El western, el género maldito

VALOR DE LEY

Títiulo original: True grit

Año: 2010

País: EE.UU.

Duración: 100 min.

Fecha de estreno en España: 11 de febrero de 2011

Director: Ethan y Joel Coen

Guión: Joel Coen e Ethan Coen, según la novela homónima de Charles Portis

Música: Carter Burwell

Montaje: Roderick Jaynes

Fotografía: Roger Deakins

Productor: Ethan Coen, Joel Coen y Scott Rudin

Compañía: Paramount Pictures/Skydance Productions

Intérpretes: Hailee Steinfeld, Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin, Barry Pepper, Paul Rae, Domhnall Greesom et al.

Oeste americano, finales del siglo XIX. El padre de Matti, una joven de catorce años, ha sido asesinado a sangre fría por el bandido Tom Chaney. Como nadie le siguió y ninguna persona se dedica a darle caza, la chica deja atrás a su familia y viaja haica un pequeño pueblo para contratar los servicios dle sheriff Rosster Cogburn, famoso por su fácil gatillo. A pesar de que el sheriff es reticente a la hora de ayudar a la muchacha, Matti hará todo lo que esté en su mano para que se haga justicia a la muerte de su padre.

Cuando un equipo juega en casa, no sólo debe ganar, sino que debe agradar a su afición. Algo parecido ocurre con el western: no sólo debe ser una gran película, sino que debe ser la creme de la creme. Y es que, uno de los lastres a la hora de hacer hoy día una película del oeste no es sólo su dificultad, sino su comparación no con el resto de películas clásicas del género, sino con los mejores westerns de todos los tiempos. Si pensamos en western nos viene a la cabeza "Sin perdón", "Centauros del desierto" o "El hombre que mató a Liberty Valance", auténticas obras maestras del género y del cine universal, y claro, cuando vemos una nueva película del oeste esperamos que por lo menos se les acerque. Es decir, estamos comparando con obras maestras y, si no se le parecen, el western en cuestión no merece la pena. Este es un error muy grave, error en el que caen muchos al hablar de "Valor de ley".

Al leer críticas sobre la película (uno se informa sobre lo que piensa gente más experta que él) me di cuenta que, generalmente, se le acusa a la nueva de los hermanos Coen de falta de emoción. Después de verla me he dado cuenta de que los críticos se equivocan, pero no en la percepción de la película (ellos son más experimentados que yo, dónde va a parar), sino que es más un fallo de expresión, esas cosas que ocurren cuando no te termina de gustar una película y no sabes por qué. Entre el público vale eso de "le falta un algo", pero los críticos tienen que decir qué es ese algo, y a veces no se sabe con exactitud. Lo que supongo querían decir es que lo que le falta a "Valor de ley" no es emoción, sino esa épica que tienen todos los western, sobre todo al final del film, y que te hace hervir la sangre. Esa majestuosidad, esa grandilocuencia, que tienen ciertas películas del oeste, que la hacen convertirse en inolvidables. Todos nos acordamos del final de "Centauros del desierto", o de la parte final de "Sin perdón", o de la más reciente "El tren de las 3:10", pero "Valor de ley" no tiene eso. No es una película épica, pero a diferencia de lo que piensa la gente, eso no la convierte en una mala película, en absoluto.

Y son los hermanos Coen los que se encargan de que la película no sea mala. De hecho, es realmente buena. Está muy bien realizada y todos los aspectos técnicos son de alta escuela. Entre ellos, destaca sobremanera la impresionante música de Carter Burwell, con un tema principal de esos que se te quedan en la cabeza después del visionado. En el aspecto interpretativo, todos los actores están genial, pero destaca por encima de todos la joven Haylee Steinfeld, en un trabajo memorable. A parte de lucir realmente hermosa en la película, su personaje tiene una fuerza impresionante, por lo menos al inicio del film, y su interpretación es fabulosa. Lástima que en los Óscar compita con Natalie Portman, una actriz que la supera en calidad y también en belleza, que seguramente ganará, porque la pequeña Haylee es una gozada de ver.

Así que se puede decir que "Valor de ley" es un grandísimo peliculón, una de las mejores películas de este año, o del año pasado si preferís Una cinta emocionante y muy entretenida, pero que carece de esos momentos apoteósicos y épicos de las películas del oeste, y quizá sea eso, y su final, demasiado edulcorado para el género, lo que le hace flaquear. Los Coen, a pesar de no ser los mismos genios que nos brindaron maravillas como "El gran Lebowski" o "Muerte entre las flores", demuestran que, aun atraídos por un cine más convencional, son grandes directores y estéticamente sus películas son impecables. Sin embargo, ser una buena película no es suficiente para un western, o para la consideración que se tiene hoy en día del género. Queremos lo mejor de lo mejor y "Valor de ley" no lo es. Resumiendo, se podría decir que el principal problema de este western es que, simplemente, es un western.

El día de la independencia

NICKY, LA APRENDIZ DE BRUJA

Título original: Majo no takkyubin

Año: 1989

País: Japón

Duración: 100 min.

Director: Hayao Miyazaki

Música: Joe Hisaishi

Guión: Hayao Miyazaki, según la novela homónima de Eiko Kadono

Montaje: Takeshi Seyama

Fotografía: Shigeo Sugimura (color)

Productor: Hayao Miyazaki

Compañía: Studio Ghibli

Intérpretes: (Voces V.O): Minami Tayakama, Rei Sakuma, Kappei Yamaguchi, Keiko Toda, Mieko Nobusawa, Koichi Miura, Haruko Kato et al.

Nicky es una niña que acaba de cumplir los 13 años. Como todas las aprendices de bruja de su edad, deberá emanciparse y vivir ella sola en una ciudad. Nicky llega a una gran ciudad bañada por el mar, de la cual se enamora inmediatamente. Sin embargo, la vida en una gran urbe no es sencilla y no estará exenta de dificultades.

Normalmente, las películas de Miyazaki suelen tener un margen de unos dos años entre ellas, aunque en la última década ese límite se ha aumentado, quizá debido a la avanzada edad del director japonés, que le impone un ritmo de trabajo más lento. Por esto llama la atención que tras el enorme éxito de "Mi vecino Totoro" en 1988, tan sólo un año después estrenara "Nicky la aprendiz de bruja". Esto puede significar, y significa, que no estemos ante una de sus grandes obras. De hecho, al menos para mí, es de sus "menos buenas" o de sus peores películas, si no es la peor. Esto no quiere decir que sea mala, todo lo contrario, sino que, como ocurre con los grandes genos del cine, como Scorsese, Eastwood o los chicos de Pixar, una película mala suya está muy por encima de la media del resto de cine que se estrena. Así que no se puede decir que "Nicky" sea un desastre.

El porqué de su estreno al año de "mi vecino Totoro" quizá esté en su temática. Mientras que la cinta del adorable y peludo ogro gigante trataba sobre la infancia, esta es una película que habla de la madured, una etapa que todos debemos seguir. Miyazaki adora la infancia, pero con esta nueva cinta alaba los beneficios de la vida adulta, de crecer, de ser independiente. Es como si "Mi vecino Totoro" y la película que nos ocupa fueran dos partes de una misma cinta, dos etapas en la vida de una persona que separó para no hacer una película de cuatro horas.

Hay otro tema que predomina en "Nicky la aprendiz de bruja". En el resto de películas de Miyazaki se ve la calma y tranquilidad de la vida en el campo, pero nunca se había visto el bullicio y el estrés de la gran ciudad como en esta peli. Llama la atención la vitalidad del personaje de Úrsula, una chica que vive en una casa de madera en mitad del bosque, como representación de la alegría y vitalidad del campo. Además, Nicky encuentra en ella un apoyo en sus días grises, al igual que Tombo, un muchacho un tanto friki al principio pero que es un apasionado de los aviones. Otra vez, la naturaleza y la aviación como símbolos de paz, tranquilidad y evasión.

Otro de los aspectos que más destacan de "Nicky la aprendiz de bruja" es su música. Miyazaki tiene dos tipos de películas: unas más adultas y otras más infantiles. Se puede decir que hay dos Miyazakis, pero sólo es uno. Lo curioso es que en sus películas más adultas, la música no tiene un papel fundamental, pues el film se sustenta tanto en el guión como en la fantasía de sus imágenes. Sin embargo, las películas de tono más infantil, gozan de una música maravillosa. Si uno se para a escuchar las bandas sonoras de las pelis del director japonés, verá que las mejores son las de las películas más pequeñas. Posiblemente, y con todos mis respetos a la música de "Ponyo en el acantilado", la de "Nicky la aprendiz de bruja" es la mejor partitura que ha escrito Hisaishi. De hecho, es esta la que hace apetecibles los momentos más calmados de la película. Y no tiene uno, ni dos, sino que casi todos sus temas son fabulosos, haciendo de esta película una gozada para los oídos.

En definitiva, se puede decir que "Nicky la aprendiz de bruja" es una película sencilla, muy sencilla, que narra la adaptación de una chica a un nuevo mundo: el de los adultos. Posiblemente sea la más insulsa y desconocida película de Miyazaki, que gracias a la música de Hisaishi, lo mejor de todo el filme, y una fotografía brutal, que dota de una belleza pasmosa a las imágenes (la de Tombo y Nicky en la playa con el dirigible de fondo es una gozada y la iluminación de la habitación de Nicky es un prodigio), hace de ella una película nada despreciable. La animación también es soberbia, con la representación de una ciudad inmensa, llena de detalles minúsculos y de una profundidad pasmosa, que da la sensación de que existe de verdad y de que el espectador vive en ella. Con todo, una buena película, que se mantiene a flote gracias a los apartados técnicos y a la sutil mano de Miyazaki en la dirección y el manejo del ritmo narrativo, navegando con soltura entre el drama y la acción como pez en el agua. Tras este film vendría la gran explosión creativa del director, la que le ha hecho realizar sus más grandes películas que le alzaron a la fama. Incluso llegó a hacernos creer, en su siguiente trabajo, que los cerdos volaban.

De vuelta a la infancia

MI VECINO TOTORO

Título original: Tonari no Totoro

Año: 1988

País: Japón

Duración: 82 min.

Fecha de estreno en España: 30 de octubre de 2009

Director: Hayao Miyazaki

Guión: Hayao Miyazaki

Música: Joe Hisaishi

Montaje: Takeshi Seyama

Productor: Toru Hara

Compañía: Studio Ghibli

Intérpretes: (Voces V.O.): Noriko Hidaka, Chika Sakamoto, Shigesato Itoi, Sumi Shimamoto, Tanie Kitabayashi, Hitoshi Takagi et al.

Satsuke y Mei son dos hermanas que se mudan con su padre a una antigua casa de campo, pues su madre está enferma y el aire fresco le vendrá bien para su recuperación. Allí conocerán a Totoro, una especie de conejo gigante y con poderes mágicos de la que las niñas se harán muy amigos.

Aprovecho que ya no estoy tan saturado de exámenes para retomar este ciclo de las películas de Hayao Miyazaki. Ahora le toca el turno a "Mi vecino Totoro", una de mis películas preferidas y uno de los films más importantes del Studio Ghibli, pues su éxito le supuso su consagración en el mundo de la animación japonesa, aunque en occidente seguía sin ser demasiado conocido. Esta condición de película de culto pero desconocido se manifiesta en que los de Aurum decidieron estrenar "Mi vecino Totoro" en los cines de Madrid y Barcelona, con motivo del lanzamiento del DVD. Pero lo estrenaron 21 años después de su estreno en salas japonesas, allá por el lejano 1988.

Y fue una gran noticia, pues "Mi vecino Totoro" es una de las películas de animación más fascinantes de toda la historia de la animación. No me refiero a la calidad o a su complejidad temática. Es más, el argumento de la película es más simple que cagar en pared y su guión es sumamente sencillo. Pero aún así, es una película que fascina de igual forma a niños pequeños que a adultos de veintitantos. Vale, es cierto que las películas de Pixar también hacen lo mismo, pero Pixar se fundamentan en diálogos ingeniosos, personajes fantásticos y gags extraordinarios para que tengan una película accesible para el público adulto sin dejar de gustar a los niños.

Pero "Mi vecino Totoro" no tiene nada de eso. Tanto en su temática como en sus personajes, diálogos y demás, es una película para niños y sólo disfrutable, al parecer, por niños. ¿Por qué entonces gusta a todas las edades? Por una sencilla razón: mientras tu puedes ver "Toy Story 3" con la mentalidad de un adulto (de hecho, si no la ves desde ese punto de vista el final no tiene sentido) y disfrutarla como un enano, "Mi vecino Totoro" tienes que verla con la mentalidad de un niño. Miyazaki se deja de artimañas y de trabajos de guión para hacer con las imágenes y el sonido que el espectador se convierta en un niño automáticamente, sin poder evitarlo. Y lo hace desde el segundo 1, con ese irresistible opening lleno de fuerza y alegría, la fuerza y alegría de un infante, avisándonos de lo que va a ir la película.

Tras los créditos, Miyazaki nos presenta los personajes en un paisaje idílico, acompañados por la hermosa partitura de Hisaishi, que puede ser perfectamente la mejor banda sonora que haya compuesto este hombre para una película de Ghibli (el tema "El pueblo en mayo" es una auténtica gozada). Y eso es toda la película: un cuadro costumbrista sobre la vida en el campo, en el que se nos muestra el día a día de los campesinos y de nuestras dos protagonistas. Cómo tienden la ropa, como van a por agua al río, cómo van en bicicleta al campo. Todo es maravilloso, incluso los niños que se quedan en el colegio a limpiar son felices (eso no se lo cree ni Dios). Y eso es lo que quería contar Miyazaki: cómo fue su infancia, que tuvo que pasar en el campo por culpa de una enfermedad de su madre, al igual que las protagonistas. Así que en cierto modo "Mi vecino Totoro" es una especie de recuerdos de infancia, de testimonio sobre una etapa importantísima de su vida. Sólo así se explica la cantidad de detalles mínimos en los dibujos, como la hoja siendo arrastrada por el río, el sapo andando bajo la lluvia, etcétera.

Entonces ¿dónde está el interés de "Mi vecino Totoro"? Pues está, precisamente, en Totoro. Este personaje es, sin duda alguna, el alma de la película. A simple vista parece un simple conejo gigante al que las niñas adoran, pero si uno se fija bien tiene un significado más profundo. ¿Es un sueño de las niñas? (Casi siempre aparece cuando una de las niñas está durmiendo) ¿Es real o es imaginario? Lo único seguro es que los mejores y más intensos momentos de la película se producen cuando aparece él, alcanzando su cénit en la escena de la para de autobús, para el que esto escribe, una de las secuencias más fascinantes de la entera historia del cine. Este y todos esos momentos están sustentados únicamente por el propio personaje de Totoro. Su única presencia es la que lo mueve todo, la que nos fascina, en un ejercicio de diseño de personajes absolutamente maravilloso. Otro ejemplo de este diseño de personajes se da en el culmen de la escena de la parada de autobús. Cuando no parecía que podía haber nada más fascinante que Totoro (es la primera vez que le vemos en acción, pasándoselo pipa con un paraguas), aparece el Gatobús, un personaje más impresionante todavía por lo inesperado. Explosión de imaginación de fantasía, pero con tan sólo dos personajes y sin alardes de ningún tipo. Ríete tú de los Na´vi de James Cameron.

Así, toda la película navega entre las escenas costumbristas de la vida en el campo, que siempre son interesantes aunque a alguno le puede llegar a aburrir; y las partes en las que sale Totoro. No hay escenas de acción como en sus anteriores films, todo tiene un ritmo pausado y elegante, fundamentado en la elegancia de la animación tradicional y la belleza de la música de Hisaishi. Una película sumamente simple, que en otras manos habría sido otra película infantil más, pero que gracas a Miyazaki se convierte en un filme mucho más complejo de lo que parece, en el que el director plasma sus recuerdos y ensoñaciones infantiles, que no dejan de ser las mismas que todos hemos tenido a lo largo de nuestra vida. Una película para que los adultos saquen su lado infantil y rememoren durante dos horas lo que vivieron en su etapa más dulce de la vida. Volviendo a la comparación con "Toy Story 3", en la peli de Pixar esa añoranza se produce en unos pocos segundos en la escena del final con Woody, pero en "Mi vecino Totoro" se produce durante la hora y media que dura la cinta, algo realmente difícil. En definitiva, un film de culto que catapultó a la compañía, la cual hizo de su personaje estrella su logotipo y su "taquillero simbólico" del Museo Ghibli. Incluso a la salida del museo hay un enorme gatobús de peluche, al cual quiero estrujar con todas mis fuerzas en algún momento de mi vida.

PD: La comparación con "Toy Story 3" no es en vano: Totoro aparece en la película en forma de peluche, cuando Woody se fuga y le acogen los juguetes de una casa. No olvidemos que Pixar tiene los derechos de explotación de las pelis de Studio Ghibli en EE.UU.

Cuando la piedra cobra vida

GÁRGOLAS, HÉROES MITOLÓGICOS

Título original: Gargoyles

Capítulos: 78

Temporadas: 3

Primera emisión: octubre de 1994

Última emisión: febrero de 1997

Directores: Dennis Woodyard, Frank Paur, Kazuo Terada, Saburo Kashimoto, Bob Kline et al.

Guión: Greg Weisman, Michael Reves, Lydia Marano et al.

Música: Carl Johnson

Productores: Greg Weisman y Michael Reves

Compañía: Walt Disney Pictures

Intépretes: (Voces V.O.) Keith David, Salli Richardson-Whitfield, Jeff Bennett, Edward Ashner, Frank Welker et al.

Escocia, 1994. En plena época de guerras durante el medievo, las gárgolas y los humanos vivían en armonía, protegiéndose mutuamente. Un día, un grupo de gárgolas junto a Goliath, su líder, son llamados fuera del castillo para cumplir una misión. Pero descubren que todo es una trampa, pues el señor del castillo al que protegían les ha traicionado y ha destruido a las gárgolas que allí dormían por el día, convertidos en piedra. Al intentar realizar su venganza, son engañados de nuevo y convertidos en piedra permanentemente por un hechizo, que sólo se romperá "cuando el castillo se eleve por encima de las nubes". Mil años después, el magnate y multimillonario neoyorkino David Xanatos, conocedor de la leyenda, decide comprar el castillo de las gárgolas, junto con las estatuas, y reconstruirlo piedra por piedra en la cima de su propio rascacielos. Así, el castillo logra elevarse por encima de las nubes, rompiéndose la maldición y despertando las gárgolas en un mundo nuevo, desconocido para ellos, donde deberán intentar adaptarse y encontrar su sitio y su objetivo en esa nueva vida.

En 1992, aprovechando el tirón de las dos películas de Tim Burton, la Warner Bros creó una serie de dibujos animados sobre Batman, titulada "Batman: la serie animada". Fue un rotundo éxito, convirtiéndose en una de las mejores series de animación de todos los tiempos. Lógicamente, a la Disney no le gustó que su máximo rival se llevara toda la gloria, por eso decidió plantarle cara con una serie del mismo tipo de la del Señor de la Noche, una serie oscura, destinada a un público más adulto. Así nació Gargoyles, la serie más ambiciosa y conocida de la compañía Disney y, para el que esto escribe, una de las mejores y más complejas.

La serie goza de tres temporadas, siendo la primera y la tercera las más cortas, ambas con 13 episodios, y la segunda la más larga, con casi medio centenar de capítulos. Se emitió durante cuatro años en EE.UU. y en España a finales del siglo pasado, en La 2, a la hora de comer, junto con Digimon. Lo recuerdo perfectamente porque más de una vez llegué tarde al colegio porque me quedaba viéndola. Me sé la introducción de memoria y llegué a tener un muñeco de Goliath de fuego, que se perdió junto con el resto de figuras articuladas de mi infancia, entre las que reinaban las tortugas ninja. Así que podréis comprender mi devoción ante esta gran serie, la cual he tenido la oportunidad de revisar ya entrado en años.

Primera temporada: capítulos del 1 al13

En la primera temporada se nos presentan tanto los personajes como el universo en el que se mueven y narra el despertar de los protagonistas en la Nueva York de finales del milenio y su aclimatación a ese nuevo mundo. Lo que más impresiona de todo es su oscuridad y su violencia, atípicas para una serie de Disney, pero también su elaboradísimo guión, usando referencias de la mitología inglesa y noruega, así como personajes y eventos de Shakespeare. Así, si la serie ya tenía un toque mágico con las fabulosas gárgolas en un mundo actual, al contar su origen aparecen en la serie historias mediavales, con magia y hechicería, con personajes como el Rey Arturo, Merlín, Odín, o la isla de Ávalon y demás parafernalia. Esa presentación de personajes y la complejidad y riqueza de su argumento, hace que para contar las historias hagan falta más de un capítulo, con lo que la temporada se llena de pequeños bloques compuestos de varios episodios. Concluye con la aceptación de las gárgolas de que ese es su lugar y la decisión de que su meta será la de defender a los humanos que allí habitan.

Segunda temporada: capítulos del 14 al 65

La segunda temporada de Gargoyles tiene un cambio significativo al inicio de cada capítulo. Aprovechando que las gárgolas ya han aceptado su condición de guardianes protectores, siempre, en la cabecera, aparece una voz en off de Goliath contando su historia, monólogo que todos nos sabemos de memoria y que podéis ver arriba. Esta temporada, sin embargo, es la más irregular de todas, pues aunque alcanza su mayor apogeo fantástico y la complejidad de las historias aumenta espectacularmente, siendo el mejor bloque de toda la serie, se inicia al mismo tiempo su declive. Es esta la temporada en la que se desarrolla toda la trama de Ávalon, del rey Arturo, del Ojo de Odín, del Grimorum Arcanorum y demás, en el que se entremezclan los mundos y la fantasía corre a raudales.

Pero es al final de este bloque, más o menos por la mitad de la temporada, cuando los capítulos, y en conjunto la serie, cae en picado. Es lógico que, habiendo alcanzado una calidad tan alta con toda la parte de Ávalon, todo lo posterior sea peor, pero no es normal que descienda tan estrepitosamente. La cuestión es que, desde el momento en que los héroes parten de la isla en esa barca, cuando cierto personaje menciona la frase más famosa de la serie "Ávalon no te envía donde quieres ir. Ávalon te envía donde debes estar", los capítulos tienen un cambio radical en su estructura: a diferencia de los bloques de capítulos, y de los episodios sueltos con cierta relación con el anterior, aquí comienza una retahíla infumable de episodios aislados, inconexos y aburridos, en el que siempre tenemos a los mismos personajes protagonistas, en el que las tramas se inician y se resuelven en el mismo capítulo, sin ningún criterio. Al principio puede estar bien, pero son tan insulsos y tan sosos que cuando uno lleva vistos 20, ya no se acuerda de lo que ocurría en los primeros. Tampoco es que importe mucho, porque si no ves un capítulo no pierdes el hilo de la trama, pero llega a resultar lioso y tedioso, además de que no aportan nada a la trama principal ni a la posterior. Al final de la temporada, con el regreso a Nueva York, los capítulos se enderezan y la trama vuelve a las andadas, resurgiendo el interés. Aun así, esta segunda temporada de "Gargoyles" es una muestra de que los de la Disney querían prolongar más y más la serie para sacar más personajes y vender más muñequitos. ¿Os he contado ya que tenía un Goliath de fuego? Creo que sí, pero es que molaba tanto...

Temporada 3: capítulos del 66 al 78

Al final de la 2ª temporada, las gárgolas desaparecidas vuelven a casa, pero ocurren una serie de circunstancias que hacen que se descubran ante la sociedad. Ahora Nueva York sabe que en su ciudad habitan unos monstruos terribles y crece el odio ante ellos, con lo que nuestros amigos deben demostrar a la población mundial que no tienen malas intenciones, al mismo tiempo que intentan no ser aniquilados por grupos políticos populares. Deberán defenderse de las personas a las que protegen, situación que ya habían vivido 1000 años atrás. Bajo esa premisa se desarrolla toda la tercera y última temporada de esta fabulosa serie. Como cambio sustancial con respecto a las otras dos, siempre, al inicio de cada capítulo y después de los créditos, Goliath reflexiona en voz en off sobre un tema concreto, que es el tema que se desarrolla en el capítulo en cuestión. Eso hizo que a esta tercera temporada se la conociera popularmente con el sobrenombre de "Las crónicas de Goliath". La estructura de los capítulos es similar a la segunda parte de la segunda temporada, con episodios sueltos que se resuelven en ese mismo capítulo. Pero al tener un tema común en toda la temporada (demostrar que no son malos), se puede decir que temáticamente están relacionados, aunque argumentalmente no lo estén. Además, supone el regreso de personajes que no habíamos sabido de ellos durante casi 50 capítulos, como son Bronx, Brookling, Lexington y demás, e incluso hay aparición, en forma de cameos, de antiguos personajes de la serie que fueron de vital importancia en la primera temporada, como son Démona o Macbeth, así como el amigo ciego de Hudson, el cual, en compañía de la gárgola más longeva, protagonizan los mejores y más emotivos capítulos de toda la serie. Así que se puede decir que esta tercera temporada, aunque no alcanza los niveles de perfección y de calidad que las dos primeras temporadas, ayuda a paliar los daños que la parte posterior a Ávalon había efectuado, creando una conclusión de la serie más que digno, viendo en lo que se había convertido.

En definitiva, una serie grandiosa, mítica y mitológica, que llegó a ser la serie de animación más exitosa de la compañía del ratón Mickey. De hecho, su impronta continúa hoy en día por medio de cómics y las numerosas historias alternativas de fandoms repartidos por los cinco continentes, o los 6, si algún residente del Polo Sur le mola la serie. Incluso la propia productora eligió "Gargoyles" como la primera serie de animación que iban a editar en DVD. También existió una película, lo sé porque la he visto, aunque no eran más que los cinco primeros episodios de la serie (el bloque titulado "El nuevo despertar") todos juntos y con mejor animación. Una de mis series favoritas que marcó mi adolescencia y la de muchos jóvenes en el mundo entero y totalmente imprescindible para los amantes de la fantasía, la ciencia ficción y los superhéroes.

Ganadores Globos de Oro 2011

Anoche se entregaron los Globos de Oro que premian al mejor cine anglosajón del 2010. La mayor sorpresa por mi parte es la serenidad y la cordura de esta edición, cuyos premiados siguen la estela marcada por el resto de premios cinematográficos de la temporada. Vamos, que el año pasado obviaron a "En tierra hostil", filme que se hizo con todos los galardones cinematográficos del año, premiando a "Avatar". Ahora parece que se han calmado y no sólo han elegido a la que está arrastando en el resto de entregas de premios, sino que en verdad es una de las mejores películas del año.

En efecto, "La red social", la sorprendente película de David Fincher sobre la que muchos creíamos que iba a salir una chorrada se ha hecho con cuatro premios del gremio de corresponsales de prensa extranjera de Hollywood: mejor película dramática, mejor director, mejor guión y mejor banda sonora. En el resto de apartados fílmicos, "The kids are all right" ha ganado el Globo de Oro a la mejor comedia. No sé qué tal será, pero con tal de no ganar The Tourist, Alicia o Burlesque, me conformo con ella. Además, "Toy Story 3" es la mejor película de animación y la danesa "In a better world" la mejor pelícuula de habla no inglesa.

En lo que a intérpretes se refiere, pues lo lógico: Colin Firth actor en drama, Natalie Portman (al fin), actriz en drama; Paul Giamatty actor en comedia, Annette Bening actriz en comedia y Christian Bale y Melissa Leo ambos mejores intérpretes secundarios por "The fighter". Sobre las series nada más de decir, más que nada porque no me interesa demasiado porque no sigo ninguna. Cuando se estrene "Juego de tronos" me tendréis como un enfermo a ver si cae alguna nominación. Eso sí, por supuesto, os dejo el enlace a la página oficial de la HFPA con la lista completa. Pasad un buen día.

GLOBOS DE ORO 2010

Ganadores (en negrita)

Mejor película dramática

La red social

Origen

El discurso del rey

The fighter

Cisne negro

Mejor película cómica o musical

Alicia en el país de las maravillas

Burlesque

The kids are all right

Red

The tourist

Mejor director

Christopher Nolan (Origen)

David Fincher (La red social)

Darren Aronofsky (Cisne negro)

Tom Hooper (El discurso del rey)

David O. Russell (The fighter)

Mejor guión

127 horas

Origen

El discurso del rey

La red social

The kids are all right

Mejor actor en drama

Jesse Eisemberg (La red social)

Collin Firth (El discurso del rey)

James Franco (127 horas)

Mark Wahlberg (The fighter)

Ryan Gosling (Blue valantine)

Mejor actriz en drama

Halle Berry (Frankie and Alice)

Nicole Kidman (Rabbit Hole)

Jennifer Lawrence (Winter's bone)

Natalie Portman (Cisne negro)

Michelle Williams (Blue valantine)

Mejor actor en comedia o musical

Johnny Depp (Alicia en el país de las maravillas)

Johnny Depp (The tourist)

Paul Giamatty (Barney's version)

Jake Gyllenhaal (Amor y otras drogas)

Kevin Spacey (Casino Jack)

Mejor actriz en comedia o musical

Annette Bening (The kids are all right)

Julianne Moore (The kids are all right)

Anne Hathaway (Amor y otras drogas)

Angelina Jolie (The tourist)

Emma Stone (Rumores y mentiras)

Mejor actor secundario

Christian Bale (The fighter)

Michael Douglas (El dinero nunca muere)

Andrew Garfield (La red social)

Jeremy Renner (The town)

Geoffrey Rush (El discurso del rey)

Mejor actriz secundaria

Amy Adams (The fighter)

Helena Bonham Carter (El discurso del rey)

Mila Kunis (Cisne negro)

Melissa Leo (The fighter)

Jacki Weaver (Animal kingdom)

Mejor película de animación

Toy Story 3

Cómo entrenar a tu dragón

Gru, mi villano favorito

El ilusionista

Enredados

Mejor película de habla no inglesa

Biútiful (México)

El concierto (Francia)

The edge (Rusia)

Yo soy el amor (Italia)

In a better world (Dinamarca)

Mejor banda sonora

El discurso del rey

Origen

Alicia en el país de las maravillas

La red social

127 horas

Mejor canción

"Bound to you" (Burlesque)

"You haven't see the last of me" (Burlesque)

"Comming home" (Country Strong)

"I see the light" (Enredados)

"There is a place of us" (Las crónicas de Narnia: la travesía del Crucero del Alba)

Woody Alice

ALICE

Título original: Alice

Año: 1990
País: EEUU

Duración: 100 min
Director: Woody Allen
Guión: Woody Allen

Fotografía: Carlo Di Palma
Música: Varios (Woody's Cocktail)

Reparto: Mia Farrow, William Hurt, Alec Baldwin, Caroline Aaron, Blythe Danner, Judy Davis, Joe Mantegna, Bernadette Peters, Cybill Shepherd, Patrick O'Neal, Lisa Marie
Commpañía: Orion/Columbia

Mi puntuación filmaffinity: 8
Puntuación filmaffinity: 6,8

Estaba yo empezando a ver esta película cuando he caído en la cuenta de que aún no tenemos ninguna crítica de Woody Allen en Ni media palabra. Con humildad, pues, me animo a romper el hielo con una de sus películas no tan conocidas: Alice.

En cierto sentido Alice es Woody Allen en estado puro. Entre drama y comedia (quizás más bien esto último), tiene toques delirantes, casi absurdos, gags de humor terriblemente brillante y ácido. Todo esto como sin que nos demos cuenta de que la película, en realidad, trata de temas profundos, muy serios. En definitiva, de cómo pasar un buen rato a la vez que podemos reflexionar sobre quiénes somos y qué es lo que hacemos con nuestras vidas.

Woody Allen trata de los asuntos más íntimos, de lo más profundo y sutil de las relaciones humanas, pero de una forma en que las mayores tragedias pierden trascendencia, como queriendo decir "ey, no importa a dónde hayas llegado, la vida sigue: disfruta". De forma algo más explícita este mensaje está presente en muchas de sus películas, como la reciente e hilarante Si la cosa funciona.

Pero cómo hablar de Woody Allen sin mencionar el aspecto sonoro. Como de costumbre, toda la película es un auténtico espectáculo del mejor jazz, combinado sabiamente con chispas de música clásica. No en vano el propio Allen es clarinetista semi-profesional.

Mención especial al Doctor Yang y su clínica.

En definitiva, una delicia. Quizás no sea uno de sus trabajos más sesudos o académicos, ni tampoco una de sus comedias más declaradamente disparatadas, por no mencionar que el genial Allen no actúa en esta ocasión (y, sin embargo, es una de las pocas veces en que no lo he echado en falta... hasta ahora mismo no había caído en ello), pero encuentro el conjunto de lo más convincente, toda una muestra de buen cine. Y es que resulta increíble el número de grandes películas que acumula el director quien, a mi juicio, es de lejos uno de los mejores directores de todos los tiempos. En fin, esta u otra, no pierdan tiempo en explorar la increíble obra de Woody Allen, todo un regalo.

Aceitunas y motocicletas revisited

Ya que estamos en modo retrospecter, voy a ver si reescribo alguna de mis primeras críticas, que ya las vengo encontrando en el límite de la vergüenza agena. Empezaré por ésta, de las primeras 4 películas de anime que vi, ahora con un poco más de experiencia en el campo. Como son 4 películas y además no todas las he vuelto a ver recientemente, me limitaré a una breve reseña personal de cada una.

Gake no Ue no Ponyo
(Ponyo en el acantilado)

Año: 2008

País: Japón
Duración: 100 min.
Director: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki
Música: Joe Hisaishi, Naoya Fujimaki
Productor: Studio Ghibli

Mi puntuación filmaffinity: 8

Puntuación filmaffinity (28/12/10): 7,4

Ponyo me parece, ante todo, una película muy bonita. Quiero decir desde el punto de vista estético; es un verdadero placer para los sentidos, por sus colores plenos o su magnífica banda sonora. El dibujo muestra una enorme evolución desde los primeros trabajos del estudio, culminando en escenas tan absolutamente increíbles como la de las olas... en fin, una de las mejores películas de anime en este sentido, sin duda, ¡y totalmente dibujada a mano!

La película está contada a medio camino de lo simple, lo costumbrista y lo épico, con escenas que parecen una coreografía operística.

Quizás no sea del gusto de todos, pero una recomendación segura aún con todo.

Byosoku Go Senchimetoru

(5cm por segundo)

Año: 2007

País: Japón
Duración: 63 min.

Director: Makoto Shinkai
Guión: Makoto Shinkai
Música: Tenmon
Productor: CoMiz Wave

Mi puntuación filmaffinity: 6

Puntuación filmaffinity (28/12/10): 7,1

Sobre esta película cabe encontrar las más exaltadas críticas en internet, ¿merecidas? A mi juicio solo en una pequeña parte. Y es que es una película eminentemente EMO, es decir, moñas hasta casi el ridículo y sensiblera a tope. Pero, claro, también a veces es bonita, de hecho, algunas escenas hasta me parecen bastante buenas, como el viaje en tren de la primera parte (la película está dividida en 3 historias). En definitiva, es una opción para una noche de lluvia, pero debe utilizarse con precaución.

Sen to Chihiro no kamikakushi

(El viaje de Chihiro)

Año: 2001

País: Japón
Duración: 124 min.
Director: Hayao Miyazaki
Guión: Hayao Miyazaki
Música: Joe Hisaishi
Productor: Studio Ghibli/Tokuma Shoten/Dentsu/Walt Disney Pictures

Mi puntuación filmaffinity: 8

Puntuación filmaffinity (28/12/10): 8,1

Premios: Berlín 2002: Oso de Oro Mejor Película (ex aequo con Bloody Sunday), Oscar 2002 mejor película de animación.

He visto 2 veces el Viaje de Chihiro, y pronto he de verla una tercera. Lo que, de momento, me ha quedado claro, es que no es una película nada fácil para un observador occidental, estando tan absolutamente embebida en la cultura japonesa como está. Esto quiere decir que, en realidad, no es ni tan imaginativa ni tan absurda como pueda parecer al espectador no experto. Si en un momento dado aparecen unas figuritas de papel atacando a un dragón, en realidad esto tiene bastante sentido dentro de su cultura.

Aún con todo creo que es una de mis favoritas, en especial por el principio del filme, de una fuerza sobrecogedora y con un par de escenas de matrícula -en especial la caída de la noche y el descenso de las escaleras. Una vez que la trama parece estabilizarse es cuando, de hecho, comienza a ser un tanto inmanejable para el no experto. Sin embargo se mantiene siempre visualmente muy atractiva, y guarda joyas hasta el final -como el viaje en tren- que harán que merezca la pena el esfuerzo.

Como nota a parte, a veces me da la impresión de que con el Oscar que recibió esta película en parte estaban premiando la impresionante La Princesa Mononoke del año anterior.

Perfect Blue

Año: 1998

País: Japón
Duración: 81 min.
Director: Satoshi Kon
Guión: Sadayuki Murai (Novela: Yoshikazu Takeuchi)
Música: Masahiro Ikumi
Productor: Rex Entertainment

Mi puntuación filmaffinity: 7

Puntuación filmaffinity (28/12/10): 7,2

Esta película se desmarca desde el principio de las anteriores en todos los sentidos. Para empezar porque es una película de suspense, para seguir porque está dirigida a un público exclusivamente adulto y porque artísticamente se busca un enfoque nuevo (algunos lo llaman post-anime). Nos encontramos con una película con personas de ojos rasgados, con silencios, inquietudes, miedos. No quierod decir mucho de la película, tan solo recomendarla encarecidamente a los amantes del suspense que no les importe descubrir algo nuevo.