sábado, 30 de enero de 2010

¿Por qué, Clint?

INVICTUS

La última de Clint Eastwood.
Un biopic sobre Nelson Mandela y los Springbox (el equipo de rugby de Sudáfrica) durante el mundial de Rugby del 95, celebrado en el país africano.

Cambié de opinión, voy a hacer una crítica (de-constructiva) de la película:

Morgan Freeman hace el papel que siempre hace y que tanto éxito le ha traído. Su parecido físico con Mandela es innegable y lo demás, pues qué queréis que os diga. Matt Damon hace un papel no muy importante. Interpreta al capitán de la selección sudafricana, pero aparte de recibir en el terreno de juego, sonreír en algún que otro momento y decir un par de oraciones de más de dos verbos, nada de nada. Eso sí, el tío está fuerte.

La trama se centra en la vida de este importantísimo ser humano cuya vida es conocida al dedillo por la mayoría de las personas de este mundo. Un tío fundamental en la historia de África y en la lucha contra la xenofobia (bilateral).

Pero la película es simple, podría decir que nimia. Si la hubiera producido Disney y se hubiera llamado "Éste equipo lo ve muy negro" no me habría extrañado en absoluto.

Apenas contiene escenas de intensidad dramática. Todo es muy obvio, con recursos fáciles (vale que Eastwood no sea un genio en los giros dramáticos, pero en Mystic River por ejemplo lo bordó).

El humor es simple y casi infantil, basado en los contrastes entre negros y blancos. Además pese a que está ambientada en el mundo del Rugby, éste pasa completamente desapercibido. Alguna imagen de entrenos o de algún partido, y de la final un pelín más, pero no hay ningún tipo de paralelismo entre el Rugby y las dificultades que Nelgan Mandeeman encontró.


Decepcionante película.
Ahórrense los leuros.

2009: Bigelow, corresponsal de guerra

EN TIERRA HOSTIL

Título original: The hurt locker
Año: 2009
País: EE.UU.
Duración: 122 min.
Fecha de estreno en España: 29 de enero de 2010
Director: Kathryn Bigelow
Guión: Mark Boal
Música: Marco Beltrami y Buck Sanders
Montaje: Chris Innis y Bob Murawsky
Fotografía: Barry Ackroyd
Productores: Kathryn Bigelow, Mark Boal, Nicolas Chartier y Greg Shapiro
Compañía: Summit Entertainment/First Light Production/Kingsgate films
Intérpretes: Jeremi Renner, Anthony Mackie, Brian Geragthy, David Morse, Guy Pearce, Ralph Fiennes et al.

Ganadora de 6 Oscar: película, director, guión, montaje, sonido, montaje de sonido

La película narra los peligros y vivencias de tres militares, especialistas en desactivar bombas, durante la guerra de Irak: el sargento James, un artificiero temerario que no duda en poner en peligro su vida al realizar su trabajo; el sargento Sanborn, que pondrá en duda la metodología de James; y el especialista Eldridge, un militar obsesionado con la muerte.

Desde que se inició la guerra de Irak han sido muchas las películas que nos han mostrado este conflicto. Casi todas tenían el típico mensaje moral al final que destrozaba todo el trabajo anterior. Por eso, cuando se habló de "En tierra hostil", un film sobre Irak totalmente diferente a lo que se había visto hasta la fecha, una película de acción dirigida por una mujer, y un éxito en casi todos los premios de las asociaciones de cine más importantes de Hollywood, así como en Venecia, uno se espera que estemos ante algo superior, algo que merezca la pena. Siento desilusionar, pero creo que no es así.

La película está dirigida por Kathryn Bigelow, exmujer de James Cameron, con quien comparte su gusto por las pelis de acción y su maestría al rodarlas. Y esta "En tierra hostil" no iba a ser una excepción. Es una película en las que predominan las secuencias de acción, intercalando momentos dramáticos entre ellas. Estas secuencias están genialmente rodadas y montadas, manteniendo la tensión en todo momento y dejándote pegado a la butaca conteniendo la respiración. Pero cuando éstas acaban y se pasa al relleno dramático la tensión se pierde, debido a que Bigelow rueda de la misma forma estas secuencias que las de acción.

El problema principal es que toda la película ha sido rodada con cámara de mano para aumentar el realismo de la cinta, dotándola de un tono documental que la asemeja un reportaje de televisión sobre la guerra. Esto está muy bien para las escenas de acción, pues a parte de mostrar verosimilitud a los hechos aporta tensión y dinamismo. Pero este tipo de rodaje tiene unas limitaciones que no posee una cámara estática. Estas cámaras pueden realizar zooms, travelings, barridos, planos generales, picados... métodos que permiten dar un significado a las imágenes y un lenguaje cinematográfico a la película. Dependiendo de cómo la use, el director puede manejar a su antojo los sentimientos del espectador, mostrando una cosa determinada o haciendo que sienta otra distinta. Al usar una cámara de mano, los recursos estilísticos y narrativos son mínimos, con lo que desaparece el lenguaje abstracto de la cámara y el punto de vista del director. Emplear este método en las secuencias de acción me parece fabuloso, pero emplearlo en las partes dramáticas o íntimas, donde importa más producir emociones que mostrar la cruda realidad, esto no funciona.

Así, los momentos de emoción, las partes que se supone deben poner los pelos de punta o llamar la atención, están fundamentadas sólo en las barbaridades de la guerra. Que un tío reviente una bomba, que haya un tiroteo, que utilicen a alguien como bomba lapa... Todo eso es muy cruel, ya lo creo, pero teniendo en cuenta que es una guerra, la mayor de las barbaridades humanas, todas estas cosas son normales, con lo que a penas uno se emociona o asombra por lo que ocurre (al menos a mí no me impactó). La directora no se molesta en emplear los recursos narrativos necesarios para producirnos emoción, como la música, prácticamente inexistente, no sé si porque no puede o porque no quiere. Esto hace que Bigelow se aferre a los sucesos de la pantalla para producir sensaciones. El hecho de no manipular los sucesos, de no intervenir en lo que sucede en pantalla hace que la película gane en realismo, pero no haya nada de cine en sus imágenes.

Esta poca implicación también ha producido uno de los más polémicos temas de discusión de la cinta: la poco clara ideología del filme. Hay diálogos que muestran un claro tono antibelicista, pero algunas secuencias que son totalmente probélicas. No sé si la intención de la cineasta era no mostrarse partidaria de ningún bando (o de los dos a la vez) o simplemente que no podía hacerlo al no poder dejar su impronta por el tono casi documental de la cinta. Tampoco se dejan claras las motivaciones de los personajes. Hay una conversación al final de la película, en la que el protagonista afirma no saber por qué actúa así. Pues eso mismo debe pensar la directora, que no sabe cómo actúa el protagonista y ni se inmuta en mostrarnos por qué. Se puede interpretar como que está mal de la cabeza debido a las veces que se ha jugado la vida, o a la frase que aparece al inicio del filme (la guerra es una droga), pero es más intuición que otra cosa.

Así que "En tierra hostil", esa película aplaudida en el Festival de Venecia, resulta ser otra de esas cintas que reciben elogios por el tema que tratan, más que por su calidad cinematográfica. Una buena película, pero bastante fría. Al estar rodada como si de un reportaje televisivo se tratase, las secuencias de acción son impactantes y genialmente rodadas (el Oscar al mejor montaje está garantizado), pero debido al afán de mostrar las cosas tal y como son sin manipular nada, como si fuera mera testigo de los hechos, la directora prescinde de recursos narrativos y estilísticos, y evita dejar un punto de vista subjetivo en la cinta. Así, las secuencias dramáticas intercaladas entre tanta acción ni emocionan ni impactan ni nada. Hace meses vi un reportaje sobre Irak en la 1 que me pareció más interesante que este filme, quizá porque era real. Lo cierto es que, a pesar de tener grandes esperanzas en este filme, tras verla me ha surgido un pensamiento que pensaba que nunca podría llegar a tener: "Avatar" sería una digna ganadora del Oscar a mejor película.

viernes, 29 de enero de 2010

1984: Una auténtica obra de arte

AMADEUS

Título original: Amadeus
Año: 1984
País: EE.UU.
Duración: 153 min.
Fecha de estreno en España: 1 de marzo de 1985
Director: Milos Forman
Guión: Peter Schaffer, según su propia obra de teatro
Música: Wolfgang Amadeus Mozart y Antonio Saliery
Montaje: Michael Chandler y Nena Danevic
Fotografía: Miroslav Ondricek
Productor: Saul Zaentz
Compañía: Orion Pictures
Intérpretes: Tom Hulce, F. Murray Abraham, Elizabeth Berridge, Simon Callow, Roy Dotrice, Christine Ebersole et al.

Ganadora de 8 Oscar: película, director, guión adaptado, actor, vestuario, maquillaje, dirección artística, sonido

Antonio Saliery es un prestigioso músico italiano que trabajó como compositor de cámara y maestro del emperador Jose I de Austria. Pero de pronto ve cómo su arte es eclipsada por un fabuloso compositor austriaco, mucho más joven que él y cuya música parece sacada del mismo Cielo. Ansioso por conocerle, Salieri descubre que ese "enviado de Dios" no es más que un chiquillo infantiloide, estúpido y soez. No entiende cómo una persona así puede encerrar un genio tan grande, cómo un idiota maleducado y consentido puede eclipsar a un maestro como Salieri. Por ello, el músico italiano considera automáticamente a Mozart como su enemigo más odiado, deseando con todas sus fuerzas destruirle musicalmente.

Desde que el tiempo empezó a ser tiempo, el cine y la música, las dos artes más populares, han intentado encontrar un equilibrio perfecto entre sí. Por ello surgió el musical, en el que se intercalaban canciones en aun pastiche sin sentido para muchos. Quién iba a pensar que la película que definitivamente unificara ambos artes y los magnificara hasta cotas inimaginables sería un filme que no pertenece al musical, sino al biográfico: "Amadeus", una auténtica obra maestra del cine y un magistral ejemplo de la conjunción entre imagen y sonido.

Tuvo que ser un director europeo, Milos Forman, el que salvara la triste lista de ganadoras del Oscar a la mejor película durante los años 80. Ya nos deleitó con la intensa y escalofriante "Alguien voló sobre el nido del cuco", una película mucho más centrada en el mundo interior de los personajes. Pero en "Amadeus" el director checo va más allá, pues no sólo se centra en las motivaciones de Mozart y Salieri, sino que su técnica cineamtográfica es impresionante. El filme comienza por el final, mostrando a un Salieri alocado, que se intenta suicidar y conducido a un manicomio. Un cura va a visitarle para que se confiese, pues afirma haber sido el asesino de Mozart. En ese momento el viaje comienza y volvemos hacia atrás, contando la historia desde la infancia del compositor de Saltzburgo y avanzando, intercalándose entre medias las escenas de Salieri en el manicomio. Así el ritmo de la narración nunca se rompe, saltando de un momento a otro en el momento adecuado, logrando que las dos horas y media de película se pasen volando.

Aunque a decir verdad, lo que hace que la película pase rápido y haga de "Amadeus" un auténtico disfrute es la banda sonora. ¿Quién tiene el privilegio de que la música de su película esté compuesta por Mozart y Salieri? No puede haber unos compositores mejores que esos. Los temas están genialmente seleccionados, no centrándose sólo en los más bellos, sino aquellos que marcaban un periodo importante en la vida del compositor, como "Las bodas de Fígaro" (la secuencia en la que Mozart tiene que explicar a la corte por qué la compone es magistral), "La flauta mágica" o "Don Giovanni". La música es empleada por el director para mostrar el estado de ánimo, la forma de ser y los sentimientos de los protagonistas, y eso que los temas estaban ya compuestos. Es pues un ejemplo de selección musical, y también de sonido, pues escuchar la película con un sistema 5.1 es una de las mayores gozadas que puede sentir un ser humano.

Los actores, por su parte, están inmensos. Tom Hulce lo borda en su papel de Mozart y sobran las palabras para definir la interpretación de F. Murray Abraham. Ambos están geniales y ambos estuvieron nominados al mejor actor, ganándolo este segundo. Se dice que, a raíz de esta película, cuando hay dos actores protagonistas en una misma película, la Academia nomina a uno como actor principal y otro como mejor secundario, para que ambos tengan oportunidades de ganar. El resto de secundarios están también magníficos, desde la preciosa Elisabeth Berridge como Constanze Mozart, que supuso su debut en el cine; hasta la criada de Mozart, un papel minúsculo pero impresionante (la parte en la que manifiesta que no quiere volver a esa casa es grandísima).

Pero si hay algo por lo que "Amadeus" llama muchísimo la atención es por la perfección que inunda la cinta, sobretodo en su ambientación. Los decorados, los vestidos, las pelucas, el maquillaje, todo es sensacional, recreando con todo lujo de detalles la sociedad de la Viena del siglo XVIII. La oscuridad y suciedad de las calles contrasta perfectamente con la luminosidad y brillantez de las escenas de palacio, todo ello con una puesta de escena sumamente elegante. Esa perfección llegó hasta el punto de que los actores tuvieron que aprenderse de memoria dónde había que poner los dedos a la hora de tocar la música, pues esta era en playback y la partitura era interpretada por otra persona. Hay una anécdota que dice que el compositor supervisor de la música del filme, tras presenciar la película en el preestreno, acudió a Milos Forman y le dijo entusiasmado que los actores no se habían equivocado en ninguna de las notas. Decir esto, cuando en una de las escenas Mozart tiene que tocar el piano del revés y tumbado boca arriba, es decir muchísimo.

A pesar de todo lo que he escrito, no he sido capaz de describir totalmente lo que es esta película, pues "Amadeus" es un filme que hay que ver y, sobretodo, escuchar, para saber de lo que se está hablando. Una peli enorme, una obra de arte en movimiento, perfecta en todos sus aspectos y posiblemente, una de las mejores películas de todos los tiempos. Lástima que circule por ahí una nueva versión del director, bastante interesante, pero que no deja de ser una película diferente. Como curiosidad está bien, pero no merece la pena pues, como dice el propio Mozart sobre "Las bodas de Fígaro", no se puede reescribir lo perfecto.

miércoles, 27 de enero de 2010

1983: Sonrisas y lágrimas

LA FUERZA DEL CARIÑO

Título original: Terms of endearment
Año: 1983
País: EE.UU.
Duración: 126 min.
Fecha de estreno en España: 1 de marzo de 1984
Director: James L. Brooks
Guión: James L. Brooks, según la novela homónima de Larry McMurtry
Música: Michael Gore
Montaje: Richard Marks
Fotografía: Andrzej Batkowiak
Productor: James L. Brooks
Compañía: Paramount Pictures
Intérpretes: Debra Winger, Shirley MacLaine, Jack Nicholson, Danny DeVito, Jeff Daniels, John Lithgow, Betty King, Lisa Hart Carroll, Troy Bishop et al.

Ganadora de 5 Oscar: película, director, guión adaptado, actriz, actor secundario

Aurora y Emma son una madre y una hija tremendamente unidas desde la defunción del padre de la familia. Tras toda una vida juntas, Emma se casa con Flap, con lo que ambas se separan para siempre. Comenzará entonces una relación de amor odio entre las dos, pues aunque Emma piense que su madre es una pesada y amargada y Aurora no sporta estar sola, en el fondo se siguen queriendo.

Lo bueno que tiene este reto que estoy realizando es que, al revisar algunas películas olvidadas, descubres que no son tan malas como pensabas. Esto me ha ocurrido con "La fuerza del cariño", la cual tenía como un melodrama pastoso e insoportable y, aunque intente parecerlo al final del filme, se reveló como una comedia desternillante en su comienzo.

Si os habéis dado cuenta el guinista, director y productor de la cinta es James L. Brooks. Sí, dejad de devanaros los sesos averiguando de qué os suena este tipo. Es uno de los productores y guionistas de "Los Simpson", y uno de los jefazos y mandamases de la Fox. En un principio puede sorprender que un hombre que ha participado en una serie tan divertida haya rodado este melodrama lacrimógeno, pero cuando uno se informa descubre que no es tan extraño. Resulta que el personaje de Garrett (un impresionante Jack Nicholson) no aparecía en la novela, fue una invención del propio Brooks. Y se nota, pues es el personaje más alocado, disparatado y divertido de todo el film. Todas las escenas cómicas están protagonizadas por él, muchas de ellas no sólo te sacan una sonrisa, sino que son de auténtica carcajada. Este personaje fue todo un acierto, pues ayuda a suavizar un poco el drama tan profundo al que se va tornando la película.

En el plantel de actores no sólo destaca Nicholson en su papel de astronauta borrachín y ligón, sino que todos ellos están geniales, especialmente Shirley McLaine, que no tiene la juventud y candor de "El apartamento" pero sigue siendo igual de buena actriz y tiene los mismos ojos. Debra Winger, Jeff Daniels y John Lithgow trabajan muy bien, pero a pesar de ello no están a la altura de los dos intérpetes anteriores.

A parte de todo esto, una fotografía muy elegante, una banda sonora muy lograda y un montaje muy ágil hacen de "La fuerza del cariño" una película más que interesante. Es más que un melodrama de esos que te entra la llorera y no puedes parar. Posee elegancia, partes muy divertidas y un tema típico del cine, el amor, tratado de múltiples maneras: el noviazgo, el matrimonio, la infidelidad, el amor en la vejez, el sexo, el amor fraternal. Un filme que no es una maravilla de quitarse el sombrero pero que no está nada mal.

lunes, 25 de enero de 2010

1982: El príncipe de la paz

GANDHI

Título original: Gandhi
Año: 1982
País: Gran Bretaña
Duración: 183 min.
Fecha de estreno en España: 8 de diciembre de 1982
Director: Richard Attemborough
Guión: John Briley
Música: Ravi Shankar y George Fenton
Montaje: John Bloom
Fotografía: Ronnie Taylor y Bily Williams
Productor: Richard Attemborough
Compañía: Columbia Pictures
Intérpretes: Ben Kingsley, Edward Fox, Candice Bergen, Saeed Jaffrey, Roshan Seth, Om Puri, Martin Sheen et al.

Ganadora de 8 Oscar: película, director, guión, actor, montaje, fotografía, dirección artística, vestuario.


La película narra la vida de Mohandas Gandhi, un abogado indú que lucho contra los ingleses por la independencia de la India mediante una política de no violencia, por lo que se convirtió casi en un dios por los millones de habitantes del país asiático.

Es conocida por casi todos esa afición de los de la Academia de Hollywood por premiar aquellas interpretaciones en las que el actor o la actriz de turno imita a cierto personaje o aquellas en las que maquillaje lo hace todo. Estos son los casos de "Gandhi", película para el lucimiento de ser Ben Kingsley, que hace un grandísimo papel, pero cuya grandeza radica en parte por la genial caracterización y por el carisma del propio personaje de Gandhi. Y es por su personaje, por su grandeza y por su magia por lo que la película merece la pena. No podemos dejar de sentir fascinación viendo las peripecias de un hombre tan extraordinario como él, de su mentalidad, su fuerza y sus ideas, y de cómo un ser así habitó en este desgraciado mundo.

Pero como he dicho, lo mejor de toda la película es el propio Gandhi, pues el resto del filme, aunque notable, tampoco destaca demasiado. Es una película larga, aunque es muy loable la labor de montaje, que permite contar toda una vida en a penas 3 horas y sin que aburra. Eso sí, es una película fría, demasiado, y eso hace que en algunas escenas, como la primera matanza, no conmueva demasiado. Así, la película es muy poco emocionante, tan sólo cautiva en algunas partes, como en la segunda huelga de hambre, pero como he dicho, es el propio personaje de Gandhi y su aura de grandeza lo que hacen que esta película sea mágica.

Es curioso que esta cinta sobre la India haya ganado el mismo número de Oscar que 26 años después ganara otro filme también desarrollado en el mismo país. Y está claro que ambos lo ganaron por el mensaje más que por la calidad. En este caso, como he dicho, "Gandhi" no es una mala película, es una grandísima producción sobre la vida de un hombre increíble, pero tampoco es que sea algo impresionante. Todo se lo debe al propio personaje protagonista, genialmente interpretado por Kingsley y fabulosamente caracterizado por los maquilladores y diseñadores de vestuario. Una gran película que todos deberían ver, aunque te deje con un mal sabor de boca al comprobar que personas así ya no existen en el mundo y que su mensaje ha quedado casi olvidado.

sábado, 23 de enero de 2010

Un mal aterrizaje

UP IN THE AIR

Título original: Up in the air
Año: 2009
País: EE.UU
Duración: 110 min.
Fecha de estreno en España: 22 de enero de 2010
Director: Jason Reitman
Guión: Jason Reitman y Sheldon Turner
Música: Rolphe Kent
Montaje: Dana E. Glauberman
Fotografía: Eric Steelberg
Productores: Jason Reitman, Ivan Reitman, Jeffrey Clifford y Daniel Dubieki
Compañía: Paramount Pictures/The Montecito Picture Company/DW Studios/Cold String Pictures
Intérpretes: George Clooney, Vera Farmiga, Anna Kendrick, Jason Bateman, J. K. Simmons, Danny McBride, Chris Lowel et al.

Ryan Bingham es un experto en rescindir contratos que debe viajar por todo el país despidiendo a aquellos empleados que el director de la empresa no se atreve a echar. Su trabajo hace que su vida esté en el aire, en los hoteles y en los aeropuertos, mientras que tan sólo está en su casa un mes al año. Sin embargo, a diferencia del resto de personas, esa es su mejor vida: viajar, conocer gente nueva, coleccionar puntos en sus tarjetas, tener el mejor trato en todos los hoteles, y además es un número uno en su oficio. Pero todo cambia cuando llega a la empresa una joven emprendedora llamada Natalie, que implanta un sistema de despido por videoconferencia. Eso supone el cese de los viajes que tanto ama Ryan y, por lo tanto, la pérdida de su vida. Este considera que la joven tiene buenas ideas, pero no conoce el mundo del despido y por eso no cree adecuado el nuevo sistema. Así, su jefe decide que Ryan se convierta en el maestro de Natalie, viajando juntos por EE.UU. para enseñarle los secretos de su profesión.

Hay un genial sketch de los Monty Python en el que un vendedor de enciclopedias se hace pasar por ladrón para que la dueña de la casa le deje entrar y así, una vez dentro, le venda una enciclopedia. Algo similar ocurre con "Up in the air". Se nos vende como una comedia sobre la crisis económica y sus consecuencias, pero una vez que hemos sucumbido a sus encantos nos encontramos con algo bien distinto: un drama sobre la importancia de la vida en familia. Por eso, independientemente de que se esté a favor o no del tema, uno acaba un poco decepcionado, pues la película no ofrece lo que se vende. Al menos, para el público masculino, porque las féminas (y, por qué no, los espectadores homosexuales) van a ir a ver la película por George Clooney. De hecho, en la butaca de al lado había sentada dos abuelitas y no creo que hayan acudido al cine porque les fascina la cinematografía de Jason Reitman.

Otro factor desfavorable para esta película es que parece como si estuviera contado en bloques y pivotara entre una historia y otra, sin centrarse en ninguna de las dos y sin encontrar la fluidez en sus enlaces, como si fueran dos historias aisladas una de la otra. Y es que, de hecho, el propio trabajo de Ryan (sorprendente parecido a "Ryanair") de despedir a trabajadores es completamente prescindible teniendo en cuenta que no es el principal tema. Vamos, que podría ser viajante de wisky y la película sería la misma. Y esto es así porque se le da una importancia nula a lo que suponen los despidos. Esto es un aspecto que a mucha gente le ha mosqueado, que la película trivialice un tema tan dramático e importante como los despidos. Yo no lo creo así, y esto se demuestra en la escena final, prescindible para algunos, pero que para mí resume lo que quiere decir esta película: una secuencia en la que salen distintos empleados que acaban de ser despedidos diciendo que su trabajo no importa mientras tengan una familia o alguien a su lado.

Pero no todo son desgracias en "Up in the air". El guión es fabuloso y el ritmo, aunque comienza frenético al inicio, va decayendo hacia el soso final. Los actores están muy bien. George Clooney interpreta lo que él es, un galán seductor, y lo hace de maravilla. Sorprende Vera Farmiga, que interpreta al alter ego de Ryan pero con vagina (esto lo dicen en la película) además de ser guapísima, y Anna Kendrick está también muy bien en su papel de joven idealista. Reitman también deja su granito de arena, pues emplea todos los recursos a su disposición para crear una película muy elegante, muy bien rodada y muy ágil en algunos momentos, sobretodo al inicio, con los títulos de crédito y en las secuencias en las que Ryan hace las maletas y pasa los controles del aeropuerto. Son escenas genialmente rodadas y coreografiadas, que demuestran el automatismo y la facilidad del protagonista en estas lides.

Así que "Up in the air" es una buena película, muy bien escrita y rodada, con planos muy elegantes y una fotografía muy buena estética y narrativamente hablando (imágenes muy vacías para representar la soledad de Ryan y planos muy llenos y coloridos en la secuencia de la boda de su hermana). Pero es una película que decepciona temáticamente, por ir esperando una cosa distinta a la que te ofrecen, por decaer el ritmo casi al final y porque trata un tema que hoy en día no está en demasiada consideración. Una película muy muy bien realizada pero que puede llegar a disgustar y decepcionar. Tiene ese aroma de película oscarizable, pero no demasiado, con lo que si lo gana será porque sus rivales serán peores, no porque sea la mejor.

viernes, 22 de enero de 2010

1981: Pasión por el deporte

CARROS DE FUEGO

Título original: Chariots of fire
Año: 1981
País: Gran Bretaña
Duración: 118 min.
Fecha de estreno en España: 1 de enero de 1982
Director: Hugh Hudson
Guión: Colin Welland
Música: Vangelis
Montaje: Terry Rawlings
Fotografía: David Watkin
Productor: David Puttman
Compañía: 20th Century Fox/Allied Stars/Enigma Productions
Intérpretes: Ben Cross, Ian Charleson, Nigel Havers, Cheryl Campbell, Alice Krige, Ian Holm, John Gielgud, Lindsay Anderson, Brad Davis et al.

Ganadora de 4 Oscar: película, director, guión, vestuario

Harold Abrahams es un estudiante británico de descendencia judía que acaba de iniciar sus estudios en Cambridge. Harto de ver cómo es ninguneado a causa de su religión, decide demostrar al mundo que puede ser mejor que cualquiera, con lo que centra sus esfuerzos en las carreras. Eric Iddle es un misionero británico en China que tiene como objetivo dedicar su vida a Dios. Sin embargo, Iddle tiene otro talento: su velocidad, con lo que pasa de ser un famoso jugador de rugby a un temido atleta, corriendo como forma de honrar a Dios por el don que le ha dado. Los dos, tanto Harold como Eric, junto a un selecto grupo de deportistas, tienen la oportunidad de demostrar al mundo su valía representando a Gran Bretaña en los JJ. OO. de París de 1924.

"Carros de fuego" es una de esas películas que todo el mundo conoce por su música, pero que pocos han visto. Han escuchado su mítico tema principal, pero no les preguntes el argumento o lo que pasa porque no lo saben. Es una desgracia, porque la película es realmente buena, una delicia para todos los que amamos el deporte, pues capta toda la esencia del mismo en sus hermosas imágenes.

A través de una fotografía impecable, en la que cualquier plano, ya sea corto, general, estático o en movimiento, resulta igual de bello; y de un montaje que, de forma inusual, hace que una película británica, famosas por su ritmo pausado, no resulte lenta en ningún momento; el director rueda unas carreras atrapantes, hipnóticas, que hacen que se detenga el tiempo. Por medio de la cámara lenta y un notable empleo del sonido, Hudson muestra toda la estética y la emoción del deporte, recreándose en su belleza y en su fuerza. Los planos a cámara lenta ayudan a contemplar lo fascinante que es el cuerpo humano a la hora de moverse y el uso del sonido hace que las secuencias estén llenas de la misma emoción y tensión como si fuera una competición actual de unos juegos olímpicos.

Aunque no sólo de carreras vive "Carros de fuego". También tiene una historia, mejor dicho un par de historias, las de los dos protagonistas, que utilizan el deporte para demostrar algo al mundo. Quizá se le pueda tachar a la película de realizar apología religiosa o de ser la típica "inglesada". No diría yo que no, pero en realidad el principal tema del filme es el empleo del deporte como vía de escape, como símbolo de superación y sacrificio, como sana forma de competir entre países, con caballerosidad y sin derramamiento de sangre. Los actores están muy bien a la hora de representar a estos personajes y destaca por su presencia (aunque no tanto por su actuación), a Ser Ian Holm, que 20 años antes de hacer de Bilbo en "El señor de los anillos" está exactamente igual. No sé por qué me extraño, si el Anillo Único retarda el envejecimiento.

En resumen, "Carros de fuego" es una muy buena película, que goza de una gran belleza en su fotografía. Hay veces que este factor sólo destaca con grandes planos generales, pero en este caso incluso los primeros planos están llenos de belleza. El montaje hace que las dos horas de peli se pasen volando, y la legendaria música del griego Vangelis ayuda a aumentar la intensidad y el dramatismo de algunas escenas. A pesar de cierto aroma a panfleto probritánico y procristiano, la grandeza de este filme está en la belleza e intensidad de las carreras, que recrean perfectamente la pasión y la adrenalina que se desprende en ellas. Película recomendada a todos los que amamos el deporte, en cualquiera que sea su forma o expresión, ya sea el sillón bol o la plancha extrema.

jueves, 21 de enero de 2010

1980: Son como personas normales

GENTE CORRIENTE

Título original: Ordinary people
Año: 1980
País: EE.UU.
Duración: 119 min.
Fecha de estreno en España: 18 de marzo de 1981
Director: Robert Redford
Guión: Alvin Sargent, según la novela homónima de Judith Guest
Música: Marvin Hamlisch
Montaje: Jeff Kanew
Fotografía: John Bailey
Productor: Ronald S. Schwary
Compañía: Paramount Pictures/Wildwood Enterprises
Intérpretes: Donald Sutherland, Mary Tyler Moore, Judd Hirsch, Timothy Hutton, M. Emmet Walsh, Elizabeth Mcgovern, Dinah Manoff, James B. Sikking et al.

Ganadora de 4 Oscar: película, director, guión adaptado, actor secundario

Conrad es el menor de los hijos de Calvin y Beth Jarrett, un matrimonio de clase alta de un adinerado barrio de EE.UU. El chico acaba de volver a casa tras pasar unos cuantos meses en el hospital por un intento de suicidio. Y todo surgió a raíz del accidente que causó la muerte de Buck, el hijo mayor, suceso del que Conrad se siente culpable. Para mejorar su tratamiento, Conrad deberá acudir a un psiquiatra para encontrar un remedio a su depresión, pero pronto descubrirá que no es tan fácil, pues no sólo se siente más distanciado de sus antiguos amigos, sino que ve cómo resulta un problema para la imagen social de la familia.

En 1980 se estrenó el que es uno de los mejores trabajos de Martin Scorsese: "Toro salvaje", la impresionante biografía de Jake la Motta, el toro del Bronx, considerada como una de las mejores películas de la historia. Debo confesar que, tanto por devoción a Scorsese como por experiencia al ver la cinta, consideré una injusticia enorme que esta grandísima película no ganara el más importante Oscar. Pero esto pensé hasta que vi "Gente corriente", el debut en la dirección de Robert Redford, que sin tener la fuerza narrativa y la calidad técnica de la de Scorsese, las sensaciones que produce y la intensidad del filme la convierten en una digna rival.

Como resumen inicial, se podría decir que "Gente corriente" es una mezcla entre "Donnie Darko" y "American Beauty". Se asemeja al primer título en que el protagonista es un adolescente con problemas mentales, que es considerado raro por sus colegas y que encuentra el amor y el consuelo en una joven compañera de clase. En la segunda se asemeja, aunque en menor medida, en la crítica a la sociedad americana, que no soporta el fracaso en un mundo perfecto. Esto se expresa en el film en la parte de la fiesta a la que acuden los Jarrett, en la que Beth critica a su marido por decir a una amiga que asistió al convite que su hijo va al psiquiatra, por considerarlo un signo de vulnerabilidad.

Sin embargo, a parte de que esta película es muy anterior a las dos citadas, no llega a tener la psicodelia de "Donnie Darko" ni el sarcasmo y acidez de "American Beauty", así que la comparación es más temática que otra cosa. Redford no se centra en artificios ni en llamativos efectos de cámara, sino que se centra en la psicología de los personajes, retratando con gran eficacia la dureza de la existencia del pobre Conrad. Es este el mejor personaje de toda la película, interpretado de forma insuperable por un jovencísimo Timothy Hutton. Es curioso que, aun siendo el protagonista, ganara el Óscar al mejor actor secundario. Y es que ese año, el Oscar al mejor actor principal iba a ser (tenía que ser, por obligación), para Robert De Niro, por su brutal recreación de La Motta en anteriormente citada "Toro salvaje". De esta guisa se las ingeniaron los de la Academia de Hollywood para premiar a los dos mejores actores del año.

Pero no sólo está el personaje de Conrad, sino que el resto de actores y sus papeles están igual de bien. Tanto el potente papel de Mary Tyler Moore como la despreciable madre de Conrad, hasta el sobrio pero no por ello peor interpretado padre del chico, hecho realidad por un contenido pero impresionante Donald Sutherland. Incluso el psicólogo o Karen, la amiga de Conrad, mi personaje favorito, por lo hemroso que es y por lo que significa en la película, todos están fabulosos a la hora de expresar el tremendo drama que supone la película.

En los demás aspectos, como el guión, fotografía, música y demás, poco que comentar. El guión es sensacional, algo normal viniendo de una novela, y la música es lo más llamativo, pues a pesar de haber más temas compuestos, el tema que predomina en el filme, y que queda en la memoria del espectador, es el famoso canon de Pachelbel, tocado de una forma tan lenta que ayuda a recrear el ambiente de melancolía que inunda el filme. Con este tema se inicia y se finaliza la película, un tema hermoso pero triste al mismo tiempo.

Así que se puede decir que "Gente corriente", a pesar de no alcanzar la calidad de "Toro salvaje", es un peliculón y una digna trinfadora de los primeros Oscar de los años 80. Eso sí, a pesar de la fuerza, intensidad y dureza de la cinta, la peli de Scorsese es inmensamente superior y tenía que haber logrado el triunfo. Pero no entendamos mal, "Gente corriente" no es una mala película, sólo que "Toro salvaje" es una obra maestra insuperable. La segunda en la frente para el director de Queens.

miércoles, 20 de enero de 2010

1979: Historia de un divorcio

KRAMER CONTRA KRAMER

Título original: Kramer vs. Kramer
Año: 1979
País: EE. UU.
Duración: 100 min.
Fecha de estreno en España: 1 de marzo de 1980
Director: Robert Benton
Guión: Robert Benton, según la novela homónima de Avery Corman
Música: John Kander y Herb Harris
Montaje: Gerald B. Greenberg
Fotografía: Néstor Almendros
Productor: Stanley R. Jaffe
Compañía: Columbia Pictures
Intérpretes: Dustin Hoffman, Meryl Streep, Jane Alexander, Jobeth Williams, Justin Henry, Howad Duff et al.

Ganadora de 5 Oscar: película, director, actor, actriz secundaria, guión adaptado

Ted Kramer es un diseñador gráfico de una empresa de publicidad que acaba de ser ascendido. Pero cuando regresa a casa esa misma noche su mujer Joanna le dice que le abandona a él y a su hijo. A partir de entonces Ted deberá desenvolverse solo, conciliando de forma dificultosa la vida laboral y familiar. Tras unos meses, en los que el chico y él han aprendido a llevar todo sobre ruedas, Joanna queda con Ted para comunicarle una desagradable noticia: quiere quedarse con su hijo. Comenzará entonces una lucha entre ambos por la custodia de Billy en la que Ted tiene todas las de perder.

A veces las películas tratan temas que sólo los entiende un puñado de gente. Por ejemplo, cuando los yankis nos hablan de la Guerra de Secesión y nosotros les hablamos de la Guerra Civil. También hay películas, como el caso de "En el calor de la noche", cuya temática está obsoleta en nuestros días. Pero hay otras cintas cuyo tema es tan universal y tan atemporal que treinta años después siguen conmoviendo. Este es el caso de "Kramer contra Kramer", un film que relata un tema tan de moda como el divorcio.

Montones de parejas se separan actualmente, sobretodo después de Navidad, con eso de reunirse con los suegros y la familia. Siempre se tiene la impresión de que un divorcio es una guerra entre dos y que no hay nada más entre ellos. Pero "Kramer contra Kramer" aporta un factor indispensable en este conflicto, un factor que casi no se tiene en cuenta pero que goza de igual importancia, o incluso mayor, en este asunto: los niños. Y es que "Kramer contra Kramer" no es una historia sobre la guerra entre Ted y Joanna, sino en el papel que juegan los hijos en este asunto, en cómo son usados al igual que juguetes que se intercambian, como si fuera un simple objeto.

A pesar de todo, "Kramer contra Kramer" no se queda sólo ahí, sino que trata multitud de temas, todos ellos de actualidad, a pesar de que la película tenga más de 30 años. A raíz del divorcio se saca a relucir temas como el papel del hombre en los asuntos de la casa, esto es, cocinar, limpiar o cuidar de los niños, y la dificultad de llevar a cabo todas estas actividades compaginándolas con el trabajo. Es una película, por tanto, que ayuda a comprender el papel que muchas madres desempeñaron y siguen desempeñando. Pero "Kramer contra Kramer" también es una película que se pone del lado del hombre de la casa, pues muestra la importancia de éste en la educación de los hijos. Actualmente, y también en la película, se tiene más en consideración a la madre en el crecimiento de los hijos, pues es la que le gestó, le parió y le mimó. Pero en la película se muestra cómo Billy puede amar incluso más a su padre, pues es su madre, al fin y al cabo, la que le abandonó.

Por esto, "Kramer contra Kramer" puede resultar una película no muy grata para el público femenino, pues se centra sobretodo en el papel del varón, aunque esto se produciría si se hace una visión un tanto superficial del film. Además, no es una película que se ponga del lado de uno y de otro, sino que se solidariza tanto con las mujeres, a la hora de honrar el esfuerzo de compaginar trabajo y familia, pero también con los hombres, al considerarles una parte importante en la familia. A parte de todo esto, se trata el tema de los hijos, que son un mero títere en manos de los padres y jueces. En definitiva, que se abordan muchos temas puramente sociales surgidos todos ellos a raíz de un divorcio.

"Kramer contra Kramer" es, pues, cine puramente social, que critica duramente temas cotidianos de la vida actual. Pero, lógicamente, es una película y tiene actores y un equipo detrás, con lo que no es sólo una cinta que no aporte nada artísticamente. A pesar de no destacar en los aspectos técnicos o artísticos (en este sentido se podría decir que es una peli normalita), los actores tienen una importancia enorme, especialmente el dúo protagonista, compuesto por dos de los más grandes intérpretes del séptimo arte. Dustin Hoffman, en otra grandísima interpetación (aunque las ha tenido mucho mejores), merece con creces el Óscar que ganó por el papel de un hombre sumergido en su trabajo y completamente incapacitado para hacerse cargo del niño. Por eso resulta entrañable ver cómo va cogiendo experiencia a lo largo del film. Meryl Streep también está enorme, en un papel entrañable pero que incluso se puede llegar a odiar por ciertos aspectos, y que supuso su segunda nominación consecutiva y su primer Óscar. Pero destaca sobre todo el pequeño Justin Henry en el papel de Billy, un chaval que con a penas 8 años realiza una interpretación muy adorable y muy natural.

Así que, en definitiva, "Kramer contra Kramer" es una película sin muchos logros técnicos pero cuyo tema y subtemas internos conmueven y llaman la atención por su dureza y actualidad, a pesar de ser una historia que se desarrolla hace más de 30 años. Un film que deberían ver todos los matrimonios para planearse, o por lo menos reflexionar, el tema de una separación o el trato que está recibiendo cada miembro de la familia. Una película que supuso el último premio de la década de los 70, 10 años que lograron una cierta regularidad pero que de no ser por filmes como "Patton", "El golpe", "Alguien voló sobre el nido del cuco" o las dos de "El padrino", habrían dejado el listón bastante bajo.

Ahora llegan los años 80, una década bastante desastrosa para el mundo del cine. Muchas productoras quebraron y otras estaban a punto, con lo que se buscó un cine mucho más comercial y familiar, debido, por otro lado, el asentamiento de lo que supuso la segunda y mayor amenaza en la historia del séptimo arte: el cine en casa. Sin embargo, también fue la época de mayor productividad de los cineastas que comenzaron a surgir en la década anterior. Así, tenemos alguno de los mejores trabajos de Scorsese, el final de la trilogía galáctica de Lucas y la época de mayor productividad de Spielberg, incluso en las labores de producción. Desgraciadamente, ninguno de ellos fue reconocido por los Oscar, que tuvieron un regustillo un tanto cutre (salvo excepciones, claro está), sin alcanzar la mediocridad. Afortunadamente, estaban Milos Forman y Bertolucci para aumentar el listón. ¡El cine europeo al poder!

martes, 19 de enero de 2010

Tobey Maguire será Bilbo Bolsón

Para todos los amantes de las discutibles traslaciones al cine de la maravillosa obra de J. R. R. Tolkien:

"TOBEY MAGUIRE SERÁ BILBO BOLSÓN" (de Bolsón Cerrado)

Leer articulo completo en www.sensacine.com

"De superhéroe a personaje de la Tierra Media. Tobey Maguire será Bilbo Bolsón en 'El hobbit', la precuela de la trilogía de 'El Señor de los Anillos' que dirigirá Guillermo Del Toro. Al menos eso es lo que ha afirmado una fuente al diario The Sun, "Tobey no es sólo una de las caras más conocidas de Hollywood, sino también uno de los mejores actores".Los rumores sobre la supuesta participación del que fuera Peter Parker en 'Spider-Man' en la trilogía de Sam Raimi -ambos han abandonado el proyecto de la cuarta película de 'Spider-Man', tras no ser renovados por Sony- comenzaron el pasado mes de diciembre. Por aquel entonces, Maguire aseguró que no había hablado con Del Toro ni con Peter Jackson -productor de la cinta-, pero añadió que le encantaría trabajar con ambos.El rodaje de la cinta, que estará dividida en dos, comenzará el próximo verano y está previsto que la primera parte se estrene en 2011 y la segunda en 2012."

Copiado y pegado de: lainformacion.com

1978: Sólo un disparo

EL CAZADOR

Título original: The deer hunter
Año: 1978
País: EE.UU.
Duración: 174 min.
Director: Michael Cimino
Guión: Michael Cimino y Deric Washburn
Música: Stanley Myers
Montaje: Peter Zener
Fotografía: Vilmos Zsigmond
Productores: Michel Cimino, Michael Deeley, John Peverall y Barry Spikings
Compañía: EMI Films
Interpretes: Robert De Niro, Meryl Streep, Christopher Walken, John Savage, George Dzundza, John Cazale, Amy Writght, Joe Grifasi et al.

Ganadora de 5 Oscar: película, director, actor secundario, montaje, fotografía

Michel, Steve y Nick son tres amigos, obreros siderúrgicos del estado de Pensilvania. Después de celebrar la boda de uno de ellos, los tres partirán hacia Vietnam para luchar en la guerra. Pero una vez allí son capturados y obligados por sus enemigos a jugar a la ruleta rusa. Este hecho les marca profundamente, produciéndoles graves daños tanto físicos como psicológicos. Por eso, cuando Mike regresa a casa solo, descubre que ese mundo ya no es el suyo y que todo ha cambiado para él.

Era mucho tardar que la Academia no premiara una película sobre la guerra de Vietnam, conflicto que marcó mucho a la sociedad americana en la segunda mitad del Siglo XX. Ya tuvieron su oportunidad dos años atrás con "Taxi Driver", pero se decantaron con el fenómeno "Rocky". En esta ocasión no pudieron resistirse a "El cazador", película bella y dura a la vez, que goza de una interpretaciones memorables.

Cuando ves los documentales y making offs de una peli uno se cansa de ver cómo le lamen el culo al director. Por eso agrada descubrir cómo en este caso ocurre lo contrario. Michael Cimino, que en "El cazador" realiza un trabajo fabuloso, era un director muy odiado, tanto por la industria como por los actores. A parte de grabes problemas con los productores, que veían como una y otra vez se pasaba el presupuesto por un sitio muy sensible de su anatomía, le condenaron a vagar por el mundo del cine de bajo presupuesto sin pena ni gloria, siendo esta su segunda película y la única destacable.

Pero hay que reconocer que en "El cazador" lo hizo muy bien, realizando una película muy emocionante y dura. Parte de ello lo tiene un grupo de actores magníficos. Destaca por encima de todos Robert De Niro, otra vez en una película relacionada con Vietnam, pero también merecen nuestra atención Meryl Streep, que recibió la primera de una inmensa lista de nominaciones a los Oscar, y Christopher Walken en un papel demoledor que mereció el premio al mejor actor secundario. Pero el papel más entrañable es el de John Cazale, el cual rodó cuando estaba enfermo de cáncer y murió después de la película. A pesar de conocer su enfermedad decidió trabajar en la película porque quería actuar junto a De Niro, quien coincidió en "El padrino, parte II" pero nunca estuvieron juntos en escena. Hablando de estos dos, cuenta la leyenda que al final del film, cuando De Niro juega a la ruleta rusa con él, puso una bala de verdad en el cargador, previo permiso del propio Cazale. Este aceptó, total, iba a morir de todas formas.

Otro de los méritos de "El cazador" es que dura tres horas, pero se pasa volando. De hecho, toda la primera hora se emplea para hablar de la boda de Steve, tanto los días anteriores como el día después, cuando se van de caza. Sin embargo, parece que ha durado media hora o menos. Tras esto viene la parte de Vietnam, que transcurre en una escasa media hora, dominada por la inmensa secuencia de la ruleta rusa, genialmente montada e interpretada. Esto puede desconcertar un poco al espectador, que quizá vaya pensando que es una peli bélica. Nada de eso, "El cazador" es una película antibelicista, pero que habla de las personas. No le importa tanto el conflicto como los sentimientos de los personajes y lo que tienen que sufrir. Eso hace que toda la parte de la guerra ocupe muy poco.

Ahora bien, tal es el afan por dejar de largo la guerra que el director apenas muestra nada de ella. Es decir, no se nos cuenta cómo acaban capturados los protagonistas. Tan sólo hay una escena de un bombardeo en un poblado, De Niro chamuscando a un vietnamita y después otro bombardeo a muchos metros de distancia, para después llevarnos directamente a la cabaña en el río donde están capturados. Me parece bien que se centre en los sentimientos, pero es necesario explicar ciertas cosas y no ir directamente al grano (los preliminares que lo llaman algunos).

A pesar de este fallo, la película es magnífica y muy hermosa, gracias a la música de Stanley Myers y a la gran fotografía de Vilmos Zsigmond, que se recrea en los hermosos parajes boscosos de Pensilvania. Con lo que me pirra el campo, estaba considerando preparar la mochila para irme allí a dar una vuelta.

Por todo esto, hay que decir que en general "El cazador" es una gran película, muy hermosa y emotiva y a la vez dura y desagradable. Creó un auténtico impacto en la sociedad, aunque el director no volvió a tener más éxito en su carrera. Una película muy larga (y más que podía haber durado, a pesar de las sucias artimañas del director para que se aceptara la versión larga), pero que se pasa enseguida debido a la intensidad de la misma. Un filme que todos tienen que ver.

lunes, 18 de enero de 2010

Palmarés Globos de Oro 2010

Como sabréis, anoche se dieron los Globos de Oro. Sabréis que se han dado, pero no los ganadores, porque como es tradición en este país, lo único que importa es lo que hagan nuestros artistas y no lo que hagan los demás. Por eso los informativos se han centrado en decir que ni Penélope Cruz ni Almodóvar han ganado ningún premio. Teniendo en cuenta que tampoco habían comentado nada de "Nine", única forma de aferrarnos a algún "Globo de Oro español" por la participación de Pe, supuse que el musical tampoco había ganado y deduje pues que fue "Resacón en Las Vegas" la que se llevó el gato al agua.

Pero hay una peli que ha triunfado por encima de todas y ha sido, como no, "Avatar", de James Cameron, un gran director de ciencia ficción y tan listo que ha sabido vender su película como nadie. Y parece ser que así se lo han demostrado los corresponsales de prensa extranjera en Hollywood, con el premio al mejor director y a la mejor película dramática.

Por otro lado, el popurrí de premios a los actores no ha deparado muchas sorpresas. Jeff Bridges y Robert Downey Jr. han sido los mejores actores en drama y comedia y Sandra Bullock y Meryl Streep (como no) las mejores actrices en las mismas categorías respectivamente. Mo'Nique le arrebató el premio a Cruz y el de Christoph Waltz estaba más que cantado.

Del resto de candidaturas ninguna sorpresa: "Up" mejor peli de animación, "La cinta blanca" mejor peli extranjera" y bla bla bla, siempre lo mismo. No merece la pena comentar nada más, porque no hay nada interesante. Puede que estos premios sean muy importantes para decidir los Oscar, y posiblemente "Avatar" siga su camino imparable. Pero da la casualidad de que su exmujer, Kathlyn Bigelow y su "En tierra hostil" están pisando fuerte y pueden convertirse en una seria rival para los seres de color azul. Desgraciadamente, sea cual sea el resultado, Cameron estará relacionado. Empiezo a creer que realmente es casi un semidios, porque como sabéis, Dios sólo hay uno, y le han homenajeado con el premio Cecil B. De Mille por toda su carrera: Martin Scoresese. Os dejo la lista completa con los ganadores en negrita y el enlace a la página oficial.

GLOBOS DE ORO 2009: Palmarés

Mejor película dramática
Avatar (James Cameron)
En tierra Hostil (Kathryn Bigelow)
Precious (Lee Daniels)
Malditos bastardos (Quentin Tarantino)
Up in the air (Jason Rateman)

Mejor película cómica o musical
Julie y Julia (Nora Ephron)
500 días juntos (Marc Webb)
Nine (Rob Marshall)
Resacón en Las Vegas (Todd Phillips)
No es tan fácil (Nancy Meyers)

Mejor director
Clint Eastwood (Invictus)
Quentin Tarantino (Malditos bastardos)
Jason Rateman (Up in the air)
James Cameron (Avatar)
Kathryn Bigelow (En tierra hostil)

Mejor actor en película dramática
Jeff Bridges (Crazy Heart)
George Clooney (Up in the air)
Colin Frith (A single man)
Morgan Freeman (Invictus)
Tobey Maguire (Brothers)

Mejor actriz en película dramática
Emily Blunt (La reina Victoria)
Sandra Bullock (The blind side)
Hellen Mirren (The last station)
Carey Mulligan (Una educación)
Gaburey Sibide (Precious)

Mejor actor en película cómica o musical
Matt Damon (El soplón)
Daniel Day Lewis (Nine)
Robert Downey Jr (Sherlock Holmes)
Joseph Gordon-Lewitt (500 días juntos)
Michael Stuhlbarg (Un tipo serio)

Mejor actriz en película cómica o musical
Sandra Bullock (La proposición)
Marion Cotillard (Nine)
Julia Roberts (Duplicity)
Merryl Streep (No es tan fácil)
Merryl Streep (Julie y Julia)

Mejor actor secundario
Matt Damon (Invictus)
Woody Harrelson (El mensajero)
Christopher Plummer (The last station)
Stanley Tutcci (The lovely bones)
Christoph Waltz (Malditos bastardos)

Mejor actriz secundaria
Penelope Cruz (Nine)
Vera Farmiga (Up in the air)
Anna Kendrick (Up in the air)
Mo'Nique (Precious)
Julian Moore (A single man)

Mejor película de animación
Up (Disney-Pixar)
Tiana y el sapo (Walt Disney Studios)
Fantastic Mr. Fox (20th Century Fox)
Lluvia de albóndigas (Sony Pictures)
Los mundos de Coraline (Focus Features)

Mejor película en lengua extranjera
Baaria (Italia)
La nana (Chile)
Un prophète (Francia)
La cinta blanca (Alemania)

Mejor guión
Distrito 9
En tierra hostil
No es tan fácil
Malditos Bastardos
Up in the air

Mejor banda sonora
Up
El soplón
Avatar
A single man
Donde viven los monstruos

Mejor canción
"Cinema Italiano" (Nine)
"I want to come home" (Todo está bien)
"I will see you" (Avatar)
"The weary kind" (Crazy Heart)
"Winter" (Brothers)

PD: Estos sí que son los auténticos Globos de Oro

Stranger than Fiction

MÁS EXTRAÑO QUE LA FICCIÓN


Título original: Stranger than fiction
Año: 2006
País: EE.UU.
Duración: 113 min.
Director: Marc Forster
Guión: Zach Helm
Compañía: Columbia Pictures
Intérpretes: Will Ferrel, Maggie Gyllenhaal, Emma Thompson, Dustin Hoffman

Harold Crick es un agente del Fisco, que vive encorsetado en una rutina monótona y espartana. Todas las mañanas despierta a la misma hora, se cepilla los dientes el mismo número de veces, come a la misma hora, cena a la misma hora y se acuesta a la misma hora.

Una mañana, sin embargo, la vida de Harold cambia irremediablemente cuando empieza a escuchar una voz femenina que, como narradora omnisciente, describe cada una de sus acciones; como si el Sr Crick fuese el personaje protagonista de una novela.

Una de mis comedias preferidas, magistralmente interpretada por Will Ferrell y secundado por dos de los más grandes actores de la generación pasada: Dustin Hoffman, interpretando a un peculiar profesor universitario de literatura, y Emma Thompson, la novelista responsable de todo el desaguisado.

Perfecta en el desarrollo, con un espléndido guión y muy original en el estilo del rodaje (Marc Forster es un ingenioso director que nos ha deleitado con films como Finding Neverland o Monster's Ball que, si bien un tanto sobrevaloradas, no dejan de ser buenas películas), "Stranger than Fiction" es una película redonda que es imposible que no guste.

domingo, 17 de enero de 2010

Ganadores Premios Critica EE.UU.

El viernes noche, mientras algunos dormíamos y otros estaban de fiesta u otros menesteres, se entregaron los premios de la Crítica de EE.UU., galardones que siempre son interesantes porque sirven de importante baremo para los Oscar.

En esta edición hay bastantes sorpresas y yo, personalmente, dudo que se repitan premios en otros galardones. Ni "Malditos bastardos", ni "Avatar", ni "Up", ni "Nine", ni la de Clint, ni ninguna de las favoritas se ha llevado el premio a la mejor película, que ha recaído en "The hurt locker", un filme sobre un artificiero que se juega la vida desactivando bombas en la guerra de Irak. La verdad es que es una película que sonaba mucho para ganar todos los premios, y consiguió el máximo premio en el Festival de Sundance, al igual que "Slumdog Millionaire", así que puede ser una firme candidata para el Oscar a la mejor película.

Otro hecho importante es que la película está dirigida por Kathryn Bigelow, que ha sido premiada también y todo apunta a que repetirá en multitud de certámenes. Eso quiere decir que si se repite en los Oscar, sería la primera mujer en toda la historia de estos premios, que recibe una estatuilla por su trabajo como directora.

En las otras categorías destacan por ejemplo el premio a la mejor actriz, recibida ex aequo por Meryl Streep y Sandra Bullock, por su papel en "Julie & Julia" y "The blind side", respectivamente. No sé, pero el hecho de premiar siempre o nominar siempre a Meryll Streep parece ya una costumbre más que un reconocimiento.

Por otro lado, la película que más premios ha ganado ha sido, con seis, "Avatar". Eso sí, todo premios técnicos, como el montaje, fotografía, efectos visuales, dirección artística, sonido o mejor película de acción. Ahora, el de maquillaje se lo ha quitado "Distrito 9". "Malditos bastardos" ha conseguido 3, al ganar los de mejor guión original, mejor actor secundario y (atención) mejor reparto. Esto es importante, pues sabemos el poder de los actores en Hollywood. Aunque a decir verdad, el año pasado el mejor reparto lo tuvo "La duda" pero el Oscar lo ganó "Slumdog Millionaire".

Pero la mayor sorpresa de todas, y la que me hace dudar de que esta edición pueda reflejar lo que ocurra en los Oscar o esta noche en los Globos de Oro, es que "Los abrazos rotos" ha conseguido el premio a la mejor película extranjera, arrebatandoselo a "La cinta blanca" de Michael Haneke. Debería alegrarme por ser una película española, pero es que, cinematográficamente, la decisión me parece lamentable.

Nada más, os dejo la lista completa de nominados con los ganadores en negrita, así como el link a la página oficial con los premiados. A ver que pasa esta noche con los Globos de Oro, porque esta edición de los BFCA apesta bastante.

CRITIC'S CHOICE AWARD: Ganadores

Mejor película
Avatar
Malditos bastardos
Up
Nine
The hurt locker
Invictus
Up in the air
Precious
Una educación
A serious man

Mejor comedia
500 días juntos
Resacón en Las Vegas
No es tan fácil
La proposición
Bienvenidos a Zombieland

Mejor película de animación
Up
Fantastic Mr. Fox
Los mundos de Coraline
Lluvia de albóndigas
Tiana y el sapo

Mejor película de acción
Star treck
The hurt locker
Malditos bastardos
Avatar
Distrito 9

Mejor película de lengua extranjera
Los abrazos rotos - España
La cinta blanca - Alemania
Coco Chanel - Francia
Chi bi (Red Clif) - China
Sin nombre (Honduras)

Mejor documental
Anvil
Capitalismo: una historia de amor
The cove
Food, inc.
This is it!

Mejor director
Kathryn Bigelow (The hurt locker)
James Cameron (Avatar)
Lee Daniels (Precious)
Clint Eastwood (Invictus)
Jason Rateman (Up in the air)
Quentin Tarantino (Malditos bastardos)

Mejor actor
Jeff Bridges (Crazy Heart)
Morgan Freeman (Invictus)
George Clooney (Up in the air)
Colin Firth (A single man)
Viggo Mortensen (The road)
Jeremy REnner (the hurt locker)

Mejor actriz
Emily Blunt (La reina Victoria)
Sandra Bullock (The blind side)
Carey Mulligan (Una educación)
Saoirse Ronan (The lovely bones)
Gabourey Sibide (Precious)
Meryl Streep (Julie y Julia)

Mejor actor secundario
Matt Damon (Invictus)
Woody Harrelson (El mensajero)
Christiasn McKay (Yo y Orson Welles)
lfred Molina (Una educación)
Stanley Tucci (Una educación)
Christof Waltz (Malditos bastardos)

Mejor actriz secundaria
Marion Cotillard (Nine)
Vera Farmig (Up in the air)
Anna Kendrick (Up in the air)
Mo'Nique (Precious)
Julianne Moore (A single man)
Samantha Morton (El mensajero)

Mejor intérprete joven
Jae Head (The blind side)
Bailee Madison (Brothers)
Max Records (Donde viven los monstruos)
Saoirse Ronan (The lovely bones)
Kodi Smit-McPhee (The road)

Mejor reparto
Nine
Malditos bastardos
Precious
Un in the air
Star Treck

Mejor guión original
The hunt locker
Un tipo serio
Up
Malditos bastardos
500 días juntos

Mejor guión adaptado
Fantastic Mr. Fox
District 9
Precious
A single man
Una educación
Up in the air

Mejor fotografía
The hurt locker
Nine
Avatar
The lovely bones
Malditos bastardos

Mejor montaje
Up in the air
Malditos bastardos
Nine
Avatar
The hurt locker

Mejor banda sonora
Up
El soplón
Tiana y el sapo
Sherlock Holmes
Donde habitan los monstruos

Mejor canción
"All is love" (Donde habitan los monstruos)
"Almost there" (Tiana y el sapo)
"Cinema italiano" (Nine)
"I want to come there" (Todos están bien)
"The weary kind" (Crazy Heart)

Mejor diseño de vestuario
Nine
Bright Star
La reina Victoria
Malditos bastardos
Donde habitan los monstruos

Mejor sonido
Avatar
Nine
Distrito 9
The hurt locker
Star Treck

Mejor dirección artística
A single man
Avatar
Nine
Malditos bastardos
The lovely bones

Mejores efectos visuales
Avatar
Star Treck
The lovely bones
Distrito 9
2012

Mejor maquillaje
Avatar
Nine
Distrito 9
Star Treck
The road

Premio honorífico Cecil B. DeMille
Martin Scorsese