Vals con Bashir)
  • Cinco Paul y Ken Daurio (Horton)
Mejor guión gráfico
  • Alessandro Carloni (Kung Fu Panda)
  • Ronnie Del Carmen (Wall-E)
  • Joe Mateo (Bolt)
  • Jen Yuh Nelson (Kung Fu Panda)
  • Rob Stevenhagen (El valiente Desperaux)
Mejor voz
  • Ben Burtt: voz de Wall-E (Wall-E)
  • Dustin Hoffman: voz de Shifu (Kung Fu Panda)
  • James Hong: voz de Sr. Ping (Kung Fu Panda)
  • Ian McShane: voz de Tai Lung (Kung Fu Panda)
  • Mark Walton: voz de Rhino (Bolt)
Mejor animación de personaje
  • James Baxter (Kung Fu Panda)
  • Jeff Gabor (Horton)
  • Philippe Le Brun (Kung Fu Panda)
  • Victor Navone (Wall-E)
  • Dan Wagner (Kung Fu Panda)
Mejor diseño de personajes
  • Valerie Hadida (Igor)
  • Sang Jun Lee (Horton)
  • Nico Marlet (Kung Fu Panda)
Mejores efectos de animación
  • Alen Lai (Horton)
  • Li-Ming y Lawrence Lee (Kung Fu Panda)
  • Fangwei Lee (Madagascar 2)
  • Kevin Lee (Bolt)
  • Enrique Vila (Wall-E)
Mejor música
  • Kevin Manthei (Batman: Gotham Knight)
  • John Powell (Horton)
  • Max Richter (Vals con Bashir)
  • William Ross (El valiente Desperaux)
  • Hans Zimmer y John Powell (Kung Fu Panda)
Mejor diseño de producción
  • Ralph Eggleston (Wall-E)
  • Paul Felix (Bolt)
  • Tang Heng (Kung Fu Panda)
  • Evgeni Tomov ( El valiente Despereaux)
  • Raymond Zibach (Kung Fu Panda)

martes, 23 de diciembre de 2008

Disney ha vuelto

BOLT


Título original: Bolt
Año: 2008
País: EE.UU.
Duración: 93 min.
Fecha de estreno en España: 5 de diciembre de 2008
Director: Byron Howard y Chris Williams
Guión: Chris Williams y Dan Fogelman
Música: John Powel
Productora: Walt disney Animation Studios
Intérpretes: (Voces V.O.): Miley Cyrus, John Travolta, Malcom McDowell, Susie Essman, Mark Walton et al.

Bolt es el protagonista de una de las más exitosas series de Hollywood. Interpreta a un perro manipulado genéticamente para proteger a su dueña Penny de las garras del malvado doctor Cálico. Lo que pasa es que el pobre perro se cree que realmente tiene superpoderes, con lo que al acabar de rodar un capítulo en el que Cálico rapta a Penny, este cree que la ha secuestrado de verdad y huye del plató para rescatarla. Pero un accidente hace que acabe en Nueva York, teniendo que recorrer el país de costa a costa hasta volver con su dueña. Sin embargo no estará solo, pues una gata vagabunda llamada Mittens y un hanster fanático de la serie llamado Rhino le acompañarán en su gran aventura.

Siempre he tenido una confusión entre Pixar y Walt Disney. No sé qué diferencias hay en ambas. Pensé que una se dedicaría a la animación tradicional, mientras que la otra al ordenador. Pero cuando la compañía del ratón Mickey compró Pixar todo se complicó. Sigue existiendo Walt Disney Animations, la cual realiza sus propias películas también en 3D, pero ahora está Disney Pixar, la misma compañía de antes pero donde manda Disney. Esta operación ha supuesto grandes ventajas a Walt Disney y grandes inconvenientes para Pixar. Los primeros ganan calidad en su animación y mucha audiencia (el tirón de la animación 3D es patente), los segundos pierden libertad, viéndose obstruidos por los mandatos de la compañía.

Bajo este panorama ambas compañías han estrenado este año dos filmes que reflejan a la perfección este problema: "Wall-E" es un portento, técnicamente insuperable, pero la osadía de los de Pixar a la hora de contar con 40 minutos sin pronunciar palabra no debió gustar a Disney, con lo que tuvieron que cambiar su punto de vista, haciendo una película mucho más asequible y alejándose de la experimentación. Disney, por contra, ha hecho que sus películas, con sus temas vistos hasta la saciedad y su moralina, den un enorme salto de calidad, debido a la mano que pueden llegar a tener producotres venidos de Pixar. Y esto es lo que ha pasado con "Bolt", pues seguro que la mano de Lasseter ha hecho que esta se convierta en una de las mejores películas del año. Para mí, posiblemente, la mejor (seguramente me lapidéis por esto, pero tengo mis razones para pensarlo).

Es cierto que "Wall-E" visualmente es perfecta, pero su idea se pierde a los cuarenta minutos de metraje, siendo el resto bastante convencional. Y no sé vosotros, pero para mí Pixar no es convencional, sino que son los mejores, con lo que este descenso a cotas más normales no me parece digno de la compañía. "Bolt", por contra, carece de la originalidad y osadía de los de Pixar. La película posee una historia sencilla, la típica moraleja y el final feliz de todas sus películas, pero saca a flote una historia que en otras circunstancias crearía una película del montón (seguro que en animación tradicional este filme no sería lo que es). Es decir, "Bolt" no tiene aspiraciones ni aires de grandeza, pero los de Disney lo saben y confían plenamente en su fórmula, cosa que Pixar lleva años sin hacer.

Así, con esa credibilidad y esa fe en sí mismos Byron Howard y Chris Williams logran hacer una película impresionante, que no sólo no aburre, sino que divierte, algo que, tal y como está el cine hoy en día, es realmente complicado. Se podría definir "Bolt" como "El show de Truman" pero al estilo road movie, con lo que su argumento no es muy original. Pero son su contundencia narrativa, sus chistes y sus personajes secundarios los que catapultan a "Bolt" a la estratosfera de las mejores películas del año. Vayamos por partes.

La película narrativamente es prodigiosa y posee escenas de acción que recuerdan a "Los Increíbles" por su ritmo y sus efectos visuales. La secuencia inical de la persecución es de lo mejorcito que se ha visto en años. Ni siquiera se podría ver una parecida en un filme actual de 007. En lo que se refiere a los chistes decir que son realmente graciosos, yendo desde el chiste tonto de darse golpes hasta las ocurrencias ingeniosas, pasando por la alusión a las películas de Pixar (con el chiste de Nemo no me he reído más en mi vida). En "Bolt" el humor se centra principalmente en dos personajes: las palomas, un simil de los pingüinos de "Madagascar", con una memoria de mosquito, que no recuerdan a Bolt ni aunque tengan un cartel de la serie a su lado. El otro personaje es el inmenso Rhino. Dicen que es uno de los mejores secundarios de la historia de la animación. No sé si será verdad, pero puede que tengan razón. Sin él la película no sería nada, ni pizca de entretenida. Su fanatismo hace que piense con el corazón en lugar de con la cabeza, llevando a situaciones realmente disparatadas. En estos dos aspectos se nota la mano de John Lasseter en la producción. El director de "Toy Story" y "Cars" da gran importancia a los personajes secundarios, constante que se repite en las películas de Pixar, haciendo que "Bolt" contenga personajes inolvidables.

Otro aspecto a destacar de "Bolt" es su música. A parte de las canciones (la de "Ladrando a la luna" es genial, además de estar perfectamente traducida al castellano) la parte instrumental es bellísima. Siguiendo con las comparaciones, ahora mismo de "Wall-E" sólo recuerdo su maravillosa canción final, pero no recuerdo el tema instrumental principal. En "Bolt" la música no sólo es preciosa, sino que está bien utilizada en los momentos álgidos para aumentar el dramatismo. Además suena, se escucha y el espectador tiene tiempo para deleitarse con ella y guardarla en la memoria. Yo no sé si "Wall-E" tiene una buena o mala música porque, simplemente, no tuve oportunidad de escucharla.

En resumidas cuentas, "Bolt" es una película a la sombra de Pixar, sin nada que perder y que ha utilizado esa condición para sorprender al espectador con un filme sin sustancia pero potente, precioso e inusualmente divertido. Un filme que a los niños divertirá y que los adultos disfrutarán como si fuesen chiquillos. Ojalá esta película suponga el renacer de la compañía que antaño fue la fábrica de las más mágicas historias que jamás se vieron en una pantalla de cine. Dentro de un par de años, con el próximo estreno en 3D de Disney ("Rapunzel"), veremos si "Bolt" fue un golpe de suerte o es el resurgir de la compañía.